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Un camino posible

Wed, 19 Jun 2013 12:00:13 GMT

Hacia un deleite de ascensos y descensos vertiginosos conducen los objetos de Gaspar Luna construidos con fósforos, ondulaciones que logra al colocar y unir, una por una, las cabecitas rojas de decenas y decenas de palitos que insume cada obra. Otras puntas, en este caso la de las microfibras de colores, serpeantean por el papel en círculos, en sus dibujos multicolores. Una visión centrífuga propone el joven artista en ambas obras. Con esta visión abrirá hoy a las 20 el ciclo 2013 de la galería Artis (Lima 909) en barrio General Paz.

Al revés que cualquier galería, aquí la trastienda ("Lo nuevo que va entrando", a decir de Gustavo Límperis, su director) está en el ingreso y no atrás. Gaspar Luna es el autor novel que se expone, entonces. Con sus objetos y dibujos se encontrará el visitante en este espacio de promoción de nuevos artistas. Ya en la sala principal, la galería presentará esta tarde dos muestras individuales enfrentadas: "Philippines", de Ángel Pacheco, con curaduría de Aníbal Buede; y "Moloch", del porteño San Poggio.

Como si tres muestras fueran poco, Artis también exhibirá hoy –en una trastienda más íntima– algunas de las obras de Oscar Suárez y la dupla Chiacchio-Giannone, que llevó este mes a la feria de arte latinoamericamo "Pinta Londres". En lo que resta del año, la galería mostrará las individuales de Julia Romano, Noelia Farías, y Benito Laren.

"Philippines"

La muestra del cordobés Ángel Pacheco se erige a partir de un grupo de obras que gustan establecer nexos, conectando distintos lenguajes y procedimientos como la pintura, la instalación, la fotografía y el objeto.

"Es dificultoso definirme como artista, tanto como definir al arte. Trabajo a partir de ideas que se relacionan con mis deseos, y que me mantienen en constante cuestionamiento", sostiene el artista, en plan exploratorio por su propio universo. Una sección de su muestra se compone de pequeñas pinturas, porciones sinuosas y jugosas de búsquedas en la materia, algunas de éstas, portadoras de claros signos, que dialogan con una gran pintura azul y sus tres puntos rojos.

"Leyendo sus obras, por más que lo intentes una y otra vez, terminas sin entender. Sus piezas no significan nada que puedas asimilar fácilmente", afirma Buede, curador de esta muestra que viene produciéndose desde hace un tiempo.

Una mesa con rueditas pintada de rojo es una de las obras que, como otro pequeño mueble, ofrecen su superficie horizontal como territorio de un posible paisaje. Dos fotografías y una línea (LED) que contornea algo como una silueta, completan el panorama, como pistas dispuestas allí para deducir algo. Es muy curioso el cuadro con marco dorado que encierra la "ventana" de una página web.

"Esos relatos te llevan a un espacio incierto en el que invariablemente hay que generar pensamiento", ironiza Aníbal Buede, al tiempo que deduce la ausencia del "tema", en estas piezas que "se desplazan de un lado a otro sin proponer una mísera certeza".

En todo caso, Ángel Pacheco ha llegado hasta allí (el espacio ficcional que ahora le ofrece la galería) para decidir en una puesta misteriosa, si no un destino, al menos un posible camino.

Apertura 2013. Miércoles a las 20 la galería Artis (Lima 909, barrio General Paz) inaugura su ciclo 2013 con las presentaciones de las muestras "Philippines" de Ángel Pacheco (curador, Aníbal Buede); y "Moloch", de San Poggio. En trastienda: obras de Gaspar Luna. Entrada libre y gratuita.

Jorge Marziali llega con poemas de papel

Tue, 18 Jun 2013 03:02:02 GMT

“Son palabras que han nacido para ser abrigadas por el papel”, dice Jorge Marziali, el cantautor que ha echado a volar tantos versos hechos canciones, pero que ahora regresa a la ciudad de Córdoba para presentar El amor en otro sitio (Flor de ceibo letras - 2012), su primer libro de poemas. Será este jueves a las 20 en Garabombo (Pasaje Revol 17, frente al Paseo de las Artes); y también habrá canciones, por supuesto.

El mendocino prefiere no reconocerse poeta. “Es que siempre hice letras para canciones, pero esta vez sentí que debían expresarse así, desnudas”, cuenta, aunque no deja de sorprender, que el vuelo de sus canciones no haya fecundado en libros.

Y, en este caso, es el amor el noble sentimiento que lo desvela. “Este libro con palabras de amor busca amor para volver a equivocarse. Porque sé que el secreto es encontrar, no buscar”, dice desde algún rincón al pie de la cordillera, su paisaje original, mientras prepara quinotos en almíbar guarecido por un sencillo techo.

“El título del libro me lo dictó un verso de uno de los poemas, y lo acepté gustoso porque avala viejas teorías sobre el instante en que el amor aparece. Alguien puede convulsionar a otra persona en la primera mirada. ¿Esa convulsión es el amor? No lo creo. Prefiero pensar que el amor está al acecho viendo nuestros comportamientos, nuestras aceptaciones, olfateando nuestros momentos más íntimos y esperando a que lo convoquen”, sostiene Marziali.

Y ya lo dicen algunos de sus versos: “El amor los espera / sentado en otro sitio / saben que están, más no entra / Ellos habrán de llamarlo”.

El primer oficio de Marziali fue el de periodista y, siguiendo esa huella de tinta fue que dejó su Mendoza para recalar en Buenos Aires, hasta que el cantor, el compositor, ganó la pulseada y salió a los caminos abrazado a su guitarra.

Su primer disco, Como un gran viento que sopla, fue editado en 1983, y sus canciones comenzaron a abrirse paso en el corazón popular como Este Manuel que yo canto (en homenaje al poeta salteño Manuel Castilla), Cebollita y huevo, Los obreros de Morón, Coplas de la libertad (versos de Daniel Giribaldi) y tantas otras que lo hicieron un cantor resuelto a la hora de dejar su testimonio social y sus sentimientos.

Viene de realizar un espectáculo musical junto al actor y director Daniel Viola titulado Jauretche camina, y en estos días se dispone a terminar un nuevo disco en el que ha musicalizado una decena de poemas de Daniel Giribaldi.

“Quedará en manos de quienes se acerquen a la lectura de estos poemas decidir en qué momento siente ese amor al que los invito y también definir si ese amor está en otro lugar o está cercado”, dice y convida.

Datos útiles
El amor en otro sitio, poemas de Jorge Marziali, será presentado este jueves a las 20 en Garabombo, (Pasaje Revol 17, frente al Paseo de las Artes). En la oportunidad, el autor estará acompañado por el periodista Alejandro Mareco.

Obras contemporáneas, breves e intensas

Tue, 18 Jun 2013 03:01:02 GMT

Continúa el ciclo Córdoba Danza en la Sala Luis de Tejeda del Teatro del Libertador San Martín. De viernes a domingo se presentan las obras de danza contemporánea Revienta entre paredes y Colapsar.

Revienta entre paredes es una puesta de danza-teatro a cargo del grupo Señoritas Ciudadanas, integrado por María Florencia Baigorrí y Estefanía Otaño, como intérpretes, y Tomás Melica, en la asistencia técnica. El grupo se formó en 2012 con el objetivo de llevar a cabo una investigación corporal, fotográfica, dramatúrgica y musical. En este trabajo el centro ha sido la femineidad y el cuerpo de mujer violentado por la cultura de lo efímero e insustancial, que tiende a comprimir los cuerpos hasta secarlos y vaciarlos, dando lugar así a una multitud de maniquíes.

La obra y el grupo nacieron en la convocatoria de El Museo se mueve. El dúo de bailarinas se interesó por las fotografías y el universo femenino en relación a esa forma de representación. "Investigamos en base a fotografías y música, dónde se ubicó a la mujer, su sexualidad y erotismo", dice María Florencia. El grupo trabajó sobre fotos de la década del '60, imágenes que se proyectan en la obra sobre sus cuerpos. "Fue una época en la que se mostró el cuerpo de la mujer, en plástica y fotografía, de manera muy especial", dice Florencia.

Revienta entre paredes fue seleccionada para formar parte de las Primeras Jornadas de Danza Contemporánea de Córdoba Acción y Pensamiento, donde fue estrenada, y posteriormente integró, entre otras varias presentaciones, el cierre de los festejos de los 400 años de la Universidad Nacional de Córdoba.

Colapsar, del grupo La Cadorna, es interpretada por Daniela Enet y Araceli Gelleni, con dirección de Constanza Alonso. La obra surgió de la investigación sobre distintos ejes en relación a la fisicalidad, partiendo del tratamiento del cuerpo cotidiano y el cuerpo enrarecido, como lugares opuestos y contradictorios para transitar durante un mismo o distintos recorridos.

La directora Constanza Alonso debuta en el rol. "La obra surge de la fisicalidad, con trabajos sobre gravedad, inercia y peso. Las bailarinas son actrices, así que fueron apareciendo durante los ensayos patrones de movimiento, diferenciación de roles. Me interesó el decir del cuerpo. ‘Enrarecido' alude a lo que hay abajo del cuerpo cotidiano", comenta Constanza que presentó el trabajo en noviembre de 2012 en el ciclo El Museo se mueve, del Museo Evita. El grupo intenta cambiar la estructura del que ve, el lugar del espectador.

"Es la reestructuración de un planteo espacial. La obra dura 20 minutos y la idea es profundizar en el germen, siempre en torno a la idea de la pérdida de parámetros estandardizados", comenta Constanza que tiene formación en danza-teatro y contemporánea.

El ciclo Córdoba Danza sirve como espacio para la presentación de grupos y coreógrafos de la danza contemporánea de la provincia y es organizado por la Subdirección de Artes Escénicas de la Agencia Córdoba Cultura. Continuará el 19 de julio, con la presentación del espectáculo de danza-teatro Cae la noche en Okinawa, a cargo del grupo Blick.

Ciclo Córdoba danza
Obras de danza contemporánea: Revienta entre paredes, por el grupo Señoritas ciudadanas, y Colapsar, por el grupo La Cadorna. Duración: 20 minutos cada obra. De viernes a domingo a las 19 en la Sala Luis de Tejeda del Libertador. $ 35.

Breves

Blick baila en La Luna
Blick, grupo de danza-teatro presenta Cae la noche en Okinawa. Con Luis Ramírez y Adrián Andrada. Concepto coreográfico: Adrián Andrada. Dirección: Facundo Domínguez. En la noche más oscura, el amor es más amor. Amor, como el de los animales, cuando la noche se esconde. Sábado a las 21:30 en el Teatro La Luna, Pasaje Escuti 915, Bº Güemes. Reservas: lasideasinvisibles@gmail.com o al 156-346818.

Muestra de bailarines avanzados
Los sábados en DocumentA se realiza la muestra de los trabajos de Cappeb (Curso anual de perfeccionamiento y práctica escénica para bailarines). Cappeb provee a los bailarines que egresan de escuelas oficiales y privadas de danza, una experiencia profesional en escena sobre un modelo de compañía de danza. El sábado se presentarán los trabajos: La sostenido y Señoritas en azul. Es un proyecto de Danza Viva Centro de Estudios, bajo la dirección de Cristina Gómez Comini. Docentes: Santiago Bernardi, Natalia Bazán, Mariana Pirra, Laura Fonseca, Gastón Palermo, Adrián Ferreyra, Julia Bodone Sábado a las 21.30 en DocumentA, Lima 364.

Un enredo entre terapeutas y pacientes

Sun, 16 Jun 2013 03:04:02 GMT

Bien podría ser una historieta, con personajes caricaturescos, virados a la tragicomedia. Criminal, de Javier Daulte, es la nueva propuesta de Elencos concertados, un colectivo de actores que dirige con fiebre creativa Enrique Giungi, productor de novedades en distintos formatos y estímulos. Después de Yo, Eva Perón, el director elige un texto complejo, que pone a prueba a los intérpretes y que, después de haber transitado variados circuitos desde el estreno en la temporada 1996/97, con dirección del mismo Daulte, entra en el repertorio de obras que desafían a los elencos, por la agilidad de los diálogos, el planteo de puesta a la vista del espectador, y los temas que saltan de cuadro en cuadro con el ritmo de un juego teatral lleno de sorpresas.

Giungi se vuelve íntimo, achica el espacio y la distancia con el público y presenta Criminal con un toque de corrección escénica. La obra desarrolla la trama con aires de policial, y el director aporta la atmósfera de cine negro, señales en el diseño de la luz y la composición del espacio. La puesta que se puede ver en María Castaña está regida, visualmente, por la escenografía de líneas puras, dibujos en paneles que diseñaron Patricia Valdez y Esteban Rizzi.

Los protagonistas de Criminal son dos psicoanalistas y un matrimonio en crisis. El Dr. A, que se mueve con torsiones de cómic, se niega a atender al ofuscado caballero que pide ayuda porque asegura que en minutos va a ocurrir un crimen. Marcos Polzoni (Dr. A) recrea el personaje del terapeuta de Carlos Cossio (Martín Tuñón), el esposo, mientras Luis Iglesias es Juan, el psicoanalista de Diana, la esposa (Ornela Calvieri).

La obra es una mezcla de acción teatral y relato actuado en el que los terapeutas se cuentan sus respectivas experiencias con los integrantes de la pareja. La palabra cobra vuelo y da pie para que las escenas aparezcan como en flashback. Las relaciones se van enrareciendo y los pacientes expresan sus peores deseos y miedos.

El juego de manipulación y engaños es la clave de la obra que en la versión de Giungi por momentos pierde ritmo. Polzoni se planta en escena con convicción, metido en la caricatura del psicoanalista que inyecta al paciente y lo considera un cliente; en tanto Ornela Calvieri le pone desenfado a su personaje, con arranques de efusividad y gritos, para una Diana indomable. Luis Iglesias busca un matiz, con dificultades para mostrar las revelaciones de su personaje, mientras que Martín Tuñón sólo se ve cómodo en el melodrama. Ésa es la dificultad de la obra que, además, ridiculiza los resultados del psicoanálisis y se permite varias vueltas de tuerca para salir del atolladero.

Criminal es un trabajo interesante, bien planteado, que necesita que el elenco madure para entrar con naturalidad en el registro, hoy clásico, de la interpretación. El desafío es tal porque la obra de Daulte resigna artificios para describir esas relaciones de límites difusos. Y para los actores no hay nada más difícil que engañar al público sin salir de escena.

Criminal
Autor: Javier Daulte. Dirección: Enrique Giungi. Elencos concertados. Con Marcos Polzoni, Luis Iglesias, Martín Tuñón y Ornela Calvieri. Viernes y sábados, a las 22, en María Castaña (Tucumán 260). Ent. $ 50. Ant. $ 40.

Lo afectivo y lo afectado

Sat, 15 Jun 2013 03:07:02 GMT

"Las naves se queman al tocar la costa, las arde el agua con la luna de sus mareas. Entorno la puerta con su perﬁl de rayo, la noche amasa el naufragio... y hace otra cosa de su destino único". Alejandro Bovo Theiler escribe esta imagen en la invitación de su próxima muestra individual. "Una decantación inevitable y a la vez la integración que no se da de un modo previsible y único", agrega. Esta muestra lo trae de nuevo a la ciudad donde se formó, y a la galería Espacio 130 (ex Praxis), después de unos años. La cita tiene nombre y fecha: "Conexo" inaugura el próximo martes a las 19.30 en la galería de bulevar Illia 130.

-¿"Conexo" vendría a integrar la escultura, el textil, el objeto y el dibujo?
-En "Conexo" están presentes esos lenguajes y formatos, aunque cruzados entre sí con la costura como una constante, a través de ensambles y modelados, y también en lo conceptual y lo poético. Reúno ahí parte de mi producción de los últimos años, obras de diferentes series abiertas, agrupadas por pertinencia simbólica, matérica y de uso, haciendo de aglutinadoras frente al riesgo de dispersión. Los procesos de producción se integran entre sí de un modo vital, como aspectos que coexisten en mis necesidades expresivas y las pulsiones del estar haciendo.

-¿Podés adelantar algo de "Conexo"?
-En la muestra propongo un diálogo dentro de esa diversidad reunida. Están las esculturas de la series De la Tía Gorda y Mitos personales, objetos escultóricos de la serie Fetiches de empoderamiento, y objetos performáticos de la serie Eclipses y equipajes, Los practicantes, y Los Picurús, además de tapices sobre bastidores de la serie Bidimensiones textiles, y cajas con dibujos de la serie Parental.

La irreverente "Nelva Ofelia"

-¿Cuál es la historia de la obra "Nelva Ofelia"?
-Quiero mucho a Nelva Ofelia. El público me enseño a quererla. Todo es aprender y nunca se aprende solo, siempre está el otro. Nelva Ofelia es la más antigua de las obras presentadas, de 2009, de la serie De la Tía Gorda, cuyos temas ejes son ancestros, verticalidades y obstrucciones. Nelva Ofelia denota gestos de irreverencia y desconcierto, se toca la teta izquierda, saca la lengua y atraviesa su cuerpo con el brazo izquierdo. Su vestido se abre bíblicamente, como el mar de Moisés, y su puño semi cerrado no sé que lleva, no sé si es un amague.

El nombre de Nelva Ofelia, como en los demás casos, agrega el artista, surge de referencias contextuales que le ayudan a "nombrar" el acontecimiento complejo que es la conformación de un personaje-presencia en una dramaturgia fallida, improcedente. "Como una materialidad más, la palabra se suma a las tensiones encarnadas, en este caso, el temperamento y encrucijadas que evidencia la escultura encontró referencia en dos personas a quienes percibí afines (por sus gestualidades y caracteres) y le donaron sentido con sus nombres", explica.

Detrás de escena

La "historia de los personajes", dice Alejandro, se revela en la interacción que cada persona realiza con la obra. "Esto activa memorias y referencias que hicieron a su creación. Pienso que cada espectador funciona como un co-creador en la construcción de sentido y también en la más clara y amplia percepción para el propio autor acerca de lo que puso al alcance. Me es indispensable la escucha y la reflexión, el intercambio siempre es fructífero si se está atento", agrega.

-¿Hay afecto en cada nombre de tus obras?
-Lo afectivo es parte de lo afectado, una simbiosis donde contenido y forma funcionan fluidamente. Es un aspecto político-emocional profundo de mi trabajo tanto lo afectivo como lo lúdico, dar rienda suelta a la propia voz y reconocer en ella otras voces, las ontológicas, parentales e históricas. Pero también las voces que la sombra guarda, las que se empoderan en los vínculos y los antagonismos.

-¿"Practicante", "Picu" y "Campeón Bebé" construyen algún tipo de relato?
-Seguro. Los relatos están y se respaldan en la sustancia plástica, pero no son relatos unidireccionales, más bien atravesamientos de sentido que en el caso de esas tres obras, justamente, están referidos al reconocimiento del niño interno, a la puesta en valor de la inocencia, a la resignificación del deseo. Estas obras refieren fuertemente a la masculinidad como un paradigma paradojal, miran de reojo los juicios sobre el patriarcado y del matriarcado.

En el arte, Bovo Theiler apuesta a la continuidad y construcción de un área de "verdadero desarrollo social". Por eso, además de participar en muestras y salones, continúa sus proyectos con los colectivos La Comisura, Primera Junta y Amigos del Ambato. Y en lo personal, lo entusiasma un libro de artista de su autoría que saldrá en la sección argentina de la edición 2013 de The NY Art Book Fair (Feria Internacional de Libros de Artistas de Nueva York), que edita el Museo de Arte Moderno (Moma).

La muestra
“Conexo”, de Alejandro Bovo Theiler. Esculturas, objetos, textiles y dibujos. Curaduría de Eugenia Arias, Eduardo Blanc y Alejando Bovo Theiler. Inaugura el martes, continúa hasta el 27 de julio. En Espacio 130 (ex-Praxis Galería de Arte, Bv. Illia 130). Teléfono 424-5931. Horarios: lunes a viernes de 11 a 13 y de 17 a 20.30. Sábados de 11 a 13.

Maestro de escritura de guion

Sat, 15 Jun 2013 03:06:02 GMT

Fue espontáneo. Meses atrás, Jorge Maestro recibió visitas cordobesas en Buenos Aires. Alejandro Venegas y Juan Carlos Abraham lo buscaron para pedirle los derechos de Clementina, la pingüina. Se trata de una obra que perduró por más de 30 años en puestas varias, y que cuenta la aventura de una pingüina que abandona el polo para conocer la ciudad.

Maestro accedió. Incluso les dio una primera edición del libro de 1970. El tiempo pasó y la adaptación de la obra estuvo lista. Alejandro Venegas Group la estrenó en Ciudad de las Artes y Jorge Maestro se subió a un avión para estar en la función de apertura. Sobre esto habló con VOS este autor de gran experiencia, que es también autor de libretos de éxito televisivo como Montaña rusa, Amigovios, Clave sol, Son amores o Por amor a vos.

-¿Quién eras entonces y en qué contexto surgió "Clementina la pingüina"?
-El contexto era el año 1976. En el momento en que la estrenamos ya había sucedido el golpe, pero veníamos ensayando la obra desde antes, antes desde enero. Era una propuesta basada en el juego y surgió de que en ese momento con un grupo de actores amigos y Sergio Vainman, que fue el músico original, solíamos hacer teatro para niños. Eran los comienzos de mi carrera. Habíamos hecho un par de cosa antes. Recuerdo que a Clementina, con Carlín Calvo, Raúl Rizzo y Rita Terranova, la estrenamos en el Ist, un teatro muy politizado, como tantos otros en ese momento, que había tenido algunos problemas por eso. Por fortuna la obra se pudo representar sin ningún tipo de intervención, porque si bien hablaba de la libertad y eso, era alegórica. Pero la mala historia ya había empezado antes, cuando durante 1975 el gobierno democrático de Isabel Perón me había prohibido una obra con la calificación no apta para menores de 14 años, lo cual en el teatro para niños es decisivo. Luego, en 1980, Omar Reskm Roly Serrano y Chichilo Viale me pidieron permiso para estrenarla y la volvieron a hacer y desde entonces cada tanto Clementina reaparece en un lado u otro.

-¿Por qué creés que perdura tanto?
-No tengo idea. Es como con los hijos, salvando la distancia porque los hijos son más importantes que cualquier obra. Pero cuando los hijos de uno crecen y logran cosas, uno no se la pasa analizando por qué lo hicieron. Uno disfruta. Con esto es lo mismo. Vas a la representación y disfrutás.

El rating y Shakespeare

-Cambiemos de tema. ¿Cuánto o cómo influye el rating en los contenidos televisivos?
-Influyó siempre, desde los tiempos del no rating, inclusive. Lo que pasa es que ahora todo está muy industrializado. Pero es un negocio más. Del rating vive mucha gente. El rating es una tendencia. La televisión vende público a los anunciantes, pero estos hacen mediciones de rating que no son las mismas que salen en los medios más populares. Son para ellos. Todo siempre tiene que ver con la competencia. En la época Isabelina, en Inglaterra, cuando Shakespeare representaba sus obras, tenía que competir con espectáculos que incluían a leones y a osos, que se representaban en las cercanías. Trasladado en el tiempo, en la época de los radioteatros, no existían todavía el rating, y el público se medía a partir de las giras teatrales que hacían los elencos por las provincias durante el fin de semana. Hoy está más industrializado, pero eso volverá a cambiar más adelante. El rating es una parte pequeña además. En Buenos Aires mide cuatro canales de aire, y hay horarios en que el cable mide más que ese otro paquete. Los canales digitales e Internet también suman mucho, aunque esta última no tiene mediciones a la fecha. Después de todo esto, el rating puede quedar reducido a un chiste.

-¿Cómo repercute todo esto en los temas que tratan las ficciones de la TV argentina?
-Los contenidos navegan. Hay tiempos en que la sociedad está más consciente, y hay tiempos con ganas de pasarla sin tanta profundidad. Eso se ve en la tele, son como oleadas. Todo el mundo cuando empieza a hacer un contenido apunta a que sea un éxito. Trata de achicar riesgos, y de acuerdo a lo que cree que será exitoso, avanza. A veces el éxito es fortuito, y a veces no. Dependerá también de lo profundo que uno sea cuando se imagina al público. En toda historia de televisión de base popular, el melodrama es una especie de constante. Lo ves mucho en la novela venezolana o mejicana, que tienen mayor proyección internacional. La emoción, los sentimientos, en un ámbito de cotidianidad, dominan la trama. Con esos tres elementos los riegos a que la cosa funcione están achicados. Donde hay familia, grupo humano que comparte un sentimiento o una emoción, eso ayuda a que te vaya bien. Pero no lo asegura. De lo contrario, sería la fórmula del éxito y sería aburridísimo.

-¿Qué posición ocupa el guionista en la pirámide de la ficción televisiva?
-La misma que el arquitecto cuando se construye un edificio. Si hace mal el plano, se cae el edificio. Pero tampoco lo es todo ni la obra acabada. Nadie va a una librería a comprar un guión de una novela. Se necesita que los demás, desde el director de arte, hasta un escenógrafo, se sumen a ese juego y den forma al conjunto de la obra terminada.

-¿Cómo están parados dentro de la industria? En EE.UU. tienen un gremio fuerte.
-Están protegidos los derechos intelectuales de los autores, en la medida en que estos estén decididos a defenderlos. Existe una ley de propiedad intelectual y una sociedad de gestión que es Argentores. No existe un gremio aquí y considero difícil que eso suceda. Viendo el caso de la industria norteamericana, se baja de categoría al autor cuando se lo llama guionista. Se le quita la paternidad y se lo convierte en una pequeña partecita de ese argumento, un trabajador la obra. Aquí en Argentina hay un avance importante de los productores y ejecutivos para hacerse de los contenidos, a veces estúpidamente, porque chocan contra la ley, y veo muy difícil que esa ley vaya a cambiar. Si mirás bien, vas a notar cómo en Telefe a veces ponen "Sobre una idea de Telefé" o "Sobre un libro de Telefé". Primero, ese es un gravísimo error legal. Segundo, las obras son escritas por personas físicas, no jurídicas. La señora Telefe no se sienta a escribir un libreto. Esto no ocurre en otra parte del mundo. Están queriendo desaparecer el derecho de autor, por razones económicas obviamente. Quieren libertad para poder vender al resto del mundo, para meter mano del modo que quieran en los guiones.

El ruido y la música del amor

Fri, 14 Jun 2013 03:00:13 GMT

El espectáculo "Cartas al rey de la Cabina" es un show íntimo y emotivo acerca del amor y el desamor, para jóvenes, adultos y personas de todas las edades que alguna vez hayan sentido que el mundo tenía la forma de otra persona, según aclara Luis Pescetti, que lo presenta junto a Juan Quintero.

Son 22 cartas de una tristeza dulcísima, una forma de tristeza que provoca ternura y adicción: las Cartas al rey de la cabina son poemas narrativos acerca del impacto de un primer desengaño amoroso, escritas por Luis María Pescetti en la piel y el corazón de una joven de unos 19 años que no puede más de soledad después de haber querido demasiado a un hombre mayor que trabaja en lo alto de la cabina de una grúa. Paloma y Antonio tienen una historia de quererse mucho, pero él prefiere alejarse, quizás para cuidarla, no sabemos. Paloma tampoco entiende. Pero ¿quién entiende al amor? En ese vasto terreno de la incertidumbre que compartimos todos, Paloma describe un mundo que se le vuelve un torbellino sin sentido: "Hay tanto ruido en el mundo. Las mejores intenciones son como sirenas de barcos./ Todo está lleno de máquinas y de motores. Los televisores son un asco…./ Todo me aturde y me silencia".

Ese libro precioso ahora se convirtió en espectáculo: con la guitarra y la voz de Juan Quintero, y las lecturas de Luis Pescetti, el resultado es una velada estremecedora que llega hoy a Córdoba, a la sala Luz y Fuerza y que, aclara Luis, "no es para chicos". ¿Cómo que un show de Pescetti no es para chicos? "No es que no vayamos a dejar entrar a los chicos: pueden ir, claro, es un show apto para todo público, pero no es un espectáculo dirigido a ellos, se van a aburrir, o va a haber una expectativa que no se va a cumplir". Pescetti aclara que Cartas al rey de la Cabina es "un espectáculo compuesto para un público joven adulto… quizá un niño de cuatro años mire a su mamá y le diga '¿A dónde me trajiste?'".

En la web de Pescetti (http://www.luispescetti.com) hay un video de este espectáculo, completo. En ese video aparecen algunos chicos. Especialmente una niña, de unos cinco años, que no reacciona según las predicciones de Luis: más bien mira, maravillada, ligeramente acunada por el ritmo cálido de las canciones. Pero sí, es cierto: si tu hijo quiere al Pescetti del Cuento de la caca, o quiere hacer cuernitos de rock al ritmo de Con esa cara de pescado, o quiere demostrar que finalmente logró hacer la coreo cantando "echele leche al café para hacer café con leche"… deberías explicarle que nada de eso va a ocurrir.

Lo que pasa en Cartas al rey de la Cabina es de otro orden, hay menos risas y más suspiros, hay una emoción fuerte como un tren, un recorrido de aprendizaje sobre cosas que te enseñan en la escuela, como por ejemplo, reconstruir un corazón hecho pedazos.

"Estas cartas fueron escritas en otro tiempo,/ y estaban dirigidas a alguien que por miedo y por amor, huyó./ Sólo supe que me seguía amando,/ y soplé tan fuerte que las cartas subieron hasta su cabina/ como podrían haber llegado, también, a cualquier lugar del mundo al que su corazón/ de náufrago/ hubiera querido que, por favor, llegaran", escribe Paloma.

-¿Qué recordás de la escritura de Cartas al rey de la Cabina?
-Lo escribí en México, en absoluta intimidad. Todos los libros se escriben en soledad, íntimamente, pero éste fue como una suspensión del mundo, todavía más profunda, más acentuada, en la época de lluvia de México, que es una época en la que el cielo se pone más limpio, el clima es más fresco, y eso me conectaba con Buenos Aires.

Interrumpe Paloma. No está, claro que no está ni de uno del otro lado del teléfono en esta conversación. Pero ella interrumpe. "Entonces, ¿cuál es nuestra pequeña pelea, mi querido Rey de la Cabina? Recuérdamela,/ ¿cuál era tu pequeño enojo y el mío, con el mundo? ¿Qué diminuta piedra en el zapato se nos hizo tanto padecimiento?".

-¿Cómo fue el ejercicio de ponerse en la piel de una joven que sufre por amor?
-Hacía tiempo que quería escribir desde la voz de una mujer, motivado por un par de canciones de Chico Buarque, y también por una novela de John Berger que se llama Lila y Flag, que es una belleza. La verdad, es que la inspiración y el entusiasmo surgió de allí.

-¿Cómo llegó el libro a tener música?
-No fue tan intencional. Como éste era un libro para adultos, y yo acababa de conocer a Juan Quintero, se me ocurrió invitarlo para que me acompañe en la presentación. Y después le mandé el libro. A él le gustó, tuvimos un intercambio, yo le dije: "Mirá Juan, yo me salí de mi lugar de músico para niños, de escritor para niños, para escribir este libro, y te invito a lo mismo, a que busques canciones, a que elijas cuáles cantarías si hacés ese ejercicio de salirte de tu lugar". Él hizo su búsqueda, su lista de canciones, nos encontramos y el material empezó a tener una vida y una velocidad propia. Y no lo ensayamos: simplemente nos pusimos de acuerdo en qué textos, qué canciones, y todo lo que surgió ese día de la presentación nos dio muchas ganas de filmarlo. Y así quedó lo que quedó. Esa es la historia del DVD, que fue como cuando le dan un micrófono a un tío en un cumpleaños y se larga, se larga…

Vuelve Paloma. Dice: "Querido/ Rey/ de la Cabina./ Crecieron todas/ las semillas de tu carta./ Vieras qué hermoso prado. Los abrazos/ crecieron sanos y fuertes rodeando mi cintura./ Crecieron besos en mis pies (¿sembraste besos para mis pies o fue un error del viento?)./ Te espero convertida en Luna".

-¿Cómo describirías lo que sucede arriba del escenario, teniendo en cuenta que es muy diferente al despliegue físico y al colorido de tus shows para chicos?
-Es un encuentro. Es un encuentro entre uno que lee y otro que canta, que así van recorriendo algunos temas. Pero para que ese encuentro sea posible así como es, tiene que ser en un escenario, en una sala y con público. Es un encuentro entre uno que canta y uno que lee, en el continente del público.

La conversación sigue, pero Paloma insiste. Le escribe a Antonio. Le vamos a ceder las últimas palabras: "Querido Rey de la Cabina:/ ¿por qué llamamos amor al amor?/ con lo que cuesta, con lo que duele,/ con lo que tarda, con lo que arde,/ con lo que falta, con lo que quema,/ con lo que ausencia, con lo que tiene,/ con lo que viene, con lo que ahueca,/ con lo que silencia, con lo que canta,/ con lo que arrulla, con lo que leche,/ con lo que vibra, con lo que abraza,/ con lo que olvida, con lo que vida,/ con lo que pajarito, pajarito,/ caracolito tan poco mío y de nadie".

-Si te encontraras con Paloma en la vida real, si la vieras venir con su tristeza… ¿qué le dirías?
-Mi primera tentación es preguntarte a vos qué le dirías, porque ahí nace otro texto, que es tuyo. Pero para no escapar de tu pregunta, primero la oiría. Y después le diría un afectuoso "bueno… ya está". Porque es lo que ella dice, al final. Le diría "ya está… ya pasaste por esto".

Shoy de música y lecturas
Luis Pescetti y Juan Quintero en Luz y Fuerza (Dean Funes 672). Hoy a las 22. El cantautor santafesino llega en dúo con el músico tucumano para presentar su disco conjunto Cartas al rey de la cabina. Anticipadas de $ 50 a $ 150 en disquería Edén (Obispo Trejo 15).

Jornada Cedilij
Luis Pescetti participa junto a Pablo Bernasconi e Istvansch de la Jornada Cedilij 2013 "Infancia y Literatura: desde la frontera indómita del arte", que se lleva a cabo en el Instituto Domingo Zípoli. Inscripciones cerradas por cupo completo.

Top 10: los libros más leídos del mundo

Thu, 13 Jun 2013 19:42:01 GMT

En el día del escritor es interesante repasar cuáles son los best-sellers de las últimas décadas. En ese sentido, una infografía realizada por Squidoo.com, un sitio especializado en información estadística, muestra datos interesantes sobre el comportamiento del lector promedio en el mundo.

El ranking, basado en datos de los últimos 50 años, está elaborado en base al número de libros impresos y vendidos, teniendo en cuenta que algunos de ellos pueden haber registrado más impresiones, pero no por ello más ventas.

La lista quedó así:

1. La Santa Biblia - 3.900 millones de copias vendidas.

2. Citas del presidente Mao Tse-Tung de Mao Tse-Tung - 800 millones de copias vendidas.

3. Harry Potter de J.K Rowling - 400 millones de copias vendidas.

4. El señor de los anillos de J.R.R Tolkien - 103 millones de copias vendidas.

5. El alquimista de Paulo Coelho - 65 millones de copias vendidas.

6. El código Da Vinci de Dan Brown - 57 millones de copias vendidas.

7. La saga Crepúsculo de Stephenie Meyer - 43 millones de copias vendidas.

8. Lo que el viento se llevó de Margaret Mitchell - 33 millones de copias vendidas.

9. Piense y hágase rico de Napoleon Hill - 30 millones de copias vendidas.

10. El diario de Ana Frank de Anne Frank - 27 millones de copias vendidas.

El lobo quiere hacer amigos

Thu, 13 Jun 2013 12:00:01 GMT

"El lobo se cansó de ser malo, porque se quedó sin amigos", explica Mónica Segovia, titiritera del grupo El Abrojito, que presenta la obra El lobo Rodrigo el domingo, a las 17, en Galileo Multiespacio (Av. Gauss 5700, Villa Belgrano, en el día del padre, entrada gratuita para papás), con repetición el 23 de junio. Después de un largo rato de andar por el país y el exterior, esta titiritera regresa al escenario, calentando tablas para lo que será el festival que ella organiza, durante el mes junio, en ese mismo espacio.

"A esta obra la estrené hace como cinco años -cuenta Mónica-. Antes estaba haciendo una que se llama Trapitos y señales, hasta me decidí a poner esta del lobo Rodrigo, que me encantó siempre. Es una obra escrita para tres titiriteros que mi director, que también es el autor, la adaptó para que la haga yo sola".

La decisión del lobo de convertirse en bueno por supuesto trae cola, como por ejemplo que el cazador no le crea la transformación, o que Caperucita Roja grite y salga corriendo cada vez que él intente explicarle su transformación. Pero el lobo por fin encuentra una aliada: la abuela de Caperucita. La viejita lo escucha, le da consejos, lo esconde cuando es necesario y lo ayuda a llegar a una buena resolución, todo ello matizado con situaciones de lo más graciosas.

¿Cómo reaccionan los niños ante este cambio en el argumento del cuento? "Desde el principio -comenta Mónica-, cuando lo escuchan pero todavía no lo ven, dicen 'ahí viene el lobo feroz', pero enseguida eso se disipa porque el lobo muestra que es un lobo bueno los chicos". "Son muy pocos los que no le creen. En general la mayoría despega enseguida. Incluso es medio bobo el lobo aunque unos pocos lo aceptan recién al final", completa Segovia.

Flechita de amor

La titiritera es contundente con su mensaje: "El hilo conductor de esta obra es hacernos dar cuenta que podemos cambiar nuestra historia para ser mejores. Que todos podemos cambiarla para que no sea como la que nos imponen", afirma.

Mónica sabe lo que significa tratar con niños y padres. Desde el año 1986 se dedica a la actividad, y desde hace 13 años lleva adelante un festival de la especialidad en Bariloche, ciudad donde vivió durante más de una década.

"Para los niños es bueno ir a ver títeres con un adulto que ellos quieran, como la mamá, el papá, el abuelo, la tía o el padrino -recomienda-. Es un recuerdo de infancia muy fuerte, es la confirmación de que aquello que van a ver es importante, que son tenidos en cuenta. Si hacemos memoria seguro tenemos recuerdos fuertísimos, imborrables, de cuando hemos tenido una experiencia importante con un adulto", refuerza.

Y concluye: "Los títeres se prestan perfecto para eso. Esta obra es graciosa y es tierna. La ternura es una llave maravillosa que abre la mente, el corazón, las emociones. Nos toca los más profundo, es una flechita de amor. Pero ojo, no es la ñoñera, tratarlos como tontos, sino hacerlos vivir una emoción vinculada al amor".

Breves

AlmaZenna (9 de Julio 4331, Las Palmas). Todos los domingos de junio a las 17 se presenta Cabeza de calabaza, corazón de manzana, por el grupo La Jauja. Es acerca de una pajarita que, defraudada por un granjero, va en busca de una calabaza legítimamente ganada con trabajo. Entrada: $ 30.

Casa Pepino (Belgrano y Fructuoso Rivera). El domingo a las 17 sube a escena la obra Los sueños de Felipe, por el grupo La Chancleta. Títeres de guante, de mesa y gigantes, cuentan la historia de un niño que dormido en brazos de su madre sueña con aventuras en un bosque. Entrada $ 20.

Teatro Zorba (9 de Julio y Montevideo, Villa Carlos Paz). El domingo a las 17, con entrada gratis para los papás en su día, se presenta la obra Cuentos que cuentan cuentos, por La Compañía de Rubén Di Mauro. Una pareja de enamorados, enredados sin querer en un robo de las riquezas de un rey. Entrada: $ 20.

"Elige tu propia aventura", al cine y a la Web

Thu, 13 Jun 2013 03:00:01 GMT

Los fanáticos de los libros Elige tu propia aventura y todos aquellos que odian dejar el destino de sus héroes en manos de los cineastas, están de parabienes. La Twentieth Century Fox acaba de adquirir los derechos para llevar la serie a la pantalla grande y además está desarrollando una estrategia para presentar historias interactivas a través de distintas plataformas en la Web.

Según reportan el Huffington Post y The Hollywood Reporter, aún se desconoce cómo se implementarán, pero se confirmó que al menos permanecerán fieles a su formato original. En tanto, uno de los artífices de la idea, el escritor R.A. Montgomery, oficiará de productor ejecutivo de la iniciativa.

Creados en principio para un público de 10 a 14 años, Elige tu propia aventura tuvo cerca de 180 títulos, se tradujo a 38 idiomas y vendió más de 255 millones de copias entre 1979 y 1998, según detalla el sitio oficial de la editora Chooseco. Las historias proponían al lector tomar un rol activo asumiendo en lugar del protagonista y tomando decisiones que marcaran el rumbo de la trama.

Cabe destacar que no se trata del primer intento por llevar la franquicia fuera del papel. En 2010, el autor Edward Packard creó la compañía U-Ventures que convierte algunas de las historias en aplicaciones para iPad y iPhone.

Bajo el hechizo del dibujo

Wed, 12 Jun 2013 12:00:23 GMT

Como pases de magia, unos pocos y rápidos gestos dejan sus huellas. Al mismo tiempo, unos objetos revelan algo. Evidencias, intrigas. Cartas bajo la manga y al descubierto en cada estación de la muestra "Operar > Dibujar" que exhibe la Galería de Artes del Pabellón Argentina (Ciudad Universitaria).

Con curaduría de Juan Der Hairabedián, esta exposición reúne a los artistas José Quinteros y Susana Gamarra en la apertura de la tercera temporada (y séptima exposición) del ciclo "Más allá o más acá de ‘El Dibujo'", pensado como una instancia de reflexión sobre este lenguaje. Aquí el espectador es sorprendido por obras cuya esencia marcan saltos para la percepción.

En la muestra se hace evidente que el gesto excede la obra. Una experiencia define cada propuesta y exige el permanente reajuste de la mirada, porque, como plantea Der Hairabedián, los artistas se aventuran a operar de modo juguetón y abiertamente experiencial: "Sus opus/ópera trascienden el carácter meramente objetual a través de gestos que realizan sobre la materia. Aún con fascinado asombro, sus acciones son reflexivas".

Humo negro

Hay rastros de humo (el humo mismo es imagen en el papel), producto de la acción del fuego en los dibujos de Quinteros, quien también ha construido algunos de sus conocidos artefactos. "Quinteros desarrolla laboratorios haciendo investigaciones directas sobre las propiedades de los materiales, pasando de la construcción de cosas a la construcción del propio material o del instrumento", explica el curador.

El artista exhibe no sólo el trazo de la carbonilla, también la carbonilla misma, entre otros objetos para maniobrar de apariencia arcaica (como gastados), como un conjunto de plumas para dibujar, que parecen tener siglos. "La acción alquímica de Quinteros dibuja recuperando fórmulas, alterándolas, ensayándolas, reinventándolas. La sustancia deviene material, y el material en instrumento", señala el curador, destacando que cada indagación del artista es puesta en evidencia y ésta, nuevamente, en movimiento.

Fragmentos en rojo

Toda esa materialidad primitiva de Quinteros contrasta con la pureza estética de Gamarra, que sobre fondos plenos trabaja a partir de símbolos extraídos de las cartas españolas o de póker, ya desfigurados, o transfigurados. Nuevas construcciones y contextos (como un porta servilletas) sirven de regazo.

"La quirúrgica de Gamarra opera sobre las formas preexistentes de objetos cotidianos y de sus figuras con agudo sentido anatómico, despojando imágenes, invirtiéndolas", entiende Der Hairabedián, y define a Gamarra como una "ilusionista sin secretos", cuyos gestos esconden "un lirismo risueño", a la vez que "deja evidentes las suturas por las cuales figuras y fondos aparecen como nuevas figuras, imaginadas, imaginables, posibles".

José Quinteros y Susana Gamarra van contra toda certeza. Negro, blanco y rojo, como los colores que se traman en el revés de las cartas, resaltan en los resultados de sus operaciones.

La muestra
"Operar > Dibujar". Pabellón Argentina, C. Universitaria. Muestra de José Quinteros y Susana Gamarra, ciclo "Más allá o más acá de ‘El Dibujo'". Hasta el 15 de julio. Lunes a viernes de 9 a 20. Entrada libre y gratuita. Visitas guiadas: visitaguiadaunc@gmail.com.

"El lago de los cisnes" sobre hielo

Tue, 11 Jun 2013 03:00:03 GMT

El ballet clásico, blanco, encontró 26 años atrás una nueva modalidad espectacular. Asociado con la disciplina del patinaje artístico sobre hielo, las obras consagradas lograron captar a un público más amplio. El Ballet Estatal de San Petersburgo sobre hielo llega a Córdoba con la puesta en escena de El lago de los cisnes, en una pista instalada en la Sala de las Américas del Pabellón Argentina.

"El Ballet Estatal de San Petersburgo sobre hielo es una de las pocas compañías estatales en el mundo. Funciona con la escuela, como ocurría durante la época de la antigua Urss", señala Alexander González, representante colombiano del elenco.

El Ballet fue creado en 1967 por el reconocido coreógrafo Constantin Boyarsky, quien seducido por la plástica del patinaje artístico sobre hielo y alentado por su sólida formación en la técnica de ballet clásico, unió ambas disciplinas. Para eso necesitó contar con deportistas de élite que, al mismo tiempo, dominaran los secretos de la danza clásica.

En la actualidad, el Ballet es dirigido artísticamente por Constantin Rassadin, exprimer solista del Ballet Mariinsky y Artista Emérito de Rusia.

Con respecto a la formación de los bailarines, Alexander comenta: "Son maestros en el deporte de patinaje artístico. Lo practican desde los tres o cuatro años. A los 17 años ya son campeones europeos y/o mundiales. No sólo son buenos en patinaje; también, en la formación de ballet". Y agrega otro dato que suena polémico. "Los bailarines deben ser bellos físicamente porque interpretan roles de príncipe y reinas. Son seleccionados por la belleza física".

La compañía respeta el original del siglo XVIII en todos los rubros. Suena la música del compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovsky y el ballet sigue la coreografía de Marius Petipa.

"También verán los vestidos de la época. El espectáculo es de ballet en puntas, pero sobre hielo", señala el vocero.

Las figuras del elenco bailan juntas desde hace ocho años y el año pasado presentaron en Córdoba La Bella Durmiente. Esta vez muestra El lago de los cisnes, ballet completo en cuatro actos. "Este arte del patinaje sobre hielo llega también a las personas a las que no les gusta el ballet clásico, y que encuentran el atractivo en el escenario congelado. Los integrantes del ballet ruso son magos sobre el hielo. Ellos protagonizan un cuento de hadas durante dos horas. Hay que verlos una vez en la vida".

La historia de amor
El príncipe Sigfrido celebra en la corte su cumpleaños número 21. De repente, la reina madre y sus damas de honor llegan a la fiesta para recordarle que la siguiente noche deberá elegir una esposa. A la fiesta estarán invitadas las muchachas más hermosas de la comarca, y el príncipe deberá elegir una de ellas. La historia narra el amor trágico de Sigfrido y Odette, una de las jóvenes convertidas en cisne por el malvado mago Rothbart. Completa el trío amoroso, Odile, la hija del mago.

La primera presentación de El lago de los cisnes tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de Moscú con la coreografía de Julius Reisinger en 1877. No fue muy aceptado en su momento. Recién en 1895, con la coreografía de Marius Petipa y Lev Ivánov, la obra logró un gran éxito en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo.

El escenario helado
La Sala de las Américas será transformada en una pista de patinaje con ocho toneladas de hielo triturado vertidas en una pista especialmente diseñada para crear una superficie lisa y compacta en un proceso que tarda 32 horas. El agua se desliza entre las virutas del hielo y se congela en capas para luego dejar que siga el proceso natural.

El lago de los cisnes
Ballet sobre hielo. Con el Ballet estatal de San Petersburgo sobre hielo. Sábado a las 19 en Sala de las Américas, Pabellón Argentina. Anticipadas en venta en Autoentrada. Precios: platea, $450; platea B, $380; platea C, $350; pullman D, $250; pullman E, $180.

En tiempos de buen humor

Mon, 10 Jun 2013 00:30:27 GMT

Y la fiesta se hizo una vez más: se fue la séptima... Córdoba vivió cinco días promoviendo la sonrisa general, convertida en un único escenario donde más de 80 artistas se confabularon para desparramar por todos los lugares posibles el Festival Pensar con Humor. Y hay que decir, que tuvieron éxito: más de 43 mil espectadores respondieron el llamado y agotaron las localidades. Durante cinco días, el humor fue el lenguaje común en todos lados: en el teatro, pero también en la plaza, en la escuela, en los barrios, en la peatonal, en los museos y hasta en los semáforos, porque hasta allí se trasladaron también los cuentistas para animar la sección "Humor en espera", una de las novedades de esta edición, que se sumó al ya clásico espacio de "Humor al paso", allí en la plaza central de la ciudad.

La fiesta se abrió con Doña Jovita en Chancaní, y al día siguiente, Cacho Buenaventura llevó su humor a San Pedro Norte. Ese fue el comienzo de las 14 localidades que recorrió el Festival: Brickman, Marull, Laguna Larga, Sinsacate, Río IV, Morteros, Villa General Belgrano, Capilla del Monte, Hernando, Tancacha, Río Ceballos y Oncativo. Muchas de ellas visitadas por la dupla del humor integrada por Marcos Ontivero y el Mudo Esperanza.

Por primera vez, la Media Legua de Oro Cultural se convirtió en la Media Legua del Humor con Chule en el Teatro Real, Cacho en el Teatro del Libertador, Jovita en la Ciudad de las Artes, el Negro Álvarez en el Museo Evita-Palacio Ferreyra, Los Modernos en el Museo Caraffa y el Flaco Pailos en el Museo de Ciencias Naturales. Una mágica jornada de siete horas, con los grandes de la tonada cordobesa.

Esta sobredosis de alegría también tuvo momentos de fuertes emociones. Ocurrió cuando Cacho hacía reír a los 1.200 espectadores en el Teatro Libertador y la organización del Festival interrumpió la rutina para sorprenderlo con un Reconocimiento a la Trayectoria. Doña Jovita participó del agasajo y ambos improvisaron un aplaudido duelo.

Como todos los años, el escenario de Humor al Toque consagró a un ganador: Gonzalo Pérez de Adelia María, que se destacó por su rutina "Hombre de las mil voces". Diecinueve participantes noveles entregaron lo mejor de su humor frente a colegas y la atenta mirada del jurado integrado por Raúl Ceballos, Jorge Lewit y Leopoldo Cáceres. El premiado formará parte de la programación de la edición 2014 del Festival Pensar con Humor.

La trama oscura del dinero

Sun, 09 Jun 2013 12:00:01 GMT

A finales de la dictadura el Cabeza, líder del partido peronista en la imaginaria ciudad de San Ceferino (oeste de la Provincia de Buenos Aires, cabecera del distrito más grande y con mayor caudal electoral), comienza a organizarse para llegar a la vicepresidencia. Pero su proyecto no consiste en seguir la lógica de la batalla ideológica y de los recursos legítimos de la política, sino en tender una red delictiva que le permitirá recaudar dinero y concentrar poder.

En La mafia política. Renacerás de tus cenizas (Editorial Planeta), Diego Grillo Trubba presenta un mundo donde la traición, la deuda y los favores hechos y devueltos son los resortes que mueven a los personajes. El Cabeza, adepto al ajedrez, considera a sus socios como piezas intercambiables de acuerdo a cómo se le presente la coyuntura: la única verdad que acepta en el juego es la de ser siempre vencedor.

Con esta nueva novela, que sigue a los dos tomos de policial inglés de Crímenes coloniales, Grillo Trubba se mete en el subgénero del policial de mafias. "Tenía ganas de escribir algo en esa dirección y cuando me empecé a preguntar cuál era el tema más adecuado para llevarlo adelante pensé en los intendentes del conurbano -señala-. El rompecabezas se empezó a armar cuando decidí tratar al intendente como lo que es, como un jefe mafioso, cuando decidí narrarlo desde ahí, desde la lógica del género".

La novela narra los primeros años de la democracia y muestra un complejo y enmarañado circuito de negociaciones donde se dan "acuerdos por izquierda que implican dinero". "Ya no se trata de la política idílica que uno supondría producto de alianzas o conveniencias ideológicas, sino que se rifan cargos. Ya eso es un delito", asegura el autor.

Los otros personajes principales en la historia son Tony, un ex preso político e hijo de un influyente líder del partido ya muerto y que delegó el poder en el Cabeza; Jorge, un ex militar que pasa a formar parte de la mano de obra desocupada de la dictadura y que fue torturador de Tony cuando estuvo en prisión; y Rodrigo, el joven e impulsivo dueño de un prostíbulo que además se hace una diferencia con los robos a camiones blindados.

La mafia política alterna capítulos en tercera persona narrados por una voz que refiere las acciones de los personajes (desde líderes barriales hasta el jefe de la policía involucrados directa o indirectamente en el negocio de los prostíbulos, la trata de blancas, el narcotráfico y el secuestro de empresarios, entre otros) con otros que despliegan variantes del diálogo directo, y que permiten conocer los pensamientos que los motivan.

La lupa en el delito

El arco de la novela va de 1983 hasta 1989, año en que el Cabeza llega a la vicepresidencia, y que la historia muestre en clave ficcional la ruta del dinero a unos les confirma lo que ya saben, y a otros quizás les desarme las ilusiones biempensantes sobre la trama política. "Estoy seguro de que cualquiera va a tener la sensación de que le están contando algo que por lo bajo sabía, pero sobre lo que se estaba haciendo el tonto -reflexiona el autor-. Todos sabemos que los prostíbulos o que el narcotráfico rentan a la política, que la caja primaria es el delito y que es así en todos lados, no es sólo una denuncia de lo que sucede en la Argentina. Yo hablo de acá porque es lo que conozco. La corrupción a gran escala es la que sale en los diarios, pero la corrupción en escala chica es la que tiene de rehén a la sociedad. La sociedad no es rehén de Lázaro Báez, sino de los secuestradores o los ladrones o los barrabravas que actúan en connivencia con la política".

El clima general deja la sensación de que no hay salida porque ya no se trata de proyectos políticos, sino de negociaciones que reducen la vida de los personajes al proceso de integrarse a la cadena de favores que mantiene conectados a unos con otros: el que gana es el que tiene más deudas y así se convierte en el mayor y mejor acreedor. Y en este sentido el autor señala que una de las características del subgénero del policial de mafias es que "no hay buenos". "Si vos ves las tres películas de El Padrino no hay ninguno que sea bueno, habrá lo que uno llama línea dura y línea blanda", asegura. Y agrega: "Justamente, lo que el género hace es mostrar un entramado tipo telaraña en el que todos son por lo menos cómplices. Y esa es una de las cuestiones que la sociedad tendría que resolver a través de la política: ¿hasta cuándo va a ser cómplice?".

El único personaje que da un matiz levemente diferenciado es Tony, quien recién salido de prisión trata de embarcarse en una venganza personal hacia sus principales victimarios. Sin embargo, su lucha se verá obstaculizada por los acuerdos del Cabeza para que se perdone a los militares y se los incorpore a la vida civil. "Con Tony quería mostrar que hay gente que está dentro del sistema y que sabe que el sistema está podrido y no le gusta, y trata de torcerlo. Pero en general lo tratan de torcer con métodos por izquierda, con lo cual igual quedan sucios", dice Grillo Trubba. Y añade: "Lo veo en especial en esta última década, gente que entró con buena intención a la política y dijo: 'bueno, se está logrando tal cosa, me trago un sapo'. Ahora, ¿cuántos sapos te tenés que tragar para darte cuenta que esto no va en la dirección querida?".

Para el autor, la función de la literatura no es "dar soluciones", y asegura que en los cuatro tomos que seguirán "las cosas empeoran". Sin embargo, reconoce que si se le pregunta más allá del mundo de la ficción, cree que "sí hay salida pero no dentro del juego": "En el momento en que entraste en la militancia de un partido formal, estás en la trampa. Creo que esto se soluciona por afuera, no por adentro", afirma.

Va por todos

-¿Cómo pensás que se leerá esta novela y todo el ciclo?
-Creo que a todos los oficialistas, con esta y con las otras dos novelas, se les va a presentar una paradoja. No van a hablar de la novela, pero al mismo tiempo la novela habla mal de sus enemigos actuales. Pero en la cuarta les toca a ellos. Esa es la trampa, ellos dicen "ay, la década menemista, lo que hizo Menem, bla bla bla". Pero el día que se aliaron dejaron de hablar de Menem. Había cosas que uno apoyaba de este gobierno, y después te das cuenta que era todo transitorio y que el objetivo es otro.

La mafia política abre un ciclo que se completará con tres novelas más. A este primer tomo, que va de 1983 a 1989, le sigue un segundo que toma la década de 1990, mientras que el tercero abarcará las presidencias de De La Rúa y de Eduardo Duhalde, y el cuarto los 10 años de kirchnerismo. El autor asegura que le gusta planificar antes de ponerse a escribir y por eso ya diseñó todo el plan: "Es un arco muy definido en cuanto a lo dramático, ya que consiste en contar el ascenso de a poco de este intendente mafioso hasta que llega a presidente en el tomo 3, y luego cuando es traicionado y viene la decadencia", comenta.

Si el mercado editorial y los lectores responden, el proyecto se continuaría con otro ciclo de novelas sobre la mafia empresarial, la mafia sindical, la mafia judicial y la mafia intelectual. "Creo que éstas cuatro son las nuevas noblezas. En realidad, cuando hablo de mafias es como hablar de estamentos feudales que tienen una legislación aparte del resto de la sociedad y que funcionan con reglas bien diferenciadas -argumenta-. La única forma de ascender socialmente es integrarse a uno de esos cinco estamentos; si no, quedaste totalmente al margen. Cada uno tiene reglas distintas pero se basan en el delito, aunque sean delitos de otra clase".

El autor. Diego Grillo Trubba (Buenos Aires, 1971) es licenciado en Sociología y cursó posgrados en la Argentina y el exterior sobre Ciencia Política, Opinión Pública y Economía Internacional. Cuentos de su autoría se publicaron en la Argentina, Cuba y España. Compiló, entre otras, las antologías de jóvenes escritores In fraganti (2007) y Uno a uno (2008). Publicó las novelas Los discípulos (2004), Crímenes coloniales. Los asesinatos de las invasiones inglesas (2010) y Crímenes coloniales II. Asesinato anunciado en la Semana de Mayo (2011), y el libro de cuentos Soliloquios (2011). Actualmente se desempeña como periodista del diario Perfil y dirige talleres literarios de cuento y novela.

El libro
La mafia política. Renacerás de tus cenizas
Diego Grillo Trubba
Editorial Planeta
384 páginas
2013
$ 131

Biólogos: dos pensadores

Sun, 09 Jun 2013 03:01:01 GMT

"Destrozamos la teoría de Darwin porque creemos que el fenómeno de la boludez humana es el único común a todo ser vivo, desde el comienzo de la vida. Presentamos además otro estudio sobre la cinematografía: destrozamos el cine como entretenimiento y lo desnudamos como maquinaria de estupidez mundial. Siempre, por supuesto, desde el lugar de dos especialistas que no tienen idea de nada". Así explica Nardo Escanilla cómo será el nuevo espectáculo de Biólogos, el dúo que integra junto a Félix González y que hoy estrenan nuevo espectáculo, en el Festival Pensar con Humor.

La nueva obra es casi un regreso a los orígenes de la dupla, que tras esos primeros espectáculos se dedicó a la improvisación, el stand up, la radio (están en Gamba) y otros formatos. Paradójicamente, aunque el gesto es un retorno a los inicios, el espectáculo se titula Ebolución y es la celebración de los cinco años de Biólogos. "Tenemos la numerología casi perfecta para convencer a la gente de venir hoy: Un día, dos biólogos, 'tre-mendos' actores, en el cuarto festival en el que participamos, cumplimos cinco años, es la sexta obra que estrenamos, es el séptimo Pensar con Humor, es a las ocho de la noche, el nueve de junio y la entrada sale 10 pesos", añade Nardo, que anuncia la numerología sin respirar entre frase y frase.

En Ebolución, los Biólogos tendrán un despliegue acorde a la celebración de su aniversario: los acompañarán en el escenario el coral Agruparte, la murga Tunga Tunga, y los músicos Marcos Luc y Enrico Barbizi. La obra está en el ciclo "Humor joven", que agrupa a varios comediantes que renovaron la escena cordobesa. ¿Qué tienen de diferente con las generaciones anteriores?

"Si alguien quisiera alguna vez estudiar la brecha entre generaciones de humoristas, este festival es perfecto. Porque se nota la diferencia. Entre los que tiene más de 45 o 50 años, el 90 por ciento son contadores de chistes e imitadores, un humor más clásico. De los 40 años para abajo se inclinan por el stand up, la improvisación, los textos, el clown. Igual, creo que es cíclico, en algún momento cuando esté más instalado el stand up van a volver a aparecer nuevos contador de chistes", añade, y agrega que la otra actividad que hicieron en el festival, el ciclo "Humor al paso" en la peatonal, volvió a convocar a humoristas espontáneos.

Para Nardo, la dupla de Biólogos funciona bien por una sencilla razón: la química entre los dos actores. "Hay un rebote que es lo más importante que todo. Sé que digamos lo que digamos, descansamos el uno en el otro". El matrimonio perfecto.

Festival Pensar con Humor

Domingo

Ebolución. De Biólogos. A las 20, en el Teatro Real.

Stand up (Gabriel Marasini, Juan De Battisti, José Majul Flores, Jorge Monteagudo), a las 19, en el Buen Pastor.

Desconchertados. Concierto de instrumentos no convencionales y humor. A las 21.30, en Cocina de Culturas (Julio A. Roca 491).

Entradas $ 10.

El museo de Unquillo está casi listo

Sat, 08 Jun 2013 12:00:01 GMT

En plena obra en construcción, una mesa con empanadas y vino reunió el viernes al mediodía a muchos de los que colaboran con el proyecto del Museo de Arte Contemporáneo de Unquillo desde 2009. La construcción avanza y se espera que el MACU sea inaugurado en noviembre con una gran muestra y un libro de 200 páginas en el que participan los 60 artistas que apoyaron la creación del museo con la donación de sus obras.

Alrededor de la mesa estaban Carlos Alonso, Ernesto Berra, Raúl Díaz, Pablo Canedo, Jorge Cabrera, Álvaro Izurieta, Luli Chalub, artistas de la comisión del MACU. Y también algunos de los artistas donantes: Luciana Bertoloni, Boyo Quintana, Susana Lescano, Sara Goldman, entre otros, además de galeristas, empresarios. Oscar Valtier, uno de los impulsores, y Adriana Peretti, autora del proyecto del museo, mostraban a los presentes lo que se está haciendo y lo que falta.

Con las obras en marcha ya listas se habrá construido 1.100 metros cuadrados. Y quedará pendiente hacer los depósitos y un sector para la administración; un bar y un espacio para la biblioteca.

Fondos oficiales

Días atrás, el MACU recibió un aporte de 300 mil pesos de la Agencia Córdoba Cultura, fondo con el que se está haciendo un entrepiso (donde funcionará por ahora la administracion); el hall de ingresos, y la recepción, afirmó Valtier. "Terminaremos baños y compraremos una parte de lo necesario para la iluminación", agregó. Canedo calculó que se invirtió cerca de un millón 800 mil pesos.

Verano productivo

Durante el verano se había avanzado con la construcción de los baños y la pintura interior de la sala principal. En marzo y abril los trabajos continuaron con el piso y la colocación de las aberturas de aluminio que habían sido adquiridas dos años atrás con los fondos recaudados a través del principal flujo de ingresos para levantar el museo: la venta y subastas de obras de arte. Para dar un ejemplo, señaló Canedo, sólo Juan Carlos Distéfano donó cinco obras. También Marta Minujín, Antonio Seguí donaron, como otros artistas de Buenos Aires y muchísimos más de Córdoba. "Siempre que pueda voy a apoyar", decía ayer Alonso.

El museo se erigió sobre un terreno que destinó el municipio local. Y además del reciente aporte del gobierno provincial, colaboraron empresarios, coleccionistas, galerias de arte, y "amigos que confiaron en el proyecto en estos años", resalta la comitiva. Como las cuatro empresas que ya compraron libros como regalo empresarial para que el MACU puede editar la publicación en la fiesta inaugural.

Un rap de amor

Sat, 08 Jun 2013 03:08:02 GMT

Después de un mes de funciones en el Teatro Real, Rapatipitapa se muda a la sala de Alquimia para continuar narrando la popular historia de La ratita presumida desde el innovador lenguaje del rap. En el escenario sólo hay dos casas con forma de latas, se abre una puerta y aparece un ratón, con hociquito clownesco y nobles sueños de amor. Ella no es una rata cualquiera, es más bien una especie de Minie moderna, pero de estirpe rapera.

Con un buen manejo corporal, la protagonista se presenta al público entonando un pegadizo rap original. Presumida y sin dinero, ignora a su enamorado y anhela ganarse la lotería para alcanzar sus sueños dorados: dulces, vestidos, y un pretendiente engalanado.

Mientras el gato no está, los ratones bailan y cantan en vivo, haciendo gala de su destreza corporal y sus capacidades vocálicas. La escena se carga de dinamismo cada vez que los personajes entonan las canciones compuestas por los hermanos Alexis y Lucio Calvimonte y el letrista Gabriel Coba. La fábula hace su quiebre cuando Rapatipitapa encuentra una moneda de oro que le cambia la suerte. Es en este punto donde la festejada comicidad del Gato Siamés se hace escénicamente más fuerte.

El antagonista intentará quedarse con la fortuna de la roedora, y para ello será capaz de disfrazarse de cualquier cosa.

En cada transformación del felino (interpretado por el versátil Alejandro Ramos) se activa un atractivo recurso lumínico: telas fosforescentes vuelan por los aires y brillan en el espacio, salpicando a la escena con los vestigios hipnóticos del teatro negro.

¿Caerá Raptatipitapa rendida ante los encantos del rock del gato? Mientras el malvado entona en escena el himno de Juanse (para deleite de los padres), el ratón paranoico observa el peligro y lanza una queja: “¿Porqué las chicas siempre eligen a los chicos malos?”. Pero la fábula didáctica no permitirá que el telón se cierre sin antes plantear una moraleja.

Sencilla en su historia (y por eso recomendable para los espectadores más pequeños) y prolija en su planteo escénico, Rapatipitapa alcanzó las 50 funciones a sólo tres semanas del estreno. La obra dirigida por Marina Abulafia se trasladó del Teatro Real a Alquimia, y vuelve en julio a la sala Azucena Carmona, llevando de aquí para allá un rap de amor a prueba de chicos y de salas.

Para agendar: Con Valentina Calvimonte, Alejandro Ramos y Fabricio Cipolla. Dirige: Marina Abulafia. Funciones: 9, 23 y 30 a las 17 en Alquimia. Entradas $ 40. En Julio: 10, 11, 12, 17, 18 y 19, a las 17 en el Teatro Real (Sala Azucena Carmona).

Cacho Buenaventura, en defensa del humor propio

Sat, 08 Jun 2013 03:03:01 GMT

Woody Allen tenía una fórmula para sintetizar su sentido de la comicidad judía y neoyorquina: "El humor es tragedia más tiempo". Cacho Buenaventura tiene otra para describir la gracia de Cruz del Eje, y también se relaciona con la manera de entender el tiempo. Cacho recuerda que una vez pasó apurado por una estación de servicio de Cruz del Eje, se bajó del auto y le pidió al playero, casi sin saludarlo, que le llene el tanque. "Eh, parecés un turista apurado, cómo andás, qué maquinita que tenés, qué le echo al tanque...", cuenta que le respondió el hombre. Y algo hizo un click.

"No me olvido más de su cara, su gesto, su manera de moverse. Todo en él irradiaba paz, tranquilidad. Y me dije entonces que esa era la unidad de tiempo que tenía que usar. Recuperar ese ritmo. En las grandes ciudades vas tan apurado que te perdés este tipo de cosas. Si no tenés tiempo de tomarte tres cafés en lugar de uno, te perdés algo. Ha sido muy importante estar atento a eso", cuenta Cacho, que hoy se presenta en el Teatro del Libertador, en el marco del Festival Pensar con Humor.

Humorista sinónimo de "cordobesitud", Cacho estuvo otras veces en el teatro, pero esta la primera que lo hará solo. Y evoca que en el marco del festival también estuvo en el norte cordobés, en San Pedro: "Fue maravilloso, un día de sol que te quemaba la jeta en el escenario, con la plaza llena, la gente divina, nos comimos un asadazo. Y me enteré ahí de que voy solo al Libertador. Todo llega, viste. Estoy contento de estar en el Libertador y de tener a entera disposición su parte humana, sus técnicos. Esto llega en un buen momento. Me hacía falta un mimo".

-Tu espectáculo se llama "En defensa propia", ¿en defensa de qué?
-En defensa de la calidad de tu día, de tu vida, de tu corazón, de tu cabeza, de tus tripas. A veces la vida tiende a malhumorarte, a estresarte, a ponerte mal. La idea es hacer una defensa propia de lo cotidiano, reírnos de pequeñas cosas, las cosas malas son estupideces. Que quede claro, esto no es Shakespeare, son todas estupideces, pero son las mismas estupideces que te enojan, te molestan, te suben la presión, pero ahora vamos a tomarlas en broma, para que no molesten tanto.

-Algunos dicen que el drama se puede enseñar, pero que la comedia requiere de un don. ¿Cuándo te diste cuenta de que lo tenías?
-Es algo que heredé de mi mama. Doña Antonia Díaz era una criolla hermosa, de piel blanca, pelo castaño, ojos color miel. Y me acuerdo de que ella me hacía reír pero sin intención, ella hablaba así. Me pasa a veces que hablo en serio y los otros se ríen, me ven venir caminando y se ríen. Hay una manera de hablar, de moverse que les resulta graciosa. Creo que toda la vida he sido así. Soy Cacho Buenaventura todo el tiempo. Por ahí se me sale la cadena o tengo una rabieta, como todo el mundo. Pero mi tendencia es en un altísimo porcentaje a estar de buen ánimo, de ver el vaso medio lleno. Igual desde chango, a los 12, ya era el gracioso de la barra, de la esquina, la escuela. Mi mama se murió convencida de que no iba a lograr vivir de esto. No podía creer que alguien iba a pagarme por escucharme habla estupideces. "Sí, por bonito te van a pagar a vos, hablando macanas", me decía.

-Y ya cumpliste 30 años haciendo humor...
-Un poquito más a lo mejor, empecé a los 19 y cumplí 57. Hace años, mi mujer me dijo que me había hecho artista para acostarme tarde. Pocas veces sentí vergüenza delante de ella. Esa fue una. Fue un quiebre, pensé que estaba haciendo todo mal y decidí cambiar algunas cosas. Entendí que este podía ser un medio "lícito" de vida. Por suerte, me fue bien. Tuve que emprolijarme, animarme a crecer, evolucionar. Mi lucha es mantenerme fresco y espontáneo. No sé si es éxito, fama o qué, pero yo me considero un tipo con suerte. Por algo mi apellido es Buenaventura. Y si acecha la vanidad, lucho contra ella. No quiero ser un idiota conocido que llena una sala. Quiero ser un tipo agradecido, que eligió lo que le gusta hacer y, encima, le pagan por eso.

En defensa propia
Con: Cacho Buenaventura.
Hora y lugar: A las 17, en la Sala Mayor del Teatro del Libertador.
Entrada: 10 pesos.
Duración: 100 minutos.
Apta para todo público.

Siempre fiel a su estilo, con sus relatos, historias y cuentos cortos, Cacho ofrece un monólogo en el que nos invita a reírnos de nosotros mismos como un mecanismo sanador. Cacho tiene asistencia perfecta en el festival.

Javier Daulte: La relación entre analista y paciente es muy teatral

Sat, 08 Jun 2013 03:01:09 GMT

¿Un policial negro? ¿Un drama psicoanalítico? ¿La historia de una mala transferencia? ¿Un retrato de la sociedad hija del psicoanálisis? Todas esas líneas conviven en Criminal, pieza teatral que Javier Daulte estrenó por primera vez en 1995 y que vuelve a las tablas este fin de semana de la mano de Elencos Concertados, en la Sala María Castaña.

Desde que salió a la luz la obra no ha dejado de llevarse a escena, directores de distintos puntos del país y del exterior se animaron a montar el guión que en 1996 se quedó con el Premio Ace al mejor autor. Todo ese recorrido, que ahora tiene escala en Córdoba, amerita un diálogo con el polifacético Daulte.

–Con "Criminal" descollaste en el terreno de la dramaturgia. ¿Cómo surge esa experiencia escritural?
–Criminal formó parte de mis primeros intentos de escritura teatral. Surge como parte de una especie de trilogía compuesta por esa obra, Óbito, y Un asesino al otro lado de la pared. Justamente coincidió esa época con la decisión de ya no pretender ser actor (esa fue mi primera formación, desde los 14 años). La vocación de director, en cambio, surgió mucho más tarde. Asumirme como dramaturgo no fue fácil (ni aún hoy lo es). Debí escribir unos cuantos textos más para que eso sucediera.

–La primera puesta de "Criminal" fue casi un experimento, en el sentido de que trabajaste con gente amiga, prescindiendo de la legitimación de los consagrados ¿El teatro es animarse?
–Las decisiones más importantes de la vida nadie las va a tomar por uno. Cuando se es chico, el hecho de estudiar la primaria, la secundaria y en muchos casos hacer la Universidad, son cuestiones que están decididas de antemano y uno "cumple" con esa decisión (llamémoslo si queremos "mandato"). Se trata de obligaciones culturales que exceden nuestra voluntad y operan a través del deseo del otro. En el caso de algo como el teatro esa decisión es absolutamente personal. En mi caso particular nadie me decía "tenés que hacer teatro". Por el contrario me decían "tenés que hacer una carrera universitaria". De hecho soy psicólogo. Igualmente en este ámbito a veces se buscó que el deseo propio esté cifrado por el de otros, en general padres artísticos, que serían los que nos autorizan y nos ayudan a asumir nuestro lugar. No fue mi caso. Criminal, siendo mi primer estreno como autor, fue montado con un grupo de pares.

–La temática psicoanalítica es recurrente en tu obra. Aparece en "Criminal", fue la base de "Tiempos compulsivos". ¿Qué te atrae de la relación paciente-analista?
–No es tanto lo que me interesa de la práctica psicoanalítica en tanto contenido, sino en tanto dispositivo. Creo que la relación de amor artificial que se genera entre analista y paciente (amor transferencial) es muy teatral. El título completo de la obra es Criminal, pequeña tragedia sobre una transferencia contratransferencial.

–¿Crees que sos inaugurador, junto con otros, de una nueva generación de dramaturgos? ¿Hubo una ruptura en los '90 respecto a las formas anteriores de producción?
–Sí, creo que el grupo Caraja-ji (Spregelburd, Tantanian, Arrieta, Apolo, Robino, Zigman, Leyes y yo) fue representativo de lo que fue la movida dramatúrgica de los 90. Más allá de las poéticas individuales, lo que inauguró el Caraja-ji fue una modalidad de trabajo. Rompimos con la cadena verticalista de autorización y creamos (casi a pesar nuestro) una cadena horizontal: el trabajo con los pares, sin esperar que los consagrados nos lleven a su territorio de privilegios.

–Trabajaste como guionista de televisión. ¿Fue natural y fácil ese pasaje? ¿Cómo lográs producir guiones de excelencia, como el maravilloso de "Para vestir santos", en el marco de un mercado muchas veces presionado por la tiranía del rating y la lógica comercial?
–Fue natural y divertido. Aunque no por eso poco trabajoso. En Para vestir santos trabajaba solo. Cada diálogo estaba escrito por mí. También en Tiempos Compulsivos, aunque en este caso conté con un colaborador que me ayudaba a estructurar los capítulos. Creo que el hecho de trabajar solo me permitía cuidar la calidad del programa. Pero sobre todo era posible porque el director, Barone, era el primero en respetar el texto (lo mismo que la producción). Creo que una buena producción es la clave para que las cosas salgan bien en cualquier lado: teatro, cine, o tele.

Con tres obras de su dirección actualmente en cartel en Buenos Aires (El hijo de P#!@ del sombrero, Amadeus y Una relación pornográfica), Daulte puede definirse como un autor que trabaja en las fronteras y que sabe congeniar el teatro comercial, con el off y la televisión, generando productos que alcanzan intensidad dramática sin perder el humor.

Criminal, la obra que catapultó al autor bonaerense, puede verse todos los viernes y sábados de junio en la sala de María Castaña. Ambientada en los años '50 y bajo la dirección de Enrique Giungi, la versión cordobesa de Criminal se anticipa como "un policial que se enreda en el melodrama de una crisis matrimonial".

"Dos psicoanalistas que se encuentran y van desentramando una maraña de mentiras, sexo y traiciones. Un asesinato a punto de cometerse. Un secreto a punto de develarse. Y un teléfono que podría evitar lo peor", anuncia el texto de promoción. Buen punto de partida para pasar por la boletería.

Criminal
De Javier Daulte. Con Ornela Calvieri, Luis Iglesias, Martín Tuñón, y Marcos Polzoni.
Dirección: Enrique Giungi. Viernes y sábados de junio, a las 22, en María Castaña (Tucumán 260). Entrada: $50. Anticipadas en sala: $40.

Militantes del amor y el despecho

Fri, 07 Jun 2013 03:09:36 GMT

“Después del estreno, Amor 1 Despecho 0”, tira uno de los muchachos, vestido con camisa y tiradores. “No es así, dejá de hablar, ya te vi que estabas agitando en el Facebook”, retruca una de las señoritas. “¿¡Viste cómo gritó toda la gente que viva el amor!?”, arremete otro de los caballeros defensores de la pasión. “Qué van a gritar, ya vas a ver este domingo”, cierra ella.

La desafiante charla se da entre algunos integrantes de Las Despechadas y otros de El Cuarteto del Amor, los grupos que por estos días estrenaron un espectáculo conjunto muy singular, en el que las propuestas de cada uno se baten a duelo. El resultado, que en realidad es parte de un juego, se traslada de las opiniones que se vierten en la sala a las redes sociales, donde el público mismo da su veredicto, como en la página de Facebook del evento que por ahora se podrá ver todos los domingos de junio en El Vecindario (Marcelo T. de Alvear 835).

La historia de esta juntada se remonta a un par de años, cuando El Cuarteto del Amor tocó junto a Las Despechadas, aunque con shows separados. Ellas presentaron sus canciones dramáticas y reivindicando la soledad con citas a Rafaella Carrá, García Lorca o Luz Casal. Ellos, sus boleros y serenatas “lookeados” con moños, tiradores y galeras, recreando el espíritu de la década de 1930.

“Nosotros hace un mes que estábamos tocando en la calle y nos invitaron a participar de su espectáculo”, recuerda Nash Coll, uno de los “cuarteteros”. “No, tocaron después”, corrige Luza o “la colombiana”, como se la conoce a la más histriónica de las despechadas. “Ni en eso coincidimos”, remata otro de los muchachos entre risas.

“Seguro que no nos vamos a poner de acuerdo nunca, y esa también es la magia de este duelo. Porque en el show se plantean argumentos hasta filosóficos de cada lado”, sigue Leo Tangenti, del Cuarteto.

“Todos personalmente hemos vivido situaciones de desamor. En lugar de odiar a esas mujeres, les cantamos serenatas. Antes de ser músicos, somos militantes del amor. Tratamos de convencer a todo el mundo de que el amor es lo más hermoso del mundo. También tenemos la teoría de que el amor es anticapitalista, anti-consumista...”, agrega Rodrigo Sandoval, pero es interrumpido por Luza: “¿¡Anti-consumista!? ¿¡Y San Valentín!? ¿No se lucra con el amor?”. La respuesta no tarda en llegar: “Cuando hay amor de verdad, las cosas materiales pasan a un segundo plano”. Y el remate de la colombiana parece convincente: “Ellos utilizan estos personajes para conquistar mujeres, van enamorando cuanta niñita se les cruza. Dejen de chamuyar, porque eso es lo que genera el despecho”.

La antítesis

–Están muy metidos en los personajes, y es difícil sacarlos de la confrontación.
–El Cuarteto del Amor: Para cortar la belicosidad, podemos decir que las muchachas son muy bellas, cantan muy bien y congenian perfectamente.
–Despechadas: Ahhh, nos derretimos todas. Hablando un poco en serio, después de esa “vececita” que compartimos, quedó picando la idea porque nos dimos cuenta de que éramos la antítesis. Necesitábamos algo bien meloso y cursi para contrastar.
–El Cuarteto del Amor: Un poco de alegría.
–Despechadas: No, lo suyo es muy empalagoso.

–La apertura de esta nueva sala tuvo mucho que ver en el armado del show.
–Despechadas: Víctor (Garay, guitarrista de la banda) y el Nacho (Nash Coll, del Cuarteto) venían agitando y Cecilia (Salguero, productora de la sala) propuso la idea del ciclo. El Vecindario es un lugar ideal, porque se armó como un café concert. Hay muchos elementos teatrales, es como música ficcionada.
–El Cuarteto del Amor: Eran dos estéticas que se amarraban muy bien. Un grupo de hombres que le cantan al amor y a la alegría, y ustedes al desamor y al despecho.
–Despechadas: Nosotros también le cantamos a la alegría. A la alegría de estar solas y de saber que el hombre te va a traicionar. Para nosotras la vida también es hermosa, pero somos realistas. Cuando hubo mucho amor y te traicionan...

–Otra característica es que, a pesar ser un espectáculo teatral, no hay director ni guionista.
–El Cuarteto del Amor: Fuimos armando una especie de guion con mucho espacio para la improvisación. Por ejemplo, lo que pasó el domingo pasado, pasó ahí. Terminó saliendo un espectáculo de casi dos horas, muy ágil, y la gente hasta pidió bises. Nosotros siempre improvisamos dentro una estructura básica con tips que ya tenemos aceitados de la calle, pero sólo uno de nosotros tiene formación actoral.
–Despechadas: Los dos grupos trabajamos mucho con el público, entonces ningún show es igual a otro. Sin la interacción y la complicidad, no sería posible. El público es el que completa todo. Incluso, en una sala más grande también se puede, lo hemos hecho en otros lugares. Planteamos una estructura y el resto es un juego, un delirio hermoso. Nos pasó de tentarnos un poco, pero eso lo reutilizamos. Además, ahorita los músicos también están teniendo un protagonismo que está buenísimo. No hay forma de hacer cuarta pared, teatro...
–El Cuarteto del Amor: Cuando actuamos en el teatro o alguna sala, generalmente nos sentimos más incómodos, porque siempre necesitamos cantarle a alguien y el escenario genera una distancia. Somos callejeros. Además, los micrófonos fijos y el sonido siempre fueron un problema para nosotros. Ahora tenemos a los chicos ahí y con el aporte de Jero (Piazza, pianista y algo así como el director musical de Las Despechadas) tenemos los micrófonos inalámbricos. Un golazo.

Pasión sin techo

Llega el café y la charla se distiende un poco. Las aguas calmas son una buena oportunidad para seguir ahondando en cómo fue para cada grupo.

“Las chicas somos todas actrices que queremos ser cantantes. Tenemos una disputa con los músicos, porque para nosotras es más importante la intención que entrar en la nota. Y ellos te lo marcan. Igual, hemos hecho clases de canto y de perceptiva para estar en sintonía. Empezamos a llevar el tiempo de los músicos, pero ellos saben que nosotros tenemos otro lenguaje”, cuentan ellas.

“Del cuarteto, uno solo tiene formación actoral y uno de nosotros estuvo en una obra de Paco Giménez (Aliento de ácaros). Nuestra formación fue en la calle y con algo de tradición murguera que tuvo el fundador del grupo, que estuvo muchos años en Falta y resto”, agregan ellos.

–La química que lograron es impresionante. ¿Hasta dónde creen que puede llegar el show?
–El Cuarteto del Amor: A medida que avancemos, vamos a crecer. Lo bueno es que ya sabemos que funciona, y hay mucho futuro en lo artístico. Nos parece que no hay techo.
–Despechadas: Como vemos que hay tanta conexión, no sabemos hasta dónde llegaremos. Es un producto artístico y comercial, por qué no, que tiene mucho potencial. Carlos Paz, Buenos Aires, Colombia, allá vamos (risas).

Amor y despecho. El duelo. El cuarteto del amor y Las despechadas presentan su espectáculo conjunto todos los domingos de junio a las 21.30. en la nueva sala El Vecindario (Marcelo T. de Alvear 835). Entrada general $ 45. Reservas a nochedespechada@gmail.com.

Nombres propios. Las Despechadas 2013 son Luza Osorno, Florencia Coll, Sabrina Lezcano y Soledad San Martín. Músicos: Jeronimo Piazza (teclados), Victor Garay (guitarra), Pablo Rojas "Blojas" (percusión) y Alejandro Gomez (bajo). El Cuarteto del Amor (versión cordobesa): Leo Tangenti, Nash Coll, Rodrigo Sandoval y Jorge Hunicken.

Daniel Salzano presentó sus libros

Fri, 07 Jun 2013 03:03:03 GMT

Algún día, de acá a un tiempo, alguien podría escribir sobre la relación entre Daniel Salzano y las barras. Atender a las diferentes acepciones de la palabra “barra” y dar cuenta de que se encuentra unida a Salzano por lazos gramaticales y humanos. Ese alguien, algún día, deberá analizar esos textos escritos a medio camino entre la prosa y el verso y su particular forma de incluir las barras como recurso estilístico para / decir / las / cosas / que / quiere / decir. Lo segundo que deberá estudiar esa persona será algo del orden del cariño y la admiración, para explicar esa otra clase de barra que está unida a Salzano: el afecto de sus lectores, que lo siguen con un fervor comparable al de una hinchada.

Una de las primeras frases del escritor en la tarde de ayer, frente a un Teatro Real repleto, fue la siguiente: “Yo siento que formo parte de un club. Y estoy muy orgulloso de formar parte de él”. Fuera de su debido contexto, cualquiera apostaría que esas palabras pertenecen a un deportista profesional, pero la profesión de Salzano no ejercita tanto los músculos como la memoria. Tal vez no sea necesario aclarar que el club al que hacía referencia era Córdoba, una de sus grandes pasiones junto con el deporte, el arte y los personajes históricos.

Justamente esas cuatro pasiones del narrador forman la “Biblioteca Salzano”, una colección de cuatro tomos que recopila buena parte de su producción en La Voz del Interior, la cual podrá adquirirse, a partir del sábado, junto con el cupón que trae el diario. Salzano y el deporte, Salzano y Córdoba, Salzano y el arte y Salzano y el mundo fueron los cuatro títulos presentados por su autor, que estuvo acompañado por un grupo de amigos sobre el escenario del teatro.

Apenas minutos después de las 18, el actor Jorge Monteagudo abrió la presentación con una bienvenida cálida y un breve espectáculo de stand up. Luego llegó el turno de Sergio Suppo, secretario de redacción de La Voz del Interior, quien tomó la palabra para presentar a Salzano y observar que “cada uno de nosotros tiene un Daniel propio desde hace muchos años”. Así fue como enumeró una lista de 100 temáticas relacionadas con el escritor, lista que incluyó personajes emblemáticos del cine o el jazz, escritores argentinos, bares históricos de nuestra ciudad y, desde luego, el propio Salzano, “poeta mayor de la ciudad”.

Una ovación sostenida a cargo de la barra de seguidores recibió al homenajeado de la velada. “Conocidos o desconocidos, son todos queridos amigos míos”, comenzó Salzano. “Agradezco mucho tenerlos reunidos alrededor de una palabra, que es Córdoba, porque de ahí provenimos y hacia allí iremos. Voy a seguir escribiendo mientras pueda”, agregó.

En una charla amena que mantuvo con Daniel Santos, editor del suplemento VOS, el escritor recordó sus días de redacción (“En La Voz del Interior encontré mi identidad, por fin supe quién era”), sus viejas manías (“Escribo a máquina, probablemente tenga una luxación en el hombro derecho y me gustaría terminar así: un tipo que no escribe más porque se le arruinó el hombro y no porque se le acabaran las ideas”) y sus años en España, país donde conoció a Jairo, quien al aparecer en escena se convirtió en el segundo gran ovacionado de la noche.

A partir de allí, poeta y cantante rememoraron antiguas anécdotas y se dedicaron elogios mutuos. Acompañado por una guitarra, Jairo interpretó algunas de las canciones escritas en conjunto, como Un tipo como yo, Los enamorados y Milagro en el Bar Unión, cada una con comentarios de Salzano acerca de su origen.

Más tarde se sumó a la charla Juan Delfini, el notable ilustrador de su columna “Quiénes y cuándo” (y autor de las portadas de esta nueva colección), y el periodista Elbio Ibarra Pretti, para leer un bello y evocativo retrato de Salzano sobre su padre.

Con tantas anécdotas, recuerdos de la Córdoba de antaño y la picardía típicamente local, la presentación de esta “Biblioteca Salzano” podría haber durado varias horas más. Y de alguna manera sigue, aunque ya en las páginas y no sobre el escenario.

Algunos testimonios
Ariel Mesquida: “Es un fenómeno, lo leo desde hace mucho tiempo. Me apasiona lo que escribe sobre Córdoba y el cine”.
Rosa Páez: “Me encanta, no me pierdo sus artículos en el diario. Voy a comprar sus libros, porque es bien cordobés”.
Daniel Ponti: “Su forma de escribir es única, me recuerda a Hemingway”.
Silvia Monesterolo: “Lo he seguido toda la vida, tanto en La Voz como afuera”.

Biblioteca Salzano
La colección es publicada en sucesivas entregas por Ediciones Recovecos junto con el diario. Consta de cuatro libros, cada uno sobre una temática diferente: el deporte, el arte, Córdoba y el mundo. Cada tomo podrá adquirirse todos los sábados de junio con el cupón que trae La Voz del Interior más $ 39,90. La primera entrega, que llega este sábado, trae además de regalo una caja contenedora para guardar los cuatro libros. Todos aquellos que se suscriban al Club La Voz podrán obtener la colección de forma gratuita (para conocer este y otros beneficios con más detalle, se puede ingresar a: www.clublavoz.com.ar).

Del hielo a la ciudad

Thu, 06 Jun 2013 12:00:11 GMT

Desde el año 1976, cuando la escribió y dirigió Jorge Maestro, Clementina la pingüina es una obra clásica dentro del repertorio del teatro infantil argentino, representada por actores porteños como Rita Terranova, Carlos Calvo o Raúl Rizzo. En la década de 1980 llegó por primera vez a Córdoba, con figuras que recién empezaban como Chichilo Viale o Susana Espeche.

Alejandro Vanegas Group se propuso hace tiempo atrás recrear esta pieza y para ello tomó contacto con su creador. Jorge Maestro, autor entre otros éxitos de series como La banda del Golden Rocket o Por amor a vos, que se mostró complacido por la propuesta y puso el libreto original "a disposición" del grupo, según cuenta Juan Abraham, productor y uno de los actores de la obra.

Finalmente, el resultado podrá verse el sábado y domingo próximos cuando, a partir de las 16, se estrene en la sala menor de Ciudad de las Artes Clementina la pingüina, la historia de un señorita que decide abandonar el frío sureño para conocer la ciudad, que se topa con muchos buenos animalitos en su camino, pero que no concuerda en general con los valores y costumbres que descubre en su excursión.

Para la ocasión, Maestro llegará especialmente desde Buenos Aires y estará presente en la función.

Esta producción lleva música original de Martín Márquez (respetando las letras originales) y tiene a Vilma Moreno en el vestuario. Los actores en el elenco son Belén La Licata, Alejandro y Leonardo Corab, Juan Carlos Abraham, Triny Araujo, Jeremías de Filippo y Sebastián Salomón. Está recomendada para niños de entre 4 y 12 años.

Sobre algunas cosas

"La decisión casi fue instantánea por parte de Alejandro Vanegas, cuando mencionamos algunos títulos teatrales para poner en escena este año", cuenta Juan Carlos Abraham, coproductor de la obra. "Fue muy emotivo viajar personalmente a Buenos Aires y que el propio Jorge me entregara uno de sus libros de la edición original de 1970", agrega.

"Entiendo que la profundidad que desarrolla cada uno de los personajes es lo que le ha dado tanta vigencia a esta obra, máxime teniendo en cuenta el momento histórico en el que fue escrita (durante el gobierno militar argentino)", amplía.

"Particularmente, hay escenas muy conmovedoras -considera Abraham-, cuando se habla del sentido de la libertad, los diálogos que esta inocente Clementina tiene con cada unos de sus nuevos amigos de la ciudad, entre ellos un lobo marino sumergido en su mundo de fantasía y locura inocente, creyendo que maneja los destinos de un barco, o un lustrabotas bohemio que apuesta a rescatar siempre el valor de la palabra, pero siempre manejando un discurso muy claro de sentimientos profundos y apelando a la libertad del hombre en todo momento durante la obra".

"Hay un mensaje contundente para que pensemos en qué clase de lugar queremos vivir y de qué manera. Es por eso que las obras seguramente perduran con los años y son lo que son", concluye Juan Carlos.

Para ver
Clementina la pingüina. De Jorge maestro. Por Alejandro Vanegas Group. Sábado y domingo a las 16, en Ciudad de las Artes (Concepción Arenal y Ricchieri). Entradas $ 45. En boletería del teatro y Autoentrada. Recomendada para niños de 4 a 12 años.

Una ciudad de buen humor

Thu, 06 Jun 2013 03:05:19 GMT

Los chistes en la Plaza San Martín son un clásico del Festival Pensar con Humor. Y como no podía ser de otra manera, también ayer, en la jornada inaugural, se vivió con entusiasmo el segmento de "Humor al Paso". El público que paseaba por el Centro acompañó a los que tenían algo gracioso para compartir y ninguna inhibición para tomar el micrófono.

A la noche, el plato fuerte del día en la ciudad de Córdoba se vivió en el Teatro Real, a partir de las 21, con una verdadera selección de humoristas. Más de 600 personas agotaron las ubicaciones y obligaron incluso a agregar algunas sillas para vivir a pleno la primera velada temática, llamada "Humor de cuentistas".

Con Jorge Lewit como maestro de ceremonias, abrió la ronda Jorge Tisera, quien se despachó con una ráfaga de chistes cortos que festejó la platea a pura risa, para presentar luego a su padre, Modesto Tisera, a quien elogió por sus 70 años de carrera y sus 83 años de buen humor y vocación para seguir subiéndose a los escenarios.

La noche prometía más carcajadas con un programa que tenía en cartel a Julio Vaca Chicharrón, Chango Juárez, Flaco Peña, Víctor Quinteros, el Coto, Cherca Prieto y el propio Lewit. Sonrisas garantizadas.

Programación del jueves
Cacho Buenaventura. Jueves a las 14, en la Plaza de San Pedro Norte.
Adrián Gómez, a las 21, en el Teatro Real, con “Humor 10x10”. Entrada, $10.
Los Pelafustanes, a las 21 en el Pabellón Argentina. Entrada, $10.
Doña Jovita Unplugged. El espectáculo de improvisación de José Luis Serrano se presenta el sábado a las 21 en Ciudad de las Artes. Entrada: $ 10. ATP.

"Macho": ¿qué es ser un hombre?

Thu, 06 Jun 2013 03:01:10 GMT

"¿Qué es ser un hombre?". Este es el interrogante motivador de las muchas respuestas que se suceden y superponen en la voz en off inauguradora de la escena. Contra la pared reposan los actores, a un costado el músico que sonoriza toda la puesta comienza a marcar el pulso de una criatura que se presume voraz e inquieta. Las palabras no alcanzan para determinar el sentido de un concepto en permanente redefinición y fuga, entonces los cuerpos entran en movimiento e invaden el escenario en actitud de lucha, mostrando que detrás del significante "hombre" hay muchos significados en pugna.

Así se inicia una danza competitiva que hipnotiza al espectador por la potencia visual inherente a la repetición. Mientras algunos actores encaran el baile, otros atentan desde las bambalinas contra la consumación de la coreografía. Los cuerpos entran y salen de escena y los movimientos se reiteran generando una poética por momentos violenta, de a ratos más conciliatoria, pero siempre ilustrativa de las pujas entre los distintos estereotipos de hombre. El público asiste a una especie de ritual territorial, donde todos pelean por el lugar de macho alfa, usando como arma el repertorio corporal de la danza contemporánea.

Macho es un espécimen bien logrado de teatro danzado que se precia de trazar una dramaturgia sanguínea, configurada sobre el hacer de cuerpos portadores de fuerza estética y significancia dramática. La pieza deconstruye el género masculino, hace uso de la danza clásica para llevar a escena al hombre-femenino, recorre los diferentes cauces del deseo, y habla a través de imágenes potentes (varón en tacones y slip) de la dificultad de muchos para erigirse como sujetos. Todas estas líneas se ensamblan en una organización dancística, con quiebres bien marcados por el acompañamiento musical de Agustín Albrieu.

En constante conexión con los actores, el músico sonoriza cada una de las escenas alternado bases electrónicas, teclados, voz y guitarra. Composiciones musicales originales y gestos viscerales se fusionan dando lugar a una explosión de testosterona que cautiva, interpela y cuestiona. Cuando la obra llega al climax no se priva de eyacular y lo hace recurriendo a una efectiva metáfora que abre la puerta a la dimensión sexual. La idea de cuerpo devenido en mercancía se transmite por la escenificación cruda pero nunca tosca de la sexualidad. Los actores logran expresar la energía genital y poetizar lo carnal sin despojarlo de verdad. El resultado final es una respuesta viril y polifónica a aquel interrogante inicial.

Macho
Dirección: Nicolás Dellarole. Con: Emiliano D' Agostino Duarte, Valentín Rodríguez, Lucas Guillén, Nehuén Zogbe, Robert Delgado, y Eugenio Bollinguer. Composición y música en escena: Agustín Albrieu. Jueves a las 20. Jueves de junio, doble función, a las 20 y 21. En La Casona Municipal (General paz y La Rioja). Entradas $ 50. Reservas: 156-458549.

Adolfo Nigro: Soy un instrumento de la experiencia

Wed, 05 Jun 2013 12:00:01 GMT

Adolfo Nigro es el nombre del artista homenajeado esta vez por el Centro Cultural España Córdoba (Entre Ríos), cuyas salas presentan mañana a las 19 "Suite Armação", una muestra de objetos y collages de mediados de los noventa que se relacionan, como toda su obra, con la huella que deja un lugar en su memoria. "El verano es siempre interesante para empezar un núcleo temático", observa el artista en diálogo con VOS.

Toda su vida está anclada a un momento, pequeñas cosas o actos: comprar pescado, tomar apuntes, dibujar ("estudiar el lugar"), detenerse en una latita del suelo, y hasta en una red de pescador. Todo eso que trasladará al taller, donde "uno intuye que al llegar allí se convertirá en algo". Nigro reconoce inmediatamente una referencia literaria: Ernest Hemingway: "él decía que siempre había que partir de un lugar". Años y años en tantas ciudades diferentes, y de repente Córdoba.

Dice que su madre fue el origen de su trabajo después de estudiar a Van Gogh, Cézanne, Durero, ahí justo "cuando empezás a ver quién sos". Ella nació en un pueblito en la zona de Bell Ville, Laboulaye, lo más cercano a su infancia en los campos de Santa Fe donde creció (Nigro nació en Rosario). De la familia materna le viene su nomadismo. Su obra imprime cada lugar vivido, tiempo después de haber estado allí. Por eso dice: "Pinto lo que ya pasó". A Córdoba trae, por ejemplo, el devenir de unos cuantos veranos en la década de 1980: la playa de Brasil llega en objetos y collages en Suite Armação. Pero será imposible que frenar la charla de Nigro allí, porque todo su hacer encuentra conexión en otros puntos del mapa y su vida: Rosario, Montevideo, Barcelona, Ciudad de México, Guadalajara, Armação y Arantes en Brasil, también París, Venecia. A su taller en Buenos Aires llegan todas las bolsas conteniendo futuros nidos de obra: cositas, papeles artesanales (para hacer Homenaje a los zapatistas), o restos de papelitos (Girones), maderitas, pedacitos de algo.

"Yo encuentro al objeto", responde Nigro cuando se le pregunta por el nacimiento de sus obras.

-¿Cómo nace la obra a partir de ese momento?
-Recibo del objeto el contenido de la obra, soy un instrumento de la experiencia, el objeto me lleva, yo no decido nada.

Pero sí hay un modo, que toma de Paul Eluard: "Desplazar las cualidades de un objeto a otro, sin metáfora, como en ‘la tierra de azul como una naranja'".

Nigro espera lo que sea, ver qué pasa con cada objeto recolectado. Va y viene con su mate cocido por los 30 metros de su taller ("la acumulación y el barroquismo caracterizan mi obra, pongo más y más"). En tanto, puede suceder que también haya puesto algo a cocinar. "Pintar es como hablar", dice (durante la entrevista no ha dejado de cocinar "un pollito" y el sonido de la fritura llega por el cable del teléfono). "Pintar no es una disciplina especial, no somos especiales, somos trabajadores, artesanos", afirma el artista que también fue operario en una fábrica.

En 1966, cuando vivía en Montevideo, la idea colectivista de Joaquín Torres García lo nutrió cuando estudiaba con José Gurvich, que era su discípulo: "Él hablaba de pasar a la producción artesanal con calidad plástica, el arte en todas partes, en los cacharros de las ferias, hacer arte con lo que sea, a partir de ahí no hay límites". Hoy perfora papeles ("dibujo con tijeras") una línea de trabajo que le viene, dice, de Juan L. Ortiz, "de aire en aire, que son las perforaciones, cortes geométricos que de pronto son caracoles, estrellas".

"Suite Armação". El jueves a las 19 inaugura una exposición homenaje al artista Adolfo Nigro (Rosario, 1942), en el Centro Cultural España Córdoba (Entre Ríos 40). El sábado a las 17, dará el taller "Cortar y pegar", para niños. El mismo día, a las 19.30, dialogará con la curadora Romina Castiñeira, Daniela Bobbio y Andrea Porello.