Fotogramas: Críticas

Sueño y silencio

Fri, 25 May 2012 10:39:28 GMT

Nada parece más distante de las vigorosas pinceladas de Miquel Barceló en el prólogo y en el epílogo de esta película, admirable por donde se la mire, que la tozuda búsqueda de esa adherencia a lo real que Jaime Rosales se empeña una y otra vez en explorar. Y sin embargo, detrás de las imágenes que pinta el mallorquín nacen siempre otras, sustituidas por el rápido movimiento de la muñeca, como si siempre hubiesen estado allí, de la misma forma que en los planos se intuye siempre otra cosa, algo que nos obliga a mirar hipnóticamente en busca de la epifanía de lo misterioso que vive en sus encuadres más allá de lo palmariamente real.

Reducir 'Sueño y silencio' a un argumento es sencillo: es la exploración del día a día de una pareja y sus dos hijas, y lo que les ocurre cuando se produce un accidente. Nada más, y nada menos, claro. Porque la cámara de Rosales, nunca inquisidora pero obsesivamente presente, se detiene, como en las mejores películas de Manoel de Oliveira, en la exploración no del suceso, sino de sus consecuencias. Y el resultado es un film ejemplarmente simple y al tiempo emocionalmente complejo, el recordatorio de aquel viejo proverbio sufí que dice: Esto también pasará. Sí, pero hay que vivirlo. Tiene el discurso las hechuras del gran cine, su tempo es emocionantemente terso: es la obra de un creador mayor en estado de gracia.

Girimunho, imaginando la vida

Fri, 25 May 2012 07:22:25 GMT

Girimunho quiere decir remolino. El remolino del agua, el remolino de la vida que poco a poco se nos va tragando sin que nos demos cuenta. Girimunho no es un documental, es un retrato. El de una anciana llamada Bastu que vive en un pueblo del interior del Brasil. El film se abre con una frase impactante. “El tiempo no para, los que paramos somos nosotros”; y se cierra con otra frase igualmente potente: “Ni nacemos, ni morimos. No somos ni viejos, ni jóvenes. Solo vivimos”. Estas dos frases encierran la idea matriz de Girimunho. Vivimos. Es lo que hace Bastu y lo que quiere transmitir a su nieta Branca. Vivimos y eso es lo maravilloso. Pero los directores no olvidan que estamos ante un film de autor y no un documental de National Geographic. Y en el discurso del vivir introducen su mirada, su punto de vista. Es aquí donde creo que se pueden detectar un error y un acierto. Como si estuvieran bajo el mandato de aquel viejísimo Dogma de Lars Von Trier, la película esta totalmente filmada con luz natural, lo que produce el error, ya que al lado de imágenes de una belleza sublime hay otras que simplemente no se ven. Y siguiendo el Dogma, toda la música que se escucha, y es mucha, surge de la narración. Este es el acierto ya que tanto los tambores de la batucada, como las canciones, son parte imprescindible y hermosa de lo que estamos viendo.

Moonrise Kingdom

Wed, 23 May 2012 15:26:56 GMT

Si los inmortales Franny y Zooey no hubieran sido hermanos, habrían estado enamorados como lo están Sam y Suzy en 'Moonrise Kingdom'. J.D. Salinger condenó a la singularidad –también al aislamiento– a sus sabios personajes, y Wes Anderson, el Holden Caulfield del cine americano, recoge su testigo en una fábula que retrata la preadolescencia como perfecto paraíso perdido, isla que es a la vez casa de muñecas y bosque legendario, a la vez teatro de títeres y novela de Enid Blyton. El rígido formalismo de sus primeras películas parece derretirse: la espiral neobarroca de colores y decorados se pone al servicio de una conmovedora historia de amor, en la que la fijación por los fetiches de la infancia –un tocadiscos a pilas, una carta escrita con letra temblorosa, unos prismáticos que todo lo ven– incendia una relación tierna y extravagante, que Anderson, optimista y luminoso, contempla desde la complicidad.

Es hermoso el modo en que la pureza de ese amor ensombrece el fracaso sentimental de los adultos, tiñendo de melancolía un relato que, en esencia, quiere captar el escalofrío de un primer beso a orillas del mar. Tan ligera como una canción de François Hardy, tan cristalina como una pieza de Henry Purcell, Moonrise Kingdom es lo más cerca que Anderson ha estado del mejor Truffaut.

En fuera de juego

Wed, 23 May 2012 14:53:51 GMT

Si nos pusiéramos en plan sociólogo o incluso antropológico, diríamos, sin pestañear, que la actual situación económica del país está provocando una serie de títulos que, como 'En fuera de juego', nos retrotraen a los tiempos de Berlanga & Azcona & Ferreri. Hace unos meses tuvimos '5 metros cuadrados', de Max Lemcke, y ahora, con el mismo protagonista, ese prodigioso Fernando Tejero, esta comedia a propósito de uno de los posibles métodos contemporáneos para pasar de la pobreza a la riqueza absoluta: el fútbol. Y ahí consigue sus mejores momentos el film, en el retrato del entramado futbolístico, como si de una empresa cualquiera se tratara. Más que en la descripción de la vida particular de los protagonistas, mucho menos interesante. Al menos, tal como lo plantean director y guionistas.

En la película no llegamos nunca a ver al joven crack argentino en acción (y sí víctima de todo tipo de líos, ajenos o buscados y consentidos): y es que no importa tanto su arte en el terreno de juego como los millones que su juego de piernas pueda dar (o no) a una serie de personajes que, a falta de pasta, usan la pillería, los miniengaños, las excusas y las chapuzas para no hundirse. Contra la crisis, ironía, sarcasmo y crítica social, que es gratis.

El arte de amar

Mon, 21 May 2012 12:06:17 GMT

No se cuál es el motivo de que haya tantas películas de episodios últimamente. Sobre todo en el cine francés. Hace poco pudimos ver 'Los infieles', y ahora se estrena 'El arte de amar'. Pero si 'Los infieles' busca su inspiración en las comedias italianas de los años 60, El arte de amar se fija más en el cine de cruce de historias de Robert Altman. Aunque en realidad es una mezcla de ambas cosas. Todo empieza con un músico que piensa que cada historia de amor tiene una melodía particular. Eso es lo que hace Emmanuel Mouret, darle una música a cada una de sus historias de amor. Historias autónomas con apenas algún punto de roce entre unas y otras, un cruce de miradas en la calle, una coincidencia. Historias que guardan entre sí una unidad musical.

Todas tocan una melodía de amor a diferentes voces: la polifonía de una mujer que ama a muchos hombres pero solo quiere a uno; el dueto cómico de una pareja de vecinos; el cuarteto de cuerda que interpretan una mujer, su mejor amigo, su marido y una amiga con problemas; la tristeza de la canción de amor de una pareja que quiere darse libertad. Historias contadas con frescura y muy próximas. Cuentos morales (no rohmerianos) que buscan la complicidad de un público adulto dispuesto a reconocerse en uno u otro de esos enamorados.

Los niños salvajes

Mon, 21 May 2012 12:02:37 GMT

De sólida formación periodística, muy centrada en el mundo del cine, Patricia Ferreira parece haber contagiado su breve obra como realizadora de esta base profesional, otorgando a sus películas, por una parte, unos guiones férreos, sólidos, robustos, prestos a complicarse con sensatez y orden y sin exhibicionismos, y, por otra, unas historias siempre enmarcadas en grandes temas/preocupaciones sociales, carne de periodismo: la pérdida de los seres queridos, el sida, la vejez...

Ahora le toca el turno a los adolescentes, y, de nuevo, con una mujer como protagonista del relato, el incómodo personaje que la joven Marina Comas interpreta con tanta convicción y desparpajo como en 'Pa negre' (2010), de Agustí Villaronga. El esquema narrativo recuerda a 'Rashomon' (Akira Kurosawa, 1950) con gotas de 'Elephant' (Gus Van Sant, 2003), una emblemática cinta con la que esta también comparte un mismo escenario. Se trata de un polvorín a punto de estallar en el que los idiomas (catalán, castellano) se combinan de una manera realista, actual, en boca de unos actores que, como también es marca y orgullo de Ferreira, están escogidos a medida y dirigidos al milímetro. Naturalidad por encima de todo. Y vida.

Men in Black 3

Mon, 21 May 2012 11:56:35 GMT

Que nuestro planeta fuera un guateque, muy Blake Edwards, de razas alienígenas, fue el mayor mérito de las dos anteriores entregas de 'Men in Black'. Un slapstick extraterrestre y popie, en una onda que hacía posible la convivencia entre la alegría cómplice Amblin y la excentricidad de Tim Burton. No fue obra de Burton, sino de un Barry Sonnenfeld recién llegado de 'La familia Addams'. Ese espíritu loco y bizarro de antaño sobrevive en contadas secuencias de esta tercera parte: ejemplos, la escapada lunar que abre el film, la comedia física en el restaurante chino, la caída hacia el pasado y la persecución motociclista.

Ahí Barry Sonnenfeld se siente a gusto dentro de un embolado al que le falta un guión redondo, que sufre la desgana de alguno de sus intérpretes (Tommy Lee Jones) y tiene un tono sentimentalista impropio de este universo satírico. Ni ese viaje temporal hacia 1969 (salvo la escena dentro de The Factory con Andy Warhol) ni los breves roles de Emma Thompson o el carisma del malvado dan juego en este film. Quedan, eso sí, el sobreesfuerzo de Will Smith por salvar los muebles recuperando su verborrea y gracejo en el gag gestual, y un Josh Brolin pasándoselo muy bien en su clonación paródica de Jones.

El canguro

Thu, 17 May 2012 16:04:56 GMT

Cada época del cine tiene su gordo icónicamente divertido, y cada uno de ellos ha acabado protagonizando una misma comedia: la comedia paternal. Así, Jonah Hill (nuestro nuevo gordo favorito) se convierte en padre forzoso en El canguro siguiendo la estela de una de las más añoradas luminarias de la comedia USA de los 80 y 90: John Candy. El Solos con nuestro tío de Candy y su tocayo John Hughes es, en la escatológica y drogota cinta de David Gordon Green, referente a la hora de modelar al personaje central: pasablemente guarrete, expeditivo, golferas, irresponsable, de vida sentimental/sexual caótica…, pero finalmente comprensivo. Sí, los tiempos han cambiado, y del humor blanco con toquecitos cartoonish del tío Buck, pasamos al maravilloso mundo de los superfumados (John Belushi que estás en los cielos, alabado sea tu nombre…), del sexo oral y de los fluidos como deus ex machina de las carcajadas. Y si este reciclaje del modelo Hughes/Candy ya resulta estimulante, lo mejor de El canguro (que vale, podría haber estado mucho más desfasada y menos autocomplaciente con sus personajes centrales) reside en su calidad de remake nada encubierto de una de las piezas de oro ochenteras de la comedia teen: Aventuras en la gran ciudad, de Chris Columbus. Jonah Hill es Elizabeth Shue, la niña vestida de Thor es ahora una aspirante a miss infantil pasto de pedofilia, el Playboy de los ladrones de coches pasa a ser un montón de drogas, y los mafiosos de turno un despiporrante Sam Rockwell adicto a los chistes malos y los refugios llenos de maromos cachas… La peripecia de ambos films es idéntica (y el final a contrarreloj con el coche de los padres, el mismo), aunque el tono en esta réplica Hill es muchísimo más grueso. Queda, entre uno de sus aciertos no cómicos, el tratamiento valiente y normal de la homosexualidad infantil… aunque no se resista a hacer un par de chistes al respecto que no molestan. Resumiendo, una comedia que funciona como espejo de lo que éramos de jovencitos en los 80… y lo que más o menos somos (gordura incluida) en el siglo XXI.

Un feliz acontecimiento

Thu, 17 May 2012 11:53:51 GMT

Rémi Bezançon reincide en su nuevo largo en el concepto de su anterior película, la estimable 'El primer día del resto de tu vida' (2008). Si entonces tanteaba el paso de la adolescencia a la adultez, las crisis de edad o los cambios en la estructura familiar, ahora aborda con franqueza la maternidad. Basado en una novela de Eliette Abécassis, el film cede a lugares comunes en su retrato de los roles de una pareja joven frente al nacimiento de su primer hijo. Pero, pese a esas presuposiciones perezosas, interesa por la naturalidad (a cuyo favor juega un eficaz sentido del humor) con que plantea temas como el instinto maternal, la depresión postparto y los cambios en la pareja tras el nacimiento, y por la osada desmitificación de la maternidad al exponer pros y contras con igual vehemencia.

La sombra de la traición

Thu, 17 May 2012 11:31:58 GMT

No ha habido una guerra más larga/ alargada y caliente que... la Guerra Fría, precisamente. Un conflicto, un sentimiento, un estado de alerta que, una vez desmenuzada la ex Unión Soviética, sigue ahí, aunque transformada: a veces, más que fría, tibia; otras, súper helada. Y el cine sigue aprovechándose de este enfrentamiento, sobre todo, a base de films de intriga y espionaje como este. Así, pasamos de la frontera mexicana a las calles de Washington en una versión políticamente correcta de la paranoia anticomunista (ahí están Richard Gere y Martin Sheen para darle un empaque más progre y moderno al producto), en una sociedad donde los rusos mueven en los bajos y también en los altos fondos.

En un argumento que se propone ir destapando sorpresa tras sorpresa, y que hace que dudemos hasta del apuntador, es mejor que el espectador vaya a ver el film de Michael Brandt lo más virgen posible. No, no es 'El espía que surgió del frío' (Martin Ritt, 1965) o 'El Topo' (Tomas Alfredson, 2011), pero, dentro de su modestia, 'La sombra de la traición' consigue sus objetivos: entretener, intrigarnos y que, de paso, Gere se pegue unas carreritas. Friamente y con motivos personales.

Hijos de las nubes, la última colonia

Thu, 17 May 2012 07:50:19 GMT

El activismo de Javier Bardem en favor de los derechos de los saharauis es bien sabida. Este documental se inicia casi al mismo tiempo que la concienciación del actor, al asistir a una edición del Fisahara. Pero Hijos de las nubes no tiene a Bardem como protagonista; es un gancho importante pero utilizado con moderación, para llamar la atención sobre el problema del Sahara Occidental. Con vocación didáctica, traza el recorrido histórico con precisión, recaba opiniones y posicionamientos y trata de romper los notables silencios instalados en los principales países implicados, sobre todo Marruecos y España. Surgen algunas declaraciones importantes, aunque es expresiva de la situación la cara que pone Bardem después de llamar una y otra vez a teléfonos que no contestan. El tono es de reportaje de alto nivel, pero Longoria también evoca el imaginario cinematográfico a través de las formas del desierto y la luz, sin dejarse llevar por el esteticismo. Y logra un informativo y emotivo instrumento de concienciación y denuncia.

Sombras tenebrosas

Mon, 14 May 2012 07:45:42 GMT

A favor, por Pere Vall.

'Sombras tenebrosas' es un retorno negro, romántico, melancólico y pesimista al mundo y los personajes de 'Bitelchús' (1988). Apenas hay explosiones de alegría, y, en vez de sonar Harry Belafonte en la mesa de comer, Chloë Grace Moretz ejecuta, sola, una lenta y triste coreografía, de pie, a su rollo, incomprendida por el resto. ¿Quién puede matar las ilusiones de un niña que quiere salir, cuanto antes, del caserón de Rebeca de Winters y convertirse en la más moderna de Nueva York? Casi todos. ¡Parece una conspiración! Por suerte, ahí está Barnabas Collins (maravilloso Johnny Depp), regresado de la muerte y extrañado por culpa de un mundo que no es el que dejó 200 años atrás, pero que, finalmente ayudará a transformar, poniéndolo un poco a su medida. Que corra el aire y, aunque sea una contradicción, que entre la luz en estas estancias viciadas. Es evidente que Burton ha escogido un argumento para sentirse cómodo, pero también que ha sido capaz de darle otra vuelta de tuerca a sus personajes de siempre: los Collins no pueden ser solo los freaks del pueblo, ni los malos, porque, para empezar, ahí está esa Angelique Bouchard (Eva Green) que les quita el puesto con sibilina habilidad. Sombras tenebrosas,con muchas más capas de complejidad de lo que se ha dicho, es un punto y aparte en la carrera de Burton, una reafirmación de estilo para lanzarse hacia rutas más salvajes. ¿Qué tiene de negativo agarrarse no a lo fácil, sino a lo que tienes controlado?

En contra, por Jordi Costa.

En los últimos años, Tim Burton ha preferido abdicar de la legítima autoría para convertirse en un señor que coloca su envoltorio a todo objeto cultural susceptible de ser burtonizado. Ahora le ha tocado el turno a Dan Curtis, compañero de batallas de Richard Matheson, nombre a reivindicar del fantástico americano, creador de personajes televisivos tan inolvidables como Kolchak o Barnabas Collins, el vampiro que escribió una página dorada en la historia del medio al irrumpir en el culebrón “Dark Shadows” un año después de su emisión, sin que el giro fantástico se intuyese previamente. Con sus 1.225 episodios, “Dark Shadows” se convirtió en un referente generacional para el joven televidente norteamericano de finales de los 60: Burton y Depp han decidido tomar este pedazo de su memoria sentimental para ajustar cuentas con la superficie pop de la década siguiente. Tendrán sus motivos pero a este crítico se le escapan. 'Sombras tenebrosas' también muta el culebrón original en farsa desnortada, de la mano del guionista Seth-Grahame Smith, autor de novelas mash-up como 'Orgullo y prejuicio zombi'. El resultado está más cerca de la (mala) obra de fin de curso que de una relectura post-moderna, con un clímax final propio de un calco directo-a-vídeo de 'La muerte os sienta tan bien' (Robert Zemeckis, 1992).

Profesor Lazhar

Fri, 11 May 2012 11:59:11 GMT

Desconozco la pieza teatral que sirve de base a esta película absorbente, pero qué duda cabe que los mimbres con que parece hecha no pueden ser más pertinentes: integración cultural, social y laboral de personas de otras culturas, choques que ocasiona dicha integración, responsabilidad de una sociedad avanzada en la preservación de oportunidades en una situación económica cada vez más compleja: ahí es nada.

Y de todo esto va 'Profesor Lazhar', una película considerablemente audaz, que concede protagonismo no a un inmigrante magrebí pobre, sino a un maestro de escuela; y que condensa en el aula de clase de una escuela canadiense todas las contradicciones de una sociedad permeable y compleja.

Concebida para hacer pensar, pero sin ocultar también que lo hace a partir de los sentimientos, la película que ha dirigido Philippe Falardeau sirve igualmente para hacernos ver que, detrás de un inmigrante, hay todo un mundo, unas contradicciones no menores que las nuestras: el poderoso peso de una historia personal, duros traumas incluidos. Hábil para pulsar las más finas cuerdas emotivas (ahí es nada enfrentar a la infancia con la muerte), la mezcla de drama y sonrisas de este film lo hacen particularmente apto para públicos variopintos.

Infiltrados en clase

Tue, 08 May 2012 11:01:38 GMT

Si Brad Bird, genio del cine de animación, acabó traicionando sus orígenes en aras a la funcionalidad al servicio de una star (Tom Cruise) en 'Misión Imposible: Protocolo Fantasma', la pareja de animadores que han saltado a la imagen real con 'Infiltrados en clase' no reniegan del alma cartoon. Y lo hacen al más puro estilo Frank Tashlin: conscientes de que el cine tiene su lenguaje...perfectamente asimilable al del universo paralelo Looney Tunes. Sirvan de ejemplo las escenas de las fases del tripi (puritita estética UPA + MTV), y las de la persecución final, cuyo suspense alrededor de una esperada explosión culmina en un homenaje al gag absurdo de Bill Plympton. Y es que, seguramente, esta relectura maliciosa siglo XXI de la catódica y ochentera 'Nuevos policías' tenga más puntos de conexiones con el 'Hair High' de Plympton que con el paródico 'Starsky y Hutch' de Ben Stiller y Owen Wilson. Haciendo uso de un más que inteligente sentido de la observación y de la perversión de la nostalgia, 'Infiltrados en clase' reformula dos subgéneros tan 80's como la buddy-movie y la high school comedy, convirtiéndolos en un viaje temporal (un 'Jacuzzi al pasado') que no lo es muy satírico. Tal vez haya demasiadas concesiones al humor gordo-flaco guapo propio de Jonah Hill (divertido, aunque Channing Tatum le robe los aplausos sin esfuerzos), y una caída en clichés blandorros (la amistad, el amor...), pero se le disculpan ante sus golpes de humor cazurro (lo que el malo maloso tiene que recuperar con su boca) y su mensaje: hoy, los villanos son los fans de 'Glee'. Espectáculo teen con multitud de chistes sobre la cultura audiovisual eighties, este dibu en carne y hueso acaso retenga un mayor y deseable salvajismo, pero al menos permite que los dos protas (uno ya no es sorpresa en su cameo) de la original serie televisiva (que llegaron a odiar) ajusten cuentas con un toque homosexualmente tarantiniano.

Un amour de Jeunesse

Mon, 07 May 2012 14:40:26 GMT

Las películas de Mia Hansen-Løve ('Le père de mes enfants') fluyen como el agua: sumergidas en un movimiento perpetuo, protagonizadas por gestos y andares cargados de misterio, proyectan una visión melancólica de la vida. Así, el tercer film de esta joven realizadora francesa nos invita a navegar por la voluble psicología de una joven enamoradiza que debe batallar contra sus tendencias depresivas y sus dependencias afectivas. Por su parte, Hansen-Løve confirma que la fisicidad es la principal seña de identidad de su cine, que con 'Un amour de jeunesse' toca el cielo gracias al audaz uso de la elipsis y a la transparencia cristalina de sus imágenes, impulsadas por aquel latido (a veces trágico, a veces vitalista) que hiciera de Jean Renoir el príncipe eterno de los ríos cinematográficos. Por momentos, da la impresión de que la directora juega sobre seguro, pero su talento y delicadeza son indiscutibles.

Un amour de Jeunesse

Mon, 07 May 2012 14:40:26 GMT

Un lugar donde quedarse

Mon, 07 May 2012 10:40:33 GMT

A FAVOR por Ricardo Aldarondo.

Colocar a una desorientada estrella del rock, con el talante caprichoso de Michael Jackson y la estética de Robert Smith, al frente de una búsqueda de un viejo oficial nazi para intentar vengar a un padre, es una idea ciertamente arriesgada. Pero es la sorpresa y la incertidumbre de esa evolución, entre tonos e intenciones chocantes, lo atractivo del film. Paolo Sorrentino experimenta con cosas que le interesan sin preocuparse de la homogeneidad. Pero muchas de esas cosas brillan suficientemente: un personaje tan patético como tierno que parodia con tino a la estrella de rock como monstruo; una puesta en escena muy sugerente en lo estético, aunque pueda pecar de esteticista, con herencias viajeras de Wim Wenders; un gusto por la música en la banda sonora con canciones de David Byrne (más las versiones del tema-título de Talking Heads en manos de otros) y Will Oldham, y una habilidad para ir cambiando de registro a lo largo del film, aun a riesgo de desconcertar al espectador. Sean Penn, entre lo sarcástico y lo ridículo, asume con decisión el juego de excéntricas sensibilidades que propone Sorrentino.

EN CONTRA por Sergi Sánchez.

Decididamente, Sean Penn opta al Oscar a la interpretación más ridícula de la historia encarnando a este fósil del punk rock que, con la voz criogenizada en un murmullo inaudible y el maquillaje intacto después de su último concierto siglos atrás, decide romper su exilio voluntario en una fúnebre torre de marfil para perseguir al nazi que torturó a su padre. El personaje de Penn en la película de Paolo Sorrentino, llamado Cheyenne, es un objeto estático no identificado en una historia que se obstina en darle la espalda: de inenarrable reflexión sobre el anonimato como impulso irracional contra las exigencias de la fama, Un lugar donde quedarse se convierte, sin solución de continuidad, en severo ajuste de cuentas con los avatares de la Historia. Lo peor no es que Cheyenne parezca haberse caído de un guindo, o de aquel planeta salvaje imaginado por Roland Topor. No, lo peor es la avidez de Paolo Sorrentino por transformar cada plano de este despropósito en un elogio de la impostura extravagante.

Seis puntos sobre Emma

Mon, 07 May 2012 08:55:37 GMT

Roberto Pérez Toledo se ha formado en el mundo de los cortometrajes dramáticamente cómicos, donde la chispa, el gag y la idea brillante se insertan en un guión de hierro, donde no se puede desaprovechar ni un segundo en divagaciones: ¡no hay tiempo! Así pues, de entrada, tenemos que celebrar que la mirada del director siga estando presente en todos y cada uno de los personajes, los actores y las situaciones de su exitoso salto al largo. Además, por si fuera poco, el cineasta parece querer complicarse la vida al poner como centro del relato a un personaje tan egoísta, calculador y por momentos hasta antipático como el de Verónica Echegui, cuyo talento, es inevitable, tenemos que volver a alabar y destacar, dentro de un conjunto de intérpretes notable y notablemente bien dirigido. Puestos en la dura y contradictoria situación de tener que identificarnos con una protagonista que no es trigo limpio (aunque tampoco sus compañeros son unos angelitos), nos enfrentamos a una comedia agria cuyos máximos valores, actores aparte, son su capacidad para guardar secretos sobre sus personajes, su ritmo alegre y un final tan abrupto y desagradable como consecuente, coherente y valiente. ¡Mueran los cuentos de hadas!

Miss Bala

Mon, 07 May 2012 08:24:31 GMT

En toda crónica del crimen organizado cabe la tentación de revestir la violencia, y sus modos de vida, de un cierto atractivo. Gerardo Naranjo, en esta potente, frenética y absorbente Miss Bala, evita a conciencia relacionar ese submundo con la idea de triunfo, y lo hace precisamente a través de un personaje que procede del lugar contrario, pero también aspira a su modo al éxito. El contraste es evidente y radical, tan simple como evidencia el título: la chica inocente y modesta, con sueños de acceder a un mundo de brillo y admiración, que se ve envuelta en lo más salvaje del México en el que habita. Una chica cuya única riqueza es su belleza, que desemboca en el laberinto del narcotráfico y el crimen; dos caras de un país marcado por una falta de expectativas y por la violencia. En lugar de optar por el retrato sociológico compasivo, Naranjo lanza a su omnipresente protagonista a una batalla por la supervivencia con puro corazón de thriller. Sangre, sudor y lágrimas envuelven a una Laura Guerrero de significativo apellido, interpretada por Stephanie Sigman con tanta fiereza como delicadeza. La cámara incansable se corresponde con una inagotable capacidad para reiniciar las situaciones por otros caminos, y dotar de matices sin estereotipos a cada uno de los personajes.

Les Lyonnais

Fri, 04 May 2012 09:26:41 GMT

Visto por la crítica internacional como alumno aplicadísimo de Michael Mann, la verdad es que Olivier Marchal tiene más un ADN propiamente francés que norteamericano. La mejor prueba es esta crónica criminal crepuscular tan dura y desencantada como las arrugas del pétreo rostro de Gérard Lanvin, un homenaje arrollador que te hace saltar las lágrimas hacia ese referente del polar que fuera Jose Giovanni. Oda a la camaradería abocada hacia la tragedia, a códigos de honor entre ladrones, a la imposibilidad de borrar el pasado… en cada plano reina el furor, la belleza y el arrebato de films de Giovanni como El Clan de los Marselleses (1972) y Alias El Gitano (1975). Marchal y sus personajes (un Carlito Brigante criado entre gitanos y un Sonny Corleone caló), más allá de notables secuencias de robos y ejecuciones, se miran
en ese policial setentero. Y se perdonan haciendo de la sangre el vínculo más fuerte de la familia.

Wilaya

Thu, 03 May 2012 15:40:24 GMT

Wilaya es el nombre con el que se conocen los campamentos de refugiados saharauis. A uno de estos campamentos vuelve Fatimetu cuando muere su madre. Es una joven saharaui que ha vivido en España desde los 6 años. En Wilaya se encuentra con su hermana, Hayat y su hermano Jatri. 'Wilaya' acaba en un plano impresionante y sereno, un plano de esperanzas en un paisaje blanco de arena y Sol donde los campamentos de refugiados saharauis sobreviven de la caridad del mundo.

Hay un poso de desidia en estas gentes que saben que tienen lo elemental asegurado, comida, agua, y poco más. Los hombres se acomodan a una situación que resulta muy fácil. "Ya me ayudarán", piensan. Por eso cuando Fatimetu decide tomar las riendas de su vida y montar un negocio junto con su hermana Hayat, su gesto y su decisión provocan una autentica conmoción en la sociedad masculina del lugar, especialmente en su hermano. Las mujeres tiran del carro, las mujeres cargan con el trabajo, las mujeres saben que acomodarse es morir. Un pensamiento surge viendo la película: la cooperación y la ayuda son necesarias, pero acaban por infantilizar a la población. Esta película, aparte de hermosa, plantea una pregunta: ¿cuál debe ser la auténtica solidaridad, la de la caridad o la del estímulo?

El hombre sin pasado

Thu, 03 May 2012 15:26:05 GMT

El film mas taquillero del cine coreano, El hombre sin pasado es puro cine negro con mucha violencia, pero poco realismo. Estamos ante una violencia no exactamente coreografiada como es habitual en el cine oriental chino. Mas bien es una violencia interiorizada. Se habla muy poco, se dice mucho con los silencios. El hombre sin pasado, título de reminiscencias kaurismakianas, en realidad nos remite, como tantos thrillers contemporáneos, a Melville. Un héroe solitario, se ve obligado a salir a la superficie para salvar a una niña, la única persona en el mundo que le importa de verdad. Como trasfondo, traiciones y venganzas entre las mafias que trafican con drogas, pero también las que trafican con seres humanos. Niños que suministran órganos muy valorados en los ricos??? países occidentales. Tae-shik, el protagonista con un ojo siempre tapado por un mechón de pelo, no es un simple vengador. Es un justiciero. Hizo algo malo, muy malo, aunque fuera amparado por la ley. Y lo paga viviendo escondido. Lo mas sorprendente de la película es la extraña relación de espejos que se produce entre Tae-shik y su antagonista, un asesino a sueldo de las mafias que quiere matarle, pero no puede evitar admirarle. Uno se refleja en el otro. Como Stanley White y Joe Tai en Manhattan sur de Cimino.

Safe

Thu, 03 May 2012 15:15:02 GMT

Jason Statham se ha convertido en algo parecido a una manta térmica para los amantes del cine de acción: con él, uno sabe que siempre se va a sentir cómodo, que todo va a estar en su sitio (nada de coartadas dramáticas y demás monsergas) y que, al final, va a acabar complacido. Películas como ‘Safe’ se sitúan ligeramente por encima de esa media acomodaticia (pero increíblemente satisfactoria) y sacan al astro de su rutina, ofreciendo al mismo tiempo lo mejor del género que domina con mano de hierro. Durante el primer acto de este thriller de acción con niña y doble fondo, Statham demuestra poseer un músculo interpretativo que sorprenderá a algunos de sus detractores, componiendo un personaje lacónico, descarnado y complejo por el que sentiremos verdadero apego cuando llegue la hora de repartir plomo y puñetazos secos.

Escrita y dirigida por el inclasificable Boaz Yakin —responsable de dramas de prestigio como ‘Flesh’ y de productos autocombustibles como ‘Niñera a la fuerza’—, ‘Safe’ supone un retorno a ese modelo de thriller sucio y sin compromisos que Sam Fuller popularizó en los sesenta y que, el año pasado, ya homenajeó la brutal ‘Sed de venganza’. La atmosférica banda sonora de Mark Mothersbaugh acompaña a una cámara frenética por los bajos fondos de Nueva York, metonimia de un país incapaz de gestionar los pactos con el lado oscuro que se cerraron tras la caída de las Torres Gemelas. Tan certera en su crítica social como en sus set pieces, ‘Safe’ contiene un retruécano final que acredita a Statham como la gran estrella de acción para estos tiempos turbulentos.

Los diarios del ron

Thu, 03 May 2012 08:12:12 GMT

Hunter S. Thompson es símbolo de sinónimos de osadía estilística. Y atrevimiento y personalidad propia es lo que necesita cualquier cineasta que aspire a reflejar e interpretar el espíritu de Thompson. Lo consiguió Terry Gilliam con 'Fear and Loathing in las Vegas' (1998), y ha hecho un (meritorio) intento Bruce Robinson, a partir de esta obra de juventud del escritor que es 'Los Diarios del Ron'. Sorteando, siempre que puede, la postal, y, en cambio, incidiendo en decisivos aspectos del protagonista como son su búsqueda del toque personal, y su adhesión al alcohol y las mujeres, pinta un San Juan de Puerto Rico tan atractivo como peligroso, se beneficia de un excelente casting y lanza dardos contra el imperialismo y la especulación, un tema tan candente ahora como en 1960.

El sexo de los ángeles

Thu, 03 May 2012 08:06:38 GMT

Desde los lejanos tiempos de los truffautianos Jules, Jim y Catherine, el número tres en materia sentimental ha sido casi siempre e irremediablemente dañino, una mala cifra, una utopía entre hippie, naïf y anarquista que ha acabado con las mejores intenciones de los que han osado defenderla ante el rechazo de la sociedad bienpensante. Pero no siempre la culpa es de los otros, claro, y hay que hacer examen de conciencia, como lo hacen estos jóvenes ángeles de ciudad actuales, que se enfrentan al triángulo como si, ingenuos, fueran los primeros en hacerlo, cosa que convierte el film de Xavier Villaverde en una refrescante y progresista puesta al día de un tema eterno, a menudo asociado al capricho pasajero y voluble.

Sin miedo a las escenas de sexo, no explícitas pero sí muy concretas, y nunca gratuitas o morbosas, El sexo de los ángeles apuesta por defender un modelo de relación en el que los primeros enemigos son los mismos practicantes. Todo ello, en un (¿quizá demasiado?) idílico entorno alternativo, artístico, librepensador en el que Álvaro Cervantes, cual bondadoso y arrollador ángel exterminador de prejuicios, enfrenta al resto de participantes en esta aventura a sus miedos, incapacidades, contradicciones y carencias.