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Cultura en VOS 19-05

Sat, 26 May 2012 03:00:31 GMT

Entrevista al escritor Norman Manea, una charla con Perla Suez, reseñas de lo nuevo de Bernhard Schlink, la autobiografía de Moria Casán y más.

MeMoria: un objeto irresistible

Sat, 26 May 2012 03:00:10 GMT

¿El libro de Moria Casán es una estafa? Habría que pensarlo como un acto performático más brillante que cualquier obra de Marta Minujín. La escritura de Moria enciende un imaginario televisivo que en lugar de corromper al texto, lo arroja a otro nivel.

¿Quién leería a Thomas Pynchon reproduciendo su voz? Al transitar las páginas de Moria, la musicalidad de su habla es inevitable. Ciertas exclamaciones desprenden una gesticulación familiar. Cada palabra te penetra con ojos delineados. Una oración te increpa alzando los brazos, sacudiendo las tetas.

MeMoria tiene como valor agregado la omnipresencia audiovisual de su autora. Pero aquí no se agota la magia. El libro va transformándose en un show narcisista redactado con curiosa prolijidad. Moria reinventa episodios de su vida pero el contenido no importa: el lujo está en los detalles, el glamour, la actitud, la purpurina. Su infancia es insulsa hasta que revela cómo su abuelo la abusaba y ella le seguía el juego. Su trayectoria teatral se ilumina cuando aclara que si no llegaban sobrecitos de cocaína se cancelaba la función. Su hija Sofía tampoco tendría interés, de no confesar antes que abortó hasta perder la cuenta.

Este desubique no es el corazón del libro; Moria ofende la moral como si algún daño neurológico le impidiera tener filtros. No hay provocación premeditada ni estrategia del escándalo; todo es espontáneo y la lectura termina haciéndose sinuosa, indiferente, frívola y gloriosamente impredecible.

Si esta superficialidad despierta el asco del erudito, MeMoria también podría estudiarse desde la psiquiatría. En cualquier autobiografía hay una construcción delirante del yo. En este caso, Moria no deja de autoproclamarse como la mujer más segura del universo, pero al profundizar en sus relaciones sentimentales, delata a una sadomasoquista que busca continuamente ser humillada.

Inestable, ansiosa, lúcida, prepotente, en el auge del libro jura conocer a fondo la obra de Nietzsche y Schopenhauer... Imposible saber si es cierto; en televisión Moria no predica el nihilismo. Será por estas simpáticas estafas que su libro es un objeto irresistible, muy lejano al capricho de vedette.

MeMoria, mi autobiografía
Moria Casán
Editorial Planeta
214 páginas
$ 85

Extraño en todas partes

Sat, 26 May 2012 03:00:03 GMT

La vida de Norman Manea (Bucovina, Rumania, 1936) atraviesa algunas de las grandes epopeyas históricas del siglo que pasó, principalmente en su temprana experiencia del exilio en épocas del nazismo (tenía sólo cinco años cuando fue deportado junto a su familia judía a un campo de concentración en Ucrania), y el padecimiento del comunismo posterior tras el regreso a su país. Poco antes de la caída del dictador Ceaușescu, a fines de los ‘80, Norman Manea emprendió su segundo exilio, esta vez en Nueva York, donde comenzó a labrar una prestigiosa carrera literaria que lo ha hecho rondar varias veces entre los candidatos al Nobel.

De esa migración y nomadismo laberíntico y las posteriores reflexiones suscitadas se explaya Manea en El regreso del húligan (2003), novela-ensayo densa y maravillosa que devela las conexiones profundas entre la experiencia apátrida y la literatura. Allí el escritor también recrea las distintas épocas de su odiséica biografía: su primer y casi irrecordable exilio, la militancia juvenil en el comunismo, la decepción ulterior y su dedicación a la ingeniería, la iniciación literaria y el afortunado permiso para viajar a Occidente, más la actual residencia en Estados Unidos que el escritor asume como un nuevo comienzo, una segunda vida regalada.

Invitado a la última Feria del Libro de Buenos Aires en el contexto de la presentación de su último libro La guarida (un thriller conspirativo entre académicos en Nueva York, donde súbitamente acechan los fantasmas de la vieja Europa), Manea se dispuso a conversar acerca de estos y otros tópicos con la misma postura distendida, sentado en el sillón del hotel donde se hospedaba y sustituyendo su icónico gesto serio por una sonrisa pícara e inteligente.

“El mundo te define antes que vos lo hagas”, comienza diciendo el escritor, dando a entender que su defensa de la extraterritorialidad llega después de un largo proceso, motivado más por el choque con la comunidad de turno que por una caprichosa decisión personal. “Thomas Mann dijo que el escritor siempre es un sospechoso –continúa-. La escritura es la mayor expresión de libertad, implica una independencia de conocimientos que no le agrada a las personas en general, ya sea la familia, la nación, el partido y así sucesivamente. En mi opinión, cuando el artista encuentra su voz se separa de esa masa común de pensamiento. Lo podés llamar extranjero, extraño, sospechoso, y en algunas situaciones extremas hasta se lo puede llamar un húligan. Emil Cioran, también rumano, habló del honor de no ser tenido en cuenta”.

-¿Qué implica, en definitiva, ser un “húligan”?
-Hay dos puntos de vista sobre el término. Uno lo marcó Mircea Eliade, quien desafortunadamente alabó al húligan en línea con un movimiento de extrema derecha religioso de entonces, la Guardia de Hierro. Según su criterio, el húligan era un rebelde en la sociedad burguesa y un mártir de la causa nacional, fascinado por el sentido de la colectividad. Un escritor judío, en cambio, amigo de Mircea Eliade y muy cercano a mí, Mihail Sebastian, escribió un ensayo chiquito, brillante, llamado ¿Cómo me convertí en un húligan?, donde describe al húligan como un escritor solitario, nunca partisano y siempre extranjero.

-¿Piensa que la literatura, en ese caso, es el único refugio posible?
-No el único. Todos tenemos la capacidad de encontrar nuestro refugio. Algunas personas son religiosas, a otras les gusta el baseball (risas), otras son fanáticas del tango. Para el lector, y a veces para muchos escritores que siguen siendo lectores, como yo, el libro es un refugio, la lengua es un refugio, uno espiritual, obviamente, a partir del cual nos apartamos del caos de la vida diaria. Escribí un artículo diciendo que cuando me fui de Rumania no me llevé nada, porque no me dejaban, me fui con un bolsito chiquito de mano pero me llevé la lengua conmigo, como un caracol se lleva su casa. Ya estando en Rumania consideraba mi idioma como mi único hogar y mi única patria. Cuando hablamos de argentinos, rumanos, rusos, judíos, cristianos, musulmanes, hablamos de una reducción, una simplificación, una multitud de individuos. La literatura, por contraste, está focalizada en el individuo.

Lugares de paso
Tanto en El regreso del húligan como en La guarida, Manea deja entrever la bendición que le procuraron los Estados Unidos al prestarle asilo fuera de Rumania, pero también insinúa una visión ligeramente irónica sobre el país de los “números y las estadísticas”. ¿Qué piensa Manea sobre su actual lugar de residencia? “No soy sólo irónico con los estadounidenses, sino también con los rumanos, los judíos, con todo el mundo (risas)”, responde. Y sigue: “Lo que a mí me gusta de los Estados Unidos es su incoherencia. Es una sociedad muy móvil y dinámica, con muchos contrastes y contradicciones. Tratar de encontrar una especificidad, una esencia que defina al país, puede llevarte a hallar su opuesto. Es también una sociedad rígida, cerrada, cualidad que para mí fue fascinante de descubrir pero no tanto de soportar”.

Manea también tiene cosas para decir sobre Rumania, país al que volvió dos veces entre su exilio y el presente, y cuya primera visita recrea en El regreso del húligan. “La primera vez que volví fue después de 11 años de haberme ido, me sentí un turista de mi posteridad. Estaba en un lugar al que conocía pero ya no pertenecía ahí, era una situación extraña. Encontré que el lugar era una combinación shockeante, terrible, lleno del contraste de las ruinas del comunismo y de todas estas publicidades americanas baratas y vulgares. La atmósfera y el idioma habían cambiado, se habían corrompido. Me sentí desilusionado y solitario, me negué a aparecer en público, declaré que sólo había ido a ver amigos y a algunos conocidos enfermos”.

Y sigue: “Volví nuevamente a Rumania después de otros 11 años. El país ya estaba en una mejor situación, formaba parte de la Unión Europea, lo que influyó de forma positiva. El idioma de la prensa y de lo público fueron forzados a ser más pensados, con el fin de reflexionar sobre la historia y los errores cometidos. Los rumanos son personas hedonistas, muy adaptables, se ajustan rápido a las circunstancias. Hay una frase en rumano que dice ‘tenemos poesía, no tenemos frases’. Eso te da una idea del sentimiento preponderante”.

-Pasando a lo literario, tanto su novela “La guarida” como “El sobre negro” acusan un argumento deudor del thriller o el policial, ¿por qué remite al género?
-Porque temo que mi lado analítico se convierta en un lado aburrido. Necesito un impulso más vital para la acción. Siempre he soñado con escribir un libro sin acción, pero tengo miedo de hacerlo. En estas dos novelas, también se puede reconocer una influencia argentina. En El sobre negro hago referencias a Sábato, y en La guarida a Borges, cita que desencadena un thriller falso. Y que más tarde desemboca en una farsa, porque yo vivo en Estados Unidos, donde todo en mayor o menor medida desemboca en farsa. Allí el lado burlesco de la vida es tan sorprendente como en mi país ex comunista, aunque son dos mundos bien distintos.

-Sus narraciones a la vez ostentan elipsis y la ausencia de resolución. ¿Por qué ese registro?
-En vías de escapar de esta pregunta (risas), te diría que mucho de mi estilo pertenece a la literatura centroeuropea, a escritores como Kafka, Musil, Bruno Schulz, Gombrowicz y otros.

-¿Cómo ve el presente?
Vivimos en tiempos muy interesantes, en tiempos conflictivos también, y quizás hasta peligrosos. El colapso del comunismo significó la caída de una sociedad totalitaria y sangrienta, pero también el fracaso de un proyecto utópico de felicidad. Y hoy la tiranía y el pragmatismo siguen buscando un significado que la humanidad nunca encontró. La historia del ser humano continúa, no sé cuánto tiempo me quedará para contemplarla, pero para vos y tu generación te puedo asegurar que vas a vivir un tiempo de muy grandes aventuras.

Perfil
Norman Manea nació en Rumania en 1936, en el seno de una familia judía. Sufrió dos veces el exilio: a los cinco años fue deportado a un campo de concentración ucraniano bajo la égida del nazismo, y a fines de la década de 1980 se exilió en Berlín y después en Estados Unidos, escapando del comunismo. Tal experiencia quedó reflejada en su obra, de la que destacan la novela El retorno del húligan, el ensayo Payasos o los cuentos de El té de Proust.

Son todas mentiras

Sat, 26 May 2012 03:00:02 GMT

La intensa atracción entre Susan y Richard parecía, en "Temporada baja", encaminada; pero sus respectivos trabajos en ciudades distintas muestran el autoengaño que Richard alimentaba. Una reiteración casi maniática de embustes termina por hacer añicos a una pareja: "La noche en Baden-Baden" refleja esa debacle. Correlativamente, la mentira que sostiene el status quo de otra pareja se halla tematizada en "La casa en el bosque". Una modalidad de la mentira, la patraña, atraviesa con sus disonantes episodios a "Un extraño en la noche". La reconciliación que busca un hijo con su padre naufraga mientras escuchan conciertos en "Johann Sebastian Bach en Rügen". El personaje de "Último verano" sufre una enfermedad incurable y evita revelarla a su familia: esa actitud potencia hasta el desgarramiento la inicial omisión. Finalmente, en "El viaje al Sur" una anciana retira las capas de olvido con las que sepultó durante décadas la oportunidad de una vida distinta.

Los siete cuentos brevemente descriptos pertenecen a Mentiras de verano, el último libro del escritor alemán Bernhard Schlink (Bielefeld, 1944), autor, además, de relevantes obras indisociables de momentos históricos y políticos de su país: El lector (en 2008 fue llevada al cine por Stephen Daldry, con la actuación de Kate Winslet), Amores en fuga, El fin de semana, El regreso, remiten a circunstancias cruciales más o menos recientes.

Una estación del año, el verano, y una conducta (verbal y fáctica), la mentira, empujan diversos vaivenes para estas historias forjadas por Schlink. Excediendo el vasto campo conceptual de la mentira como opuesta a la verdad, ambos registros, complementarios y a la vez antagónicos, se abren de modo simultáneo a lo literario y, más exactamente, a estos cuentos de Schlink.

Sin embargo, la mentira enuncia una segunda fase con sus zonas específicas de irrupción y permanencia. Esas zonas atañen al verano, a sus equívocos y titubeos ramificados casi sigilosamente, a sus rupturas y contrasentidos, a sus vicisitudes sentimentales, a experiencias desoladoras que se ocultan.

¿Qué subyace, entonces, al acto de soslayar la verdad? En sus relatos, Schlink responde de maneras diferentes. Vuelos internacionales, playas, ámbitos rurales aislados, suelen ser los espacios donde la verdad ve afectada su correspondencia con la realidad. Paralelamente, si la verdad nunca termina de ser establecida es porque la mentira acecha o corroe esa posibilidad. Que ésta sea una acción de la mentira, no por ello la separa, al menos definitivamente, de la verdad.

Para este tratamiento narrativo, Schlink elabora una prosa sin estridencias, que nivela la construcción de frases hechas de medios tonos siempre apegados a la levedad, a una discreción que no se confunde con el pudor pues lo coloca en un plano similar al suyo. Un camino, en síntesis, donde la falsedad o la impostura hablan en nombre de sí mismas, despojadas de mensajes moralizadores.

Mentiras de verano
Bernhard Schlink
Editorial Anagrama
252 páginas
$ 85

Escribir en sueños muy profundos

Sat, 26 May 2012 03:00:02 GMT

La espera por la inminente publicación de Humo rojo, la nueva novela de Perla Suez que será publicada por Edhasa en agosto, no es justamente tranquila para la autora de La trilogía de Entre Ríos. Va y viene con los preparativos de la presentación (2 de agosto en Cocina de Culturas), mientras escribe una nueva obra o responde entrevistas o viaja para presentar alguna nueva traducción de sus obras como lo que ocurrió este año con La pasajera, en Francia, o con la propia Trilogía... en Turquía.

-¿Recordás cuándo fue la primera vez que te sentiste “una escritora”?

-Es difícil saber cuándo sentí eso, quizá fue cuando publiqué mi primer libro o quizá fue cuando necesité contar una historia. En realidad lo que siento es que me falta recorrer un largo camino; nunca se termina de ser un escritor y eso es lo interesante del oficio. Quizá puedo más o menos decir cuando tuve la necesidad de escribir. Creo que eso tuvo que ver con la lectura, con la posibilidad de devorar historias desde la infancia.

-¿Soñás con los personajes de tus libros?

-No recuerdo soñar habitualmente con mis personajes, pero más de una vez me sobresalté a medianoche pensando en que me estaba pasando a mí lo que le ocurría a uno de los personajes de la historia que estaba escribiendo. En todo caso, siempre estoy metida en un sueño profundo cuando trabajo.

-¿Cuál es el personaje con el que más conexión sentiste?

Siempre me ocurre lo mismo, la conexión con el personaje que más siento tiene que ver con la historia que estoy escribiendo. Acabo de desconectarme de Oskar, uno de los personajes principales de Humo rojo y me metí ahora en el personaje de una niña de catorce años que es la protagonista de la novela que estoy escribiendo. Ya estoy en otra cosa.

-¿Escuchás música mientras escribís?

-A veces, sí. En general música instrumental, me gusta mucho Philip Glass. Ahora estoy escuchando Neil Young que hizo la música de Hombre muerto, de Jim Jarmusch, porque me da placer y ayuda a meterme en el desierto patagónico que quiero explorar.

-¿De qué se trata “Humo rojo”, tu nueva novela?

Es una historia entre hermanos, dura y contradictoria, ambientada en la zona de El Impenetrable, que se entrecruza con otras historias, como por ejemplo la de Laurentino, un indio toba. Quizá por eso durante la escritura de Humo rojo, tener a Eisejuaz de Sara Gallardo en mi escritorio me haya dado seguridad. Pero para conocer la historia vas a tener que leerla.

-En general tus novelas no ocurren en Córdoba... ¿Por qué?

-¿Por qué tienen que ocurrir en Córdoba? Pienso en los escritores que admiro, como Antonio Di Benedetto, por nombrar uno de los grandes, que es mendocino y escribió Zama o los cuentos fantásticos o el maravilloso Aballay. Cuando escribí Trilogía de Entre Rios fui muy fiel a mi infancia. Con Humo rojo y con la novela que estoy escribiendo que transcurre en la Patagonia, hoy exploro otros territorios. Eso no quiere decir que una historia mía no pueda transcurrir en Córdoba. Tengo en prensa en Editorial Comunicarte un libro álbum que se llama El hombrecito de polvo y está ambientado en la Quebrada del Condorito.

Perfil
Perla Suez es una de las escritoras cordobesas más premiadas del campo contemporáneo. Fue fundadora del Cedilij, y es autora de las novelas para niños y jóvenes Dimitri en la tormenta, Memorias de Vladimir, Un golpe de buena suerte, El viaje de un cuis muy gris y Tres pajaritos, entre otras. Fue finalista del Rómulo Gallegos con Letargo, que junto a Arresto y Complot forman la Trilogía de Entre Ríos, traducida al italiano, al inglés y al turco. En 2007 ganó la Beca Guggenheim de literatura para escribir La pasajera.

Desde el más allá

Sat, 26 May 2012 03:00:01 GMT

Una investigación policial que avanza por las recurrentes apariciones del espíritu de una de las víctimas. Así puede resumirse Cuando pase tu ira, la curiosa novela negra que con gran dominio de los materiales narrativos ha escrito la sueca Asa Larsson, y que es la cuarta entrega de la saga protagonizada por la abogada Rebecka Martinsson (ahora fiscal de distrito) y Anna-Maria Mella, la inspectora-jefa de la policía regional.

El juego queda planteado con absoluta claridad en la primera línea de la novela: "Recuerdo cómo morimos. Lo recuerdo y lo sé. Es así". Quien habla es Wilma, de 17 años, asesinada junto a su novio, Simon, de 19, para mantener oculto un secreto familiar infamante.

La acción, como en las novelas anteriores, transcurre en la supuestamente tranquila Kiruna, una localidad minera de Suecia ubicada a tan sólo 200 kilómetros del círculo polar. Bosques, grandes y prolongadas nevadas, inviernos interminables, lagos que se congelan, pocos habitantes, imposible no saber quién es quién, cortos veranos con sol pleno a medianoche. El paraíso y el infierno en la misma postal.

Como otros autores suecos de novela negra (entre otros, Stieg Larsson, que no era su pariente, Johan Theorin y Henning Mankell), a ella también le interesa representar la cara oculta de esa Suecia progresista, pacífica y armónica que el imaginario cultural supo producir vaya uno a saber cómo y por qué.

De hecho, esta novela derriba un mito del siglo XX que la pequeña Larsson aprendió como sacrosanta verdad en la escuela al estudiar la historia nacional: es mentira que Suecia haya sido neutral en la Segunda Guerra Mundial. Hizo sus buenos negocios permitiendo el abastecimiento, transporte y acantonamiento de las fuerzas nazis.

Supongamos que en medio de esas actividades cae un avión en el medio de un lago. Supongamos que 60 años después un par de jóvenes que practican buceo se ponen a buscarlo como si se tratara de un preciado tesoro. Supongamos que algunos pobladores de Kiruna que se enriquecieron por aquel negocio con los nazis, todavía están vivos y no les hace ninguna gracia pensar que dos chiquillos inquietos podrían desenterrar aquel pasado. Pues bien, esos son los hilos que cruza Cuando pase tu ira, donde Larsson reafirma su obsesión por narrar la muerte violenta, el peso directo e indirecto de lo religioso sobre víctimas y victimarios, y el impacto que el trabajo policial y jurídico tiene sobre Rebecka y Anna-Maria.

Cuando pase tu ira
Asa Larsson
Seix Barral
368 páginas
$ 129

La modernidad crea sus monstruos

Fri, 25 May 2012 03:00:02 GMT

En medio del escenario, que se parece a un escenario en construcción, pende un saco del que cae arena. Mientras el montículo crece en el suelo, voces, ruidos y sonidos de cuernos inundan la sala a media luz. Así plantea el director Raúl Iaiza En surco ajeno, su versión de las obras de Sófocles en torno a la tragedia de Edipo. Para Iaiza, ésa es la imagen del Hades de la mitología griega. La estética, los estímulos y movimientos rodean al espectador que debe seguir los parlamentos por la sala del Teatro Real donde se han aprovechado los palcos y pasillos. Edmée Arán entra solemne bajo los harapos de la Pitonisa. El blanco de sus predicciones ha sido Edipo, personaje totémico que interpreta Giovanni Quiroga travestido, extraño entre los suyos. "Llegó, llegó", avisa Ismene (Gabriela Grosso). La estirpe va mostrando sus miserias, mezclando tiempos y muertes. Tiresias (Alvin Astorga) y la Pitonisa también son puestos en duda por la parcialidad con que decretaron destinos insalvables.

Es a partir de esta perspectiva donde entra la modernidad de autores como Dürrenmatt, rebelde frente a los designios de los dioses. Ahí radica la marca de Iaiza y, también, las dificultades para hablar de tragedia con elementos y lenguajes del grotesco, la ironía o el comentario que precipita toda relación sublime a la arena del chisme de barrio. En surco ajeno es un espectáculo irrespetuoso, dinámico, con la Comedia Cordobesa a pleno, burlándose del estilo interpretativo que remite a los textos madre de la teatralidad occidental.

La musicalidad de la obra responde a un planteo sinfónico, con la estilización del coro griego que distiende los diálogos con bellas canciones no convencionales. Por otro lado, la búsqueda de los prototipos a través de la indagación física, ofrece un camino interesante al elenco oficial.

"¿Qué está pasando en esta casa?" dice Yocasta, desafiante Adriana Quevedo de traje y corbata, protagonista de la riña matrimonial de la que la esposa y madre de Edipo sale muy mal parada. El cambio de registro, de lo coloquial, a las palabras que han sobrevivido a los siglos, descoloca al espectador. Quizás resulte compleja la parodia para aquellos que no conocen los datos de ese confuso árbol genealógico que estalla en escena, con la Comedia Cordobesa moviéndose por el andamio en escena, ofreciendo la energía de unos personajes que se han quedado sin mundo y sentido.

"Es tiempo de arreglar las cosas en este lugar", advierte Creonte, (Raúl Sánchez) desde el palco oficial, frente al escenario. Poco después, Layo (Luis Torres) con tono superado, cuenta las posibles razones por las que cree que Tiresias se confabuló contra él. Iaiza desmonta el oráculo, que se convierte en un burdo y lamentable tráfico de influencias.

Ronda el operativo con que el director desacraliza el texto base, el ambiente existencial contemporáneo. Edipo se lamenta doliente, el único que no se permite ironías: "Debe ser terrible tener clarividencia. Veo pero no comprendo". Mientras tanto, todo muta. La señal está en los trajes y el cambio de vestuario de esa multitud de personajes.

"No terminamos de morir nunca. Pobrecita la verdad, inescrutable como los hombres que la van creando", señala Tiresias. Ya ha pedido Eurídice, la esposa de Creonte (Silvia Pastorino): "Dejemos en paz a la verdad". En la obra, Antígona vuelve a enfrentar a Creonte; todos cuentan sus historias, motivos y resentimiento, como en la rueda incesante del destino.

Bajo la luz cegadora, el espectador puede sumarse, o no, a la experiencia de entrar a la tragedia por la puerta de atrás. Los procedimientos escénicos, los siglos de lectura, el desencanto con respecto a lo sagrado, ofrece una versión en la que los dioses se ausentaron sin aviso.

La noche del estreno, el miércoles, Carlos Piñero informó al público antes de la función que el equipo del Teatro Estable de Títeres que él dirige, que tiene en cartelera La hora del queso, no había cobrado todavía por el trabajo estrenado en 2011.

En surco ajeno
Dramaturgia, escenografía, arreglos musicales y dirección general: Raúl Iaiza. Actúa la Comedia Cordobesa. Elaboración de imágenes y fotografía: Yvonne Diehl. Diseño de luces: Charly García y Raúl Iaiza. Proyecciones: Charly García y Tata Sánchez. Sábado y domingo a las 21 en la sala Carlos Giménez del Teatro Real. Entrada: $ 20.

La música de los sueños

Thu, 24 May 2012 03:06:01 GMT

La experimentación escénica no siempre va unida a un vínculo comunicativo con el público. El laboratorio suele derivar en obras crípticas o con distintos niveles de desarrollo que dejan al espectador afuera de la experiencia. Por eso resulta tan interesante el abordaje que Julio Bazán y Simón Garita-Onandía, dos integrantes del grupo Episodio 11 (Vaticinio), logran a partir del material que investigan. Ahora participan en una obra concebida por tres bailarinas que convocaron a Julio para el montaje y la dirección. Bazán enseguida llamó a Simón, para el diseño de luces.

"Seguimos trabajando el lenguaje audiovisual en vinculación con el trabajo del actor. La particularidad de Opus nocturno es que el espectador ve la escena de arriba hacia abajo, una vista cenital. Por eso jugamos con la ubicación del público en la sala", dice Bazán.

La obra ofrece al espectador mirar el devenir escénico como si mirara un sub mundo por debajo de sus pies, como quien mira hacia abajo para recordar, en un trabajo que combina danza y teatro.

Las bailarinas Luciana Maltez, Sabrina Lescano y María José Guzmán se vinculan con los objetos, entre ellos, un piano, a partir de la trama del sueño o el recuerdo, que funciona con los procedimientos propios de esos estados.

"Investigamos la imagen proyectada y lo que sugiere. La trama alude a la violencia en la educación. Específicamente, la enseñanza musical. Las actrices, improvisando, llegaron a Chopin y sus nocturnos. Indagaron sobre la temporalidad y tomaron la lógica del sueño. Me llamaron para el montaje y el lenguaje audiovisual. El piano es un objeto de deseo, también objeto ausente. A ese lugar arribamos en la investigación", comenta Bazán.

En líneas generales, Opus nocturno intenta hablar de lo que no se habla: del castigo, el deseo y la represión, la violencia en la educación y el abuso del poder mediante la incitación al miedo. El grupo lo expresa a través de juegos dramáticos, distorsiones y mecanismos del sueño.

"Las tres actrices son parecidas y las camuflamos, con rulos gigantescos, para interpretar un solo personaje desdoblado. El espectáculo es concertado por Episodio 11 y el proyecto La Diáspora (convocatoria Cepia Abierto), de las bailarinas. Si bien éste no es un trabajo de Episodio, sí aparece la misma lógica de construcción y la impronta de Vaticinio", explica Bazán.

La obra Vaticinio fue nominada para el Premio Provincial de Teatro en las categorías: Mejor obra; Mejor diseño de iluminación; Actor Revelación (Julio Bazán) y Mejor Diseño Sonoro, categoría en la que ganó. Opus nocturno plantea el disfrute visual en el trabajo plástico y de fotografía. "Una dificultad es que está pensada para 50 espectadores y la otra, que hay que pensar las posibilidades para transportarla a otros espacios", señala Julio.

Mientras tanto, el equipo de Episodio 11 prepara en el Cepia, Ludovico, una investigación sobre teatro aéreo que piensan estrenar a fin de año.

Opus nocturno
Con Luciana Maltez, Sabrina Lescano, María José Guzmán. Iluminación: Simón Garita Onandía. Dirección: Julio Bazán. Jueves a las 20 en Cepia, Medina Allende s/n, Ciudad Universitaria. Duración: 45 min. Entrada: $30; estudiantes, $25.

Niños desenvueltos

Wed, 23 May 2012 21:44:46 GMT

Podrá elegir el público cordobés adonde ir durante el fin de semana largo que habilita el viernes el feriado del 25 de Mayo. Y entre las múltiples actividades programadas para los más chicos se encuentra la de Cocina de Culturas, un espacio que viene funcionando hace casi un año en barrio Güemes (Julio A. Roca 461) gracias al aporte de la Fundación Electroingeniería, y que dentro de sus numerosas actividades orientadas a todas las edades, presta especial atención a los más pequeños.

Por ejemplo, el pasado fin de semana se desarrolló allí el Encuentro Provincial de Música Infantil, con espectáculos y talleres para chicos y grandes. Y en este fin de semana, a propósito del 25 de Mayo, habrá movimiento en el playón de Cocina.

El viernes, a partir de las 11 y hasta las 14, el playón será un gran escenario para disfrutar. Allí desfilarán los muñecos gigantes que realizaron los niños en uno de los talleres que funcionaron allí. Esas figuras enormes que animaron la apertura del festival Señores Niños al Teatro! se pasearán entre los músicos de Inti Huayra y los integrantes del Gran Ballet Argentino, que actuarán para la ocasión. También habrá chocolate caliente para la concurrencia y pan casero sacado del horno de pan erigido en el Patio Matero de Cocina. Todo, con entrada libre.

Hay que recordar que Cocina se edificó en el espacio donde antes funcionaba un supermercado, en un edificio que que fue reciclado. A partir de ahí, cuenta Susana Guzmán, su directora, Cocina trató de desplegar una política cultural integradora, promoviendo la identificación con los vecinos de Bella Vista y Güemes, y presentado una variada oferta de espectáculos. Por ejemplo, pasaron Olga Román o Tata Cedrón (en un escenario “pegado” a un restaurante con menúes muy módicos), y también artistas independientes, “a los que se acompaña más allá del show, ayudándolos a promocionar sus trabajos, realizando videos, reproduciendo sus canciones en el lugar, o participando de sus producciones”.

“Respecto a la identificación con el barrio, realizamos una encuesta entre los vecinos preguntándoles qué esperaban de este centro, y estamos tratando de satisfacer esos resultados”, redondea Susana.

Primero, los chicos
Otras actividades específicas para niños son: el taller de teatro integral para niños Tutti Frutti y las obras teatrales que regularmente se presentan para ellos todos los fines de semana (en junio se renovará la cartelera con: Un mar de dudas, del grupo Chocolate con churros, y Sobre llovido mojado, del mismo colectivo). Además, desde el 30 de junio, comenzará un ciclo de títeres, los sábados a las 17, con la obra Tubérculo piloso, presentada por el ex taller de marionetas de la UNC.

Además del patio matero y el salón principal, abierto de martes a domingos desde las 10 de la mañana, Cocina tiene otros espacios interiores donde se realizan exposiciones de pintura y fotografía, presentaciones de libros, ensayos teatrales y musicales, proyecciones, y se desarrollan los talleres, que van desde la cerámica y el stand up, hasta la computación y el croché. En esta ocasión, los integrantes de este último taller anunciaron que tejerán escarapelas para sumarse a la Fiesta del 25.

Un finde a full

El Mago de Oz
Este domingo a las 16.30 se realizará en Ciudad de las Artes (avenida Ricchieri y Concepción Arenal) una función de la famosa obra El mago de Oz. Será a beneficio del Centro de Día de la Fundación Apadim, que trabaja con adolescentes con discapacidad mental. Con dirección de Alejandro Venegas, la obra narra las aventuras de la pequeña Dorothy, quien es llevada por un huracán a un país donde existen brujas y magos. Recibió el premio Carlos a mejor espectáculo infantil de Carlos Paz en 2010. La entrada tiene un valor de $ 35.

Fantasmas
El sábado y el domingo a las 17, en Ciudad de las Artes (avenida Ricchieri y Arenal) , el grupo Egos presenta El fantasma de Clawnterville, acerca de los sucesos en una casa habitadas por humanos y seres misteriosos.

“Paquetito”
Esta obra del grupo Muttis Teatro se verá en el CPC de Argüello (Ricardo Rojas y Rafael Núñez) el domingo a las 17. Un nene, Toto, es invitado al cumpleaños de su amiga Margarita, y en el camino conoce a alguien que lo ayuda a llegar allí de la mejor manera, con su regalito a cuestas. Dirigida por Marina Abulafia. Entrada $ 30.

Títeres con queso
El domingo a las 17.30 en el Teatro Real, el Teatro Estable de Títeres presenta la comedia La hora del queso, de Carlos Piñero. Un gato mecánico, dos ratones metálicos y tres titiriteros hicieron un queso para pasar la crisis, pero alguien se lo comió en secreto, provocando un lío.

Títeres y naranjas
El sábado, también en Ciudad de las Artes, a las 16.45, por medio del grupo Carromato de Títeres, se representará la obra Líos, duendes y naranjas. Es la historia de un grupo de vendedores de naranjas que enfrentan a un ladrón que además es un bromista y un titiritero. Entrada, $ 20.

Superhéroes en la Segunda Guerra Mundial

Wed, 23 May 2012 19:18:05 GMT

Existen numerosas historietas y películas de superhéroes ambientadas en la Segunda Guerra Mundial, pero aun así es difícil de imaginar ese conflicto bélico con la presencia de personajes surgidos en las páginas de los cómics.

Quien se animó a recrear tales situaciones ha sido el fotógrafo indonesio Agan Harahap, quien retocó digitalmente algunas fotografías de la guerra para incluir a diferentes superhéroes o villanos de películas, como Darth Vader o el Guasón.

Así, creó una serie titulada "Super Hero", por la que desfilan personajes como el Capitán América, Batman, Spiderman, Superman, Hulk y Flash, entre otros, en fotografías en blanco y negro de la mencionada guerra.

La serie completa se puede ver en este Flickr.

Libros cordobeses desembarcan en México

Wed, 23 May 2012 18:56:04 GMT

Desde hace varios años el vínculo entre México y Argentina, y particularmente entre Córdoba y el D.F (Distrito Federal) es una realidad que no se concreta únicamente a través de la gran cantidad de cordobeses viviendo en esta megalópolis sino también por medio de proyectos culturales y artísticos: artistas cordobeses exponen en México, mejicanos hacen residencias en Córdoba, gestores culturales, curadores y editores producen proyectos binaciones y en esta constante ida y vuelta se va fortaleciendo un puente, un sólido corredor cultural.

En este marco, el próximo viernes 25 y sábado 26 de mayo, el Encuentro de Editores Iberoamericanos que se llevará adelante en el Centro Cultural España México contará con una gran presencia cordobesa, como parte del trabajo en red entre los centros de AECID (Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo). Editoriales de Córdoba y Buenos Aires tales como Nudista Editorial, publicaciones del Centro Cultural España Córdoba, Viento de Fondo, Caballo Negro, Revista Diccionario, Mansalva, La bestia equilatera, Vox y algunos libros de artistas, participan en la venta de editores independientes poniendo estos proyectos al alcance del público mejicano.

Entre las publicaciones exhibidas se destaca el libro del artista cordobés Lucas Di Pascuale Hola. tengo miedo, que será presentado por el propio artista y Florencia Magaril, invitada a participar en este encuentro como representante de Argentina. Además de esta presentación, Córdoba estará presente en la mesa "Realidades: Editar en Argentina, Colombia, España y México" en la que cuatro editores y gestores latinoamericanos compartirán su experiencia desde cada una de sus realidades culturales, sociales y económicas. Participarán Florencia Magaril junto a Issa M. Benitez (España), Nadia Moreno (Colombia) y Alfredo Núñez Lanz (México).

Por último, el miércoles 23 se presentará el décimo número de Diccionario. Revista de letras, una publicación de arte, cultura y letras cordobesas que en esta ocasión produjo una edición binacional repartiendo sus letras entre artistas y escritores cordobeses y mejicanos.

Como contraparte, durante el mes de julio, y dando continuidad al trabajo de fortalecimiento de redes del AECID, el Centro Cultural España Córdoba recibirá a Analía Solomonoff, editora y gestora mexicana quién desarrollará una serie de proyectos y talleres junto a editores cordobeses.

¿Pablo Neruda fue asesinado?

Wed, 23 May 2012 17:52:01 GMT

¿Cáncer terminal, paro cardíaco o inyección letal? Casi 40 años después (exactamente, 39) de la muerte de Pablo Neruda, el periodista español Mario Amorós analiza en su flamante libro una serie de misterios acerca del fallecimiento del poeta chileno. Sombras sobre Isla Negra. La misteriosa muerte de Pablo Neruda se presenta hoy en Santiago de Chile, pero ya provocó un previsible revuelo.

"En el libro yo pregunto si Neruda pudo haber sido asesinado, pero no respondo a ello", afirmó Amorós en una entrevista con la agencia EFE.

Neruda, quien en 1971 había sido dsitinguido con el Premio Nobel de Literatura, murió en una clínica privada de Santiago el 23 de septiembre de 1973, 12 días después de que Augusto Pinochet comandara el golpe de Estado que lo llevó al poder. Según el certificado de defunción del escritor, su muerte se produjo a causa de un avanzado cáncer de próstata.

Fue la tercera mujer de Neruda, Matilde Urrutia, quien sostuvo durante años que al escritor "no lo mató el cáncer", sino que su fallecimiento se debió a un paro cardíaco. La versión del asesinato es en cambio defendida por Manuel Araya, ex chófer de Neruda y quien actualmente vive en la localidad chilena de San Antonio: el año pasado, la revista mejicana Proceso publicó una entrevista en la que Araya insistía con la idea de que Neruda fue asesinado por agentes del régimen de Pinochet. Y que el instrumento fue una inyección letal.

El diario La Tercera revela que el relato de Araya puso el caso un paso más allá de los meros rumores, ya que desde 2011 la Justicia chilena investiga la muerte de Neruda tras una querella del Partido Comunista, en el que el poeta militó. Según el diario chileno, luego se sumaron otros testimonios y actualmente se evalúa exhumar los restos del autor de Residencia en la Tierra.

El juez Mario Carroza, a cargo de la investigación, se topó con que ninguno de los tres centros hospitalarios en los que Neruda fue atendido durante 1973 conservan sus informes médicos, pese a una ley chilena que obliga a mantenerlos durante 40 años. "La tesis del libro es que la muerte de Pablo Neruda es una muerte envuelta en el misterio. Hay una infinidad de interrogantes sobre si pudo ser asesinado", señaló Amorós en diálogo con EFE. Y añadió que desde su punto de vista, la muerte podría haber sido inducida "por el terrible sufrimiento que supuso para él el golpe de Estado".

La versión de Araya que recoge el libro Sombras sobre Isla Negra dice que el 23 de septiembre de 1973 Pablo Neruda les pidió a Matilde Urrutia y a él que viajaran a Isla Negra para recoger algunas pertenencias de la casa que poseían allí. Neruda y su mujer estaban por exiliarse en México. Una vez en Isla Negra, "recibieron una llamada de Pablo Neruda, que les alertó de que le habían colocado una misteriosa inyección en el estómago", relata Amorós. Al retornar a Santiago, encontraron a Neruda con fiebre. Un médico pidió entonces a Araya que saliera a buscar un medicamento y en ese momento fue detenido y conducido al Estadio Nacional de Santiago, donde fue torturado.

Por el contrario, Urrutia afirmaba que el viaje a Isla Negra se produjo un día antes, el 22 de septiembre, y que al regresar a la capital encontraron a Neruda muy alterado y afectado por las noticias sobre la sangrienta represión del régimen. En ese momento, según contó en sus memorias, llamó a una enfermera y le colocaron una inyección, un tranquilizante, que le sumió en un sueño del que nunca más despertó.

Según el periodista español, las dudas y contradicciones entre los distintos relatos sólo podrán despejarse con la exhumación de los restos del poeta, que actualmente descansan Isla Negra.

Comedia Cordobesa: La familia de Edipo, en escena

Wed, 23 May 2012 03:26:01 GMT

"Estamos en el Hades (algo así como el Infierno de la mitología griega) y la Pitonisa le dice a Edipo, 'están por llegar tus hijos'. Ahí se encuentra la familia, desde Creonte a Ismene", cuenta Raúl Iaiza, director nacido en Córdoba y radicado en Europa desde 1986. El comentario es la introducción a En surco ajeno, la obra que estrena la Comedia Cordobesa esta noche en el Teatro Real. "¿Cómo hizo Yocasta para no darse cuenta de la herida de Edipo en los tobillos?", pregunta con ironía Iaiza, el mismo humor que toma de Dürrenmatt, autor del cuento La muerte de la Pitia.

"Dürrenmatt es una inspiración. Con la Comedia a pleno hemos revisitado el mito, entre pliegues, como pasa con estos personajones que están en un lugar mítico. Si los vemos con la lógica cotidiana, saltan los tornillos y cae el mito. Nos preguntamos, 'Desde el punto de vista humano, ¿esta gente estaba junta o no?' La cosa se vuelve grotesca", comenta Raúl metido en el grotesco que permite la lectura que Dürrenmatt le regala al panteón de la tragedia griega. Ahí está Sófocles, autor de Edipo Rey, Edipo en Colono y Antígona.

La maldición de Edipo se remonta a una terrible profecía que había recibido su padre, Layo, a quien el oráculo anunció que si tenía un hijo, éste lo asesinaría. Se desencadenan los hechos en toda la estirpe, de padre a hijo, de Layo a Edipo y, en su propia descendencia, los hijos que tuvo con su madre-esposa, Yocasta. Ellos son Antígona, Ismene,Polinices y Eteocles, atrapados en la tragedia.

"Sófocles es muy ambiguo. No es como Brecht o Anouhil. Si vemos bien, Antígona tiene un proyecto suicida. No hay futuro en el plan de enterrar a su hermano. En ella había un bichito incestuoso. Quiere hacer quilombo para después irse al infierno. Como Hamlet, que no va a restaurar el poder después de descubrir el asesinato de su padre", señala Iaiza con una familiaridad que impide aburrirse. Para el director, es como una telenovela. "Están todos locos", concluye.

El texto escrito por Iaiza rompe la convención por la cual los espectadores no se preguntan sobre los personajes míticos en términos cotidianos. "El Hades se vuelve cómico cuando salen los trapos al sol. La Pitonisa dice, 'En este lugar, ¿cómo se hace para saber de quién es hijo uno?' Ese texto alucinante es de Dürrenmatt, una línea que dejé en el texto compuesto como un tapiz basado en Sófocles. El esqueleto de En surco ajeno es de Sófocles. Hice un tejido tupido en el que también aparecen las improvisaciones de los actores de la Comedia. El texto es nuestro", comenta el director.

Es la primera vez que Raúl Iaiza dirige en Córdoba, y a un elenco estable. "Estoy acostumbrado a trabajar con los recursos humanos que hay. En esta familia (por la de Edipo), enloquecida entre mito y realidad, hay personajes para 30 actores. Cuando empezamos los ensayos, yo tenía un texto-Frankenstein de 35 páginas, texto trampa para naufragar", explica.

Iaiza ha diseñado también la escenografía, la casona de la familia con todos sus integrantes, que juegan el rol trazado por el destino y preguntándose por qué, para qué y cómo. Con las actuaciones de Edipo, Giovanni Quiroga (Edipo); Luis Torres (Layo); Adriana Quevedo (Yocasta, madre de Edipo); Patricia Rojo (Antígona); Gabriela Grosso (Ismene); Beto Bernuez (Polinices); Adrián Azaceta(Etéocles) y Raúl Sánchez (Creonte).

De 2001 a 2011 Iaiza fue asistente de dirección de Eugenio Barba en el Odin Teatret, en Holstebro (Dinamarca). De esa vertiente toma la metodología y el concepto de trabajo actoral. Frente a la Comedia Cordobesa se encontró con algunos actores ligados al teatro independiente; otros, "con libreto en mano". Raúl se propuso desafiarlos y hacerlos cantar. "Para mí eso es normal. Además, hace falta entrenamiento para moverse con agilidad por esa casa enorme, la de la familia de Edipo", agrega.

"Quizás lo legible como 'Tercer teatro' sea el tipo de personajes más físicos y esa conjunción de técnicas al servicio de la obra y no del estilo. En surco ajeno no es una aventura interpretativa, es, más bien, creativa. La diferencia entre una cosa y otra es que la primera prepara el terreno para ir hacia algo controlado de antemano", explica el director que realiza actividad pedagógica en Europa.

La obra incorpora música mediterránea, expresiones griegas elegidas por el director que ha trabajado con el canto tradicional y música coral. "Cantan todos -añade- Pienso que los actores tienen un potencial artístico enorme, si se enfoca desde el oficio del actor".

Raúl Iaiza nació en Córdoba y se formó como músico con el maestro Herbert Diehl. Dice que de vez en cuando saca la flauta dulce. "Fui flautista en mis años mozos cordobeses junto al maestro Diehl. Con él era imposible quedarse quieto". Y recuerda que a comienzos de los años de 1980, con el grupo Juventudes Musicales, ensayaba en el espacio que hoy es el foyer del Teatro Real. En 1986 se fue a vivir a Italia. "Fueron 11 años entre Italia y Dinamarca". Y ha vuelto desde 2009 regularmente a dar cursos de actuación.

Sobre las razones del título, Raúl explica: "Es una frase de Antígona, una especie de dicho que Sófocles pone en más de una obra. La metáfora tiene varios sentidos: es sexual, grosera; también alude a usurpar, sembrar en tierra de otro, y la concepción más constructiva quiere decir que en surco propio no se crece. Es decir, apunta a la necesidad de cruzar. En la obra están todas las metáforas juntas", concluye.

En surco ajeno
Dramaturgia, escenografía, arreglos musicales y dirección general: Raúl Iaiza. Actúa la Comedia Cordobesa. Elaboración de imágenes y fotografía: Yvonne Diehl. Diseño de luces: Charly García y Raúl Iaiza. Proyecciones: Charly García y Tata Sánchez. Funciones: hoy, jueves, sábado y domingo a las 21 en la sala Carlos Giménez del Teatro Real. Entrada: $ 20.

El dibujo interminable

Wed, 23 May 2012 03:00:05 GMT

Panza abajo en la cama, dibuja hasta que se duerme, incluso después de haber estado haciendo lo mismo más de 12 horas. Así es Hugo Bastos, sobre todo hoy, que el tiempo libre se lo permite. "Me entretengo, la paso bomba porque me divierto", dice. Es su forma de vida, una costumbre, como tomarse un vinito los viernes en Casa Grote. El hombre tranquilo, entrador, artista querido por todos, vuelve a exponer su obra. "A modo de pasatiempo", título de la muestra que refleja su vicio dibujístico, fue el elegido para presentar un conjunto de obras inéditas y muy recientes que se verán desde este miércoles a las 19.30 en María Castaña (Tucumán 260). Este correntino bien acordobesado dice que el vernissagge traerá un aire de su provincia natal, con algo de pescado y ritmos del chamamé.

La mancha verde
Dos clases de trabajos habrá en esta muestra, adelanta Hugo. Por un lado, dibujos surgidos de la mancha verde del mate (tira los dos primeros por la acidez, y los destina a la hoja del cuaderno). "Esas manchas hermosas, espontáneas, que van donde quieren, me dan pie a las imágenes", cuenta. Son porciones transparentosas sobre las que dibuja con lapicera. Es una búsqueda que se remonta a los años sesenta, pero, advierte, el resultado ahora es distinto.

La muestra incluirá además obras realizadas sobre papel de arroz, sobre los que dibuja paisajes, el río, la arena, los árboles. Por las dudas, aclara que no son pinturas, aunque haya color. Bastos no teme hablar de lo cotidiano que resulta en su hacer la técnica. La potencia de su imagen, trama sobre trama, está ahí, a la vista.

"Hugo piensa el dibujo como un lugar posible para 'sacarle el cuero al mundo', haciendo travesuras con poco y nada, y desde su cotidianidad. Dibuja a medida que la noche pasa, dibuja sin parar, transforma espacios y realidades, transforma insomnios y momentos con amigos", escribe´en el catálogo Inés Domínguez Cuaglia, curadora de la muestra.

Bonus track
Si esta exposición en María Castaña ofrece lo no conocido y más novedoso de Hugo Bastos, el próximo 7 de junio, otra muestra recuperará su obra anterior. Será en el Consejo de la Mujer, a una cuadra de María Castaña. Allí exhibirá dibujos a los que le apena quitarles para siempre el marco, y con ellos, su propia vida expositiva.

Bastos nació en Corrientes en 1946. Pero vive en esta ciudad hace muchos años. Estudió en la Escuela Provincial de Bellas Artes Figueroa Alcorta, donde ejerció la docencia, y de la que fue su director. Dos libros editados en Córdoba recopilan sus dibujos y sus historias: El que dibuja y Fe De Eh! Ratas.

"A modo de pasatiempo"
Miércoles a las 19.30. María Castaña (Tucumán 260). Inaugura la muestra de Hugo Bastos. Visitas: viernes y sábados desde las 20 (también para escuelas de nivel medio). Charla con el artista: 12 de junio a las 16. Entrada gratuita.

El casamiento del héroe gay

Tue, 22 May 2012 18:22:03 GMT

Le editorial Marvel Comics, que publica las historias de los más populares grupos de superhéroes del mundo del comic, ha decidido casar a uno de ellos, Northstar, con su novio desde hace varios años, Kyle Jinadu, a quien propondrá matrimonio en el número que sale a la venta mañana.

Los seguidores del mutante Northstar, el nombre bajo el que se oculta la personalidad de Jean-Paul Beauvier, uno de los integrantes de los X-Men, le verán arrodillarse y pedir, anillo en mano, matrimonio a su novio Kyle.
El número de "Astonishing X-Men" sale a la venta mañana, al igual que lo hará en las aplicaciones digitales de la firma y en su tienda por Internet.

Los creadores de esos personajes ponen así a sus lectores ante uno de los asuntos sociales que más controversia plantean en Estados Unidos, como es el matrimonio entre personas del mismo sexo, que solo está autorizado en algunos de sus estados y que ha irrumpido en la campaña electoral de las presidenciales como uno de sus temas.

"El universo de Marvel siempre ha reflejado el mundo que se ve a través de la ventana y por eso intentamos que nuestros personajes, sus relaciones e historias estén ancladas en la realidad", dijo el editor jefe de esa editorial, Axel Alonso, mediante un comunicado de prensa.

Añadió que los equipos de Marvel han trabajado durante un año en esta historia para "asegurar que la boda de Northstar y Kyle refleja esa realidad".

La firma anunció también que el episodio con la boda neoyorquina del mutante y su novio se verá en el siguiente número de las aventuras X-Men, que saldrá en un mes a la venta.

El personaje de Northstar se unió a las filas de los héroes de Marvel en 1979, como uno de los integrantes del equipo "Alpha Flight" y entonces como uno de los antagonistas de otros populares superhéroes.

Los creadores de este personaje, un canadiense francófono, lo convirtieron a partir de 1983 en uno de los más populares, además de hacerle ganar una medalla de oro en unos Juegos Olímpicos y de ser un exitoso empresario.

Fue en 1992 cuando sus creadores decidieron que Northstar hiciera pública su identidad sexual, y desde 2009 lo emparejaron con Kyle.

"Su historia es universal y está en el centro de todo lo que escribo: es un poderoso amor entre dos personas que tienen que luchar por ello contra todo", dijo una de las autoras de la historia, Marjorie Liu, en el mismo comunicado

Diego Rivera, una subasta millonaria

Mon, 21 May 2012 17:42:05 GMT

El óleo de Diego Rivera Niña en azul y blanco encabeza esta semana las subastas de arte latinoamericano en Nueva York. Si se vende el miércoles en Sotheby's por el precio de venta estimado (entre 4 y 6 millones de dólares), superará por mucho el récord previo del artista mexicano, de 3 millones.

Firmada en 1939, la obra es un retrato de Juanita Rosas a los 10 años de edad. Le pertenece a un periodo en el que Rivera capturó la inocencia de muchos niños, siendo este cuadro especial porque el propio artista lo seleccionó para ilustrar su catálogo de la Exposición de Homenaje Nacional que el Instituto Nacional de Bellas Artes mexicano organizó en 1949 para celebrar sus 50 años pintando.

"Es de lo más típico de su obra especialmente de esa época", dijo a la agencia AP Carmen Melián, directora del departamento de arte latinoamericano de Sotheby's. "(Rivera) pintó a través de los años a los niños del servicio de su casa y de los vecinos y a Juanita en particular la pintó varias veces".

Es la pintura de Rivera más importante que se haya puesto a la venta en décadas, afirma Sotheby's en su catálogo, destacando que es una de las dos más grandes del artista fuera de México y que llega apenas meses después de una muestra de su obra en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York. "Lo que más me encanta es que está pintado en su estudio", dijo Melián. "He estado en el estudio y tiene el piso teñido de verde, por eso es verde en la obra. La parte de atrás, el blanco de la pared, es una mezcla de blanco, azul, rosado, casi como un Monet o un Renoir; la parte de adelante es más realista, salta la figura".

De superar el máximo estimado, Niña en azul y blanco podría incluso romper la marca que ostenta el Trobador de Rufino Tamayo como la obra latinoamericana mejor vendida en subasta: 7,2 millones de dólares, registrados en el 2008.

Eleonora Cassano baila su propia despedida

Sun, 20 May 2012 03:00:04 GMT

Durante mucho tiempo la imagen de Eleonora Cassano en puntas de pie y rostro sonriente estuvo asociada a Julio Bocca, magnífico partener. Paulatinamente, la bailarina de fama internacional generó su aura y encaró proyectos riesgosos, sin Bocca para sostenerla en sus brazos. Julio se despidió del escenario y ahora Eleonora Cassano decide cerrar el ciclo vital con la danza clásica. A esa motivación de despedida parcial y reconocimiento al público responde Chapeau, el espectáculo que la trajo este fin de semana a la Ciudad de las Artes. Los méritos están a la vista: una larguísima cola de espectadores esperó para entrar a la segunda función del viernes, mientras el público de la primera salía reconfortado, aunque sin la yapa del bis, seguramente por cuestión de tiempo y estructura del programa mixto.

Cassano eligió para la primera parte, la versión de Carmen, con coreografía de Alberto Alonso. La síntesis es el acierto de esa escena única, con varios cuadros en los que la cigarrera se pierde por el amor del soldado Don José, para luego abandonarlo por el torero Escamillo. Acompañada por un ballet que se mantuvo en una segunda línea, Eleonora recreó el drama pasional de Carmen, una invitación al recuerdo colectivo ni bien suenan los primeros acordes de la partitura de Bizet. Algunas sillas, el escenario planteado en dos niveles y paneles de madera fueron la única ambientación. La historia se cuenta con el cuerpo. Cassano viene desarrollando una expresividad muy interesante que complementa el arte codificado del ballet clásico. Con el bello vestuario que diseñó Renata Schussheim, paseó el personaje que desafió también a los jóvenes bailarines que se repartieron los roles masculinos. En esta oportunidad la acompañó Bautista Parada, primer bailarín del Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata.

El planteo del espectáculo es de pequeño formato, sin artificios, de ahí que el vestuario cobre tanta relevancia, marcando rasgos básicos del relato. En uno de los cuadros de conjunto, el ballet aplaude y taconea, los intérpretes sentados, con el sonidos de manos y pies como única música. El trabajo logra la mezcla de clásico (punta rigurosa) y la modernidad de algunas torsiones y gestos. La pasión y la síntesis del ambiente taurino, con toques de luz, ponen a Cassano en el centro de la escena, colosal en la soledad del planteo coreográfico. Sólo la banda de sonido, por momentos demasiado estridente, desentona con el carácter íntimo y doliente de esta Carmen de cámara.

La segunda parte de Chapeau es una apelación a lo popular sin rodeos. Entre tangos y milongas, con coreografía y diseño de vestuario de Gustavo Mollajoli, funciona como postal urbana, música arrabalera para bailar en puntas de pie. Sutil, delicado y gracioso, el tango-ballet fue encarado por la compañía con más soltura, mientras Eleonora puso en ese tributo a Buenos Aires, corazón y disfrute, para satisfacción de la platea.

Chapeau es un espectáculo sencillo, con la complejidad de la danza más exigente, un juego en el que Eleonora Cassano se involucra de manera que la técnica lograda durante su brillante carrera aparece naturalmente, al servicio de la expresión, el relato y la sensualidad. Nada es solemne en este momento dedicado a su despedida del ballet clásico. Más bien, Cassano reaviva la relación con el público y encara las posibilidades actorales de un cuerpo entrenado para cumplir verdaderas hazañas escénicas.

Chapeau

Programa mixto: Carmen de Bizet y Entre tangos y milongas. Con Eleonora Cassano y ballet. Hoy a las 19 y a las 21 en la Ciudad de las Artes, Ricchieri y Concepción Arenal. Confirmó que vuelve en agosto.

Historias de agua

Sat, 19 May 2012 16:17:02 GMT

Un libro se abre solo en una página que dice que las ostras tienen una inteligencia más bien escasa, pocos deseos ardientes (por el designio natural que les negó sexos separados) y una presunta incapacidad de experimentar envidia. Sin embargo, no serían ajenas a las emociones de la simpatía y la repulsión. Eso, pobres mariscos, trastorna la beatítifca tranquilidad en la que podría transcurrir su existencia.

Ese libro se llama Los misterios del mar, su autor es Manuel Aranda y San Juan, y se imprimió en Barcelona en 1891. Fue un regalo que el escritor cordobés Martín Cristal recibió de su padre. Un rato más tarde el libro se abrió solo, y después terminó dentro de otro libro que se llama Las ostras.

La tercera novela de Martín Cristal tiene un puñado de personajes que son al mismo tiempo los narradores, a través de monólogos breves, de historias que dilatan un tiempo concentradísimo en las pocas horas que dura Las ostras: hay un japonés que intenta llenar un vacío con criaturas en origami, un prototipo de depredador urbano, un adolescente abducido por la música, un niño todavía atrapado entre la realidad y la fantasía, un hombre que hace dieta, una mujer que quiere parar los relojes en un momento del pasado en que todo se rompió y una chica que recibe, como un regalo llegado a través de un túnel del tiempo, un libro que se llama Los misterios del mar.

Todo sucede en Córdoba, ciudad a la que la novela le otorga, para curarla de su nostalgia oceánica, una suerte de "mar" metafórico (e incluso paródico), un ambiente acuático hecho de piscinas, peceras y una lluvia de dimensiones bíblicas, a lo que se añaden algunos otros guiños como la familia Fisherman (en inglés, pescador), la confusión cómica entre Miramar (en la costa atlántica) y Miramar (en Mar Chiquita) que deja a uno de los personajes clavado en la terminal de ómnibus o la banda de ese mismo personaje bautizada Las esponjas, en referencia doble a esos invertebrados marinos y a la autoconciencia etílica de sus músicos.

Las ostras (que se presentará el martes 22 a las 19.30 en Cocina de Culturas) es la primera novela de una ambiciosa tetralogía planeada por Cristal.

Un hallazgo

–¿Cómo llegó a tus manos "Los misterios del mar"?
–Mi viejo fue galerista y anticuario hasta mediados de los noventa. Años después de retirarse, tuvo que liquidar un gran lote de antigüedades que tenía en un depósito -situación que en la novela aparece transfigurada y en otro contexto familiar (mi papá vive)-. Aquella vez fui a ayudarlo y, en medio del caos de objetos hermosos o inservibles, encontré un ejemplar de Los misterios del mar. Mi viejo me lo regaló. De vuelta, al hojearlo en el auto, el libro se abrió solito en la página donde se refiere a las ostras (párrafo que ahora es el primer epígrafe de la novela). Ya en casa, busqué si había otros fragmentos así, donde a las costumbres de un animal se las describiera en términos humanos. Resultó que había muchos más. Sentí que eran materia prima para la imaginación.

–¿Ese libro te ayudó a definir, en base a un plan que ya tenías, un aspecto central de Las ostras, o bien fue el disparador?
–Si te centrás en el carácter de varios personajes, o en algunos hechos narrados, entonces sí fue un disparador: algo de la fabulación nació de ahí (y creo que uno de los placeres del lector de Las ostras puede ser tratar de establecer las relaciones entre esas citas y lo que se narra, recorrer ese espacio mental). Ahora: si pensás en la forma de la novela, en su estructura coral, o incluso en su estilo, en las voces y su tono, ahí Los misterios... no pesó casi nada, porque sobre todo eso yo ya tenía varias cosas predefinidas. En lo formal, diría que el hallazgo del libro sólo gravitó en una cosa: inicialmente yo pretendía (entre otras cosas) hacer una "novela de agua", donde ese elemento fuera una presencia recurrente; después de leer el libro de Aranda y Sanjuán, elegí "el mar" como la expresión de esa "agua" metafórica (lo que agregaba un sentido irónico, porque la acción transcurre en Córdoba, muy lejos del mar).

–¿Por qué decidiste usar una visión de la naturaleza bastante "poética" como modelo para atribuirles rasgos y conductas a tus personajes?
–Sencillamente al encontrar el libro me sedujo por la idea, que fue más fuerte que yo. Esa intuición inicial me llevó a hacer una prueba sencilla: imprimí unas fichas con la sinopsis de algunas anécdotas que quería narrar, apuntes previos que había seleccionado por razones afectivas (que es por lo que elijo los temas últimamente). Y, por otro lado, imprimí unas tarjetas con las citas que había seleccionado de Los misterios del mar. Me senté en la alfombra y, como si jugara un solitario, me puse a buscar coincidencias. Cuando vi que se iba armando un rompecabezas, me dije: "voy a ir por acá". Los viejos apuntes fueron acomodándose y fusionándose con las nuevas anécdotas sugeridas por los animales marinos. Hubo varios bichos de mar alucinantes que quedaron afuera porque no logré encontrar su correlato en el plan creciente de la novela.

–Las de "Las ostras" son vidas infiltradas (para usar un símil líquido) por el dolor, por muertes recientes o por tragedias remotas pero que siguen latiendo. ¿Esta especie de magma de sufrimiento en el que los personajes flotan o se hunden era un dato que definiste previamente o se fue armando de esa manera en la escritura?
–Fue dándose así durante la escritura. Me encanta que en esa etapa del trabajo surjan cosas inesperadas. Está bien tener un plan antes de sentarse a escribir, pero mientras se escribe creo que hay que escuchar lo que el texto va pidiendo, e incluso dejar de pensar por un rato y darle duro al teclado sin detenerse a analizar lo que sale (que para eso habrá tiempo después). Uno de los primeros lectores del manuscrito fue el que me hizo notar que las pérdidas son un punto en común de los personajes; en el plano consciente, yo me había concentrado más en su necesidad de cambio, esa "mudanza" que les permita seguir adelante. Por otro lado, ojalá no todo en el texto sea "dolor y tragedia". He querido que, en la cuenta general, la novela aporte también su cuota de optimismo.

–¿Recordás alguna escena en particular que te haya ocasionado más dificultades que otras?
–El primer capítulo, y más específicamente el primer párrafo, que -quizás valga aclararlo- no necesariamente es lo que uno escribe primero en una novela. Otras partes requirieron de cierto "trabajo de campo", pero al momento de escribir no fueron difíciles precisamente gracias a esas averiguaciones previas. Un problema, los comienzos (hay un libro de Amos Oz muy interesante al respecto: La historia comienza). ¿Hay que ser efectivo o sutil, hay que golpear en la primera línea o ser progresivo, hay que ser franco o apelar al engaño, o sólo hay que establecer un tono, una voz, y lo demás no importa? Luego de garrapatear varias versiones para esta novela, mi respuesta sería que cualquiera de esas opciones puede funcionar porque, si hay alguna equivocación, ésta no reside en ninguna de esas estrategias, sino en ese "hay que" repetido en la pregunta. No existe preceptiva alguna; no puede haberla. Cada novela tiene que encontrar su propia puerta de entrada. Ésta la encontró en una especie de voz autorial que sólo dura ese capítulo, a modo de introducción, y que luego da paso a una alternancia de narradores-personajes.

–Es bastante impresionante un episodio en que sexo y muerte se solapan. El lector queda como a medio camino entre lo gratificante de un punto de excitación y el malestar de un desenlace pavoroso. ¿Tenés en mente la emoción que querés provocar cuando escribís?
–Monterroso, en su famoso decálogo, aconsejaba: "No olvides los sentimientos de los lectores. Por lo general es lo mejor que tienen; no como tú, que careces de ellos, pues de otro modo no intentarías meterte en este oficio". Sí, a veces pienso en la emoción del lector, pero si lo hago es desapasionadamente, como un asesino a sueldo. En especial al corregir el texto; antes de eso sólo habré tratado de evocar y recodificar mis propias emociones, sin por eso haber estado inmerso en ellas a la hora de escribir (Quiroga: otro decálogo). En cualquier caso, creo que escribir se trata menos de "provocar" algo que de salir a "pescar" ese algo, de la misma forma en que un pescador sale por la mañana hacia cierta zona del mar en la que "sabe" que hay atún o sardinas, aunque una vez ahí quizás pesque otra cosa, un pez espada o un tiburón. Siempre puede salir algo distinto que eso que "teníamos en mente" al arrancar. Hay que estar atento porque puede ser algo mejor, y si no lo pescás, se va.

Las vidas cercanas

Cristal utilizó en Las ostras algunos episodios familiares, pero pone distancia con la abundante "literatura del yo" y la autobiografía disfrazada.

–En la familia que integran Fish, Perla y su mamá se reconocen varios datos autobiográficos, ¿no es verdad? ¿Te guió alguna idea de algún tipo de homenaje familiar?
–No es homenaje ni tributo (ni del todo autobiográfico, la verdad). Lo familiar apareció, sí, como una de las tantas salidas posibles al proceso de rastrear afectivamente aquello que uno tiene para contar, eso que me implica y me concierne como persona, antes que sólo como escritor. Lo que viene después es transmutar esa materia prima personal en ficción, ya que no se trata sólo de endosarle al lector una autobiografía, sino de buscar aquellas historias cercanas a uno como punto de partida para ficcionalizar. Ojo que no hablo de la famosa "literatura del yo", donde el autor pone su propia vida como centro y luego la disfraza un poco. No es mi historia la que importa: son las historias de la familia, las del vecino o el amigo, las del entorno afectivamente cercano, inserto en la clase social o la ciudad a la que pertenecés y que por ende conocés mejor... Lo que busco es escarbar en mi reservorio sentimental, que esas historias pasen por mi imaginación como filtro, y que después salgan al mundo convertidas en literatura.

–Sos un lector muy inquieto, como diría una bibliotecaria que debiera atender tus pedidos. Tus textos de crítica y tu actividad en el blog muestran un arco muy variado. La pregunta es: ¿podés señalar, además de "Los misterios del mar", cuáles de esas lecturas han encontrado vasos comunicantes hacia tu escritura?
–Las más tempranas son cuentistas como Poe, Bradbury, Cortázar, Levrero o Borges, presentes en los relatos fantásticos de Las alas de un pez espada y Manual de evasiones imposibles. Ahí se da una ampliación de registro hacia el realismo, en la que tuvieron que ver la mirada de Clarice Lispector (Lazos de familia) y el best of Fogwill destilado en Cantos de marineros en La Pampa. Después publiqué Mapamundi, que siento más mío, donde me incliné por el manejo de las voces, la variación de las formas y por dejar correr más libremente cierto sentido del humor; en eso se suman lecturas de Rubem Fonseca, Isidoro Blaisten, algo de Efraím Kishón y el descubrimiento de Hebe Uhart. Más tarde agregaría también a John Cheever, del que se aprende que es posible narrar sin miedo a interpolar reflexiones propias, y otros robos variados al J. D. Salinger de los Nueve cuentos. En lo novelístico, el que me presenta primero las posibilidades formales del género (que luego estallarían en mi cabeza con Las olas de Woolf y el Ulises de Joyce) es William Faulkner -Mientras agonizo, por ejemplo, fue una referencia directa que usé para estudiar el intercalado de las voces en Las ostras-. Faulkner además enseña que no hay inconveniente en narrar acerca de tu lugar de origen, y que pensar un designio general para la obra completa es un problema que merece atención. Otros novelistas a quienes siempre intento desvalijar: Amos Oz, en especial el estilo y el tono de Un descanso verdadero; John Fante, su seca intensidad y la sinceridad brutal de Pregúntale al polvo; Manuel Puig, sus diálogos perfectos en Cae la noche tropical; Ítalo Svevo, el humor introspectivo de La conciencia de Zeno; Paul Auster, su ritmo narrativo en El palacio de la luna; y Roberto Bolaño, la desmesura de Los detectives salvajes. No estoy ni cerca de ninguno, pero sigo intentándolo. En el futuro también asaltaré a Aleksandar Hemon, de quien ahora estoy leyendo El proyecto Lázaro. Y he vuelto a leer ciencia ficción: quién sabe qué pueda salir de ahí...

–¿Cómo escritor te sentís afín a alguna tradición? ¿Eventualmente eso supone una autoexigencia extra?
–Si me dan a elegir a mis precursores, algún día me gustaría poder aspirar al linaje de Los detectives salvajes de Roberto Bolaño, que se ubica bajo Rayuela de Cortázar, la cual le debe mucho al Adán Buenosayres de Marechal, que a su vez desciende de dos líneas entrelazadas, el Ulises de Joyce y la Comedia de Dante, y por ende de Virgilio y de Homero. En esa genealogía literaria reconozco placeres que me definen como lector, y por ende desearía que esos autores dejen alguna huella mínima en lo que escribo o escribiré. Son ideales inalcanzables, pero es el horizonte que me inspira a caminar. Mientras, no olvido lo que decía Saer, aquello de que a las influencias no basta sólo con declararlas: también hay que merecerlas.

–¿Podés contar algo más acerca de la tetralogía que conformaría "Las ostras"?
–Lo que quiero es escribir cuatro novelas que a la larga puedan funcionar como núcleo de ese átomo literario que podría llamar "mi obra". Alrededor girarían otros libros, con órbitas más o menos cercanas o cruces más o menos tangenciales según cada caso. Esto surgió de la inquietud de si para ser escritor sólo basta con publicar un libro tras otro, o si por el contrario conviene integrar esas publicaciones en un plan mayor que las abarque, inquietud cuya legitimidad me confirmó Faulkner en su famosa entrevista para The Paris Review. Yo quería buscar cierta integración, pero sin caer en la trampa del "programa" escritural que después te esclaviza porque confunde "definirse" con "confinarse". Me pareció que una tetralogía, que es un proyecto con peso pero con un cierre, ofrece una puerta de salida, una bisagra. Pasado ese punto, y ante la amenaza del autoaburrimiento, se puede cambiar de rumbo sin miedo, como un pintor trabaja una serie y un día dice: "listo, paso a otra cosa". La tetralogía puede quedar como un proyecto independiente y cerrado en sí mismo, o bien volverse ese núcleo para todo lo demás. Veremos, dijo Steve Wonder. En cuanto a la forma del proyecto en sí -y siempre en el plano del deseo-, por lo pronto sé que las novelas buscarán abarcar al menos cuatro generaciones de personajes, que en lo estético cada una intentará conectar su poética con uno de los cuatro elementos clásicos -Las ostras es la novela de "agua"-, que el tiempo será plástico y no correlativo en todas ellas, que tendrán títulos cortos, que compartirán algunos personajes pero que su continuidad no estará dada en la forma de una "saga" (continuación argumental), sino en el sentido de las relaciones estéticas que puedan establecerse entre los cuatro textos. También que la segunda será más larga y expansiva que la primera, que la tercera tratará de ser más desmesurada, libre y descontrolada, y que la cuarta, como un testigo cuerdo de la insanía anterior, tratará de volver a la brevedad y la forma medida y controlada. De las historias en sí no digo nada para no sentir que publico antes de escribir, que es lo que recomendaba Osvaldo Lamborghini, salvo que a mí Lamborghini me gusta poco y nada.

Presentación. La novela Las ostras (Caballo Negro Editora) se presentará el martes 22 a las 19.30 en Cocina de Culturas (Julio A. Roca 491). Junto al autor estará Pablo Dema, quien se referirá al libro. Además habrá barra y música en vivo con Marcos Croce. La entrada es libre.

"Era el premio que más queríamos"

Sat, 19 May 2012 03:50:17 GMT

Lopatológico, la obra de Cirulaxia, ya cumplió 130 funciones. Ganadora por el Premio Provincial de Teatro a la Mejor Obra de 2011, este drama con intriga policial e ingredientes propios del grupo continúa en la sala del ex Abasto. "Es la tercera temporada. La estrenamos en abril de 2010", comenta Elena Cerrada, también nominada en la terna a la Mejor Actriz.

Lopatológico convivió con las obras del repertorio de Cirulaxia que se presentan en gira por el país. Por eso no existe un ranking de favoritas. "Tenemos repertorio. En 2011 hicimos 10 funciones en el Teatro Real de la obra Modestamente, con bombos y platillos; este año realizamos 12 de Desastres, para escuelas. Con El Quijote hicimos mil funciones. Fue la primera obra del grupo y todavía la presentamos el año pasado y el anterior", señala Elena. En Lopatológico ella es Lola, perdidamente enamorada de Lolo (Gastón Mori, nominado como Mejor Actor). Su amor parece eterno, hasta que ocurre algo y Lola es interrogada por la policía (José Luis de la Fuente, fuera de escena).

"Lopatológico es un fenómeno de público en general. Siguen quedándose afuera entre 20 y 30 espectadores. La gente reserva entradas desde el lunes anterior. El tema funciona y es muy importante el boca en boca", comenta Elena. Como siempre ocurre, hay que estrenar para saber si la obra tiene aceptación. Sobre todo en el caso de Lopatológico, destinada a adultos. "Estrenás y después, el abismo... Ésta es una apuesta distinta, que ha tenido una repercusión que superó nuestras expectativas. Vienen a la sala muchos adultos, mujeres solas. Se ve que hay mucho desencuentro amoroso y por eso llegan tanto las preguntas que hacemos sobre el amor. Es más común de lo que creíamos. Por otra parte, estamos muy psicologizados, por vivir en Córdoba y en Argentina. Así que ya sabemos qué significa seguir los mandatos y esas cosas".

En 2011, luego de poco más de 90 funciones a sala llena, los vieron 9000 espectadores. La obra participó en el Festival Internacional de Formosa; en la Fiesta Regional del Teatro en Paraná; en el Teatro Nacional Cervantes y en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (ex Esma). El grupo fue seleccionado por el Instituto Nacional del Teatro con las obras Modestamente, con bombos y platillos, Desastres y Lopatológico para representar a Córdoba en distintos festivales nacionales e internacionales. Al regreso, Cirulaxia participó con Lopatológico en el Festival del Mercosur Córdoba 2011 y siguió durante octubre y noviembre en Espacio Cirulaxia.

La noche del 27 de marzo, el grupo tuvo función en Trelew donde presentaron Modestamente, con bombos y platillos. Simultáneamente, en el Teatro Real, se anunciaba Lopatológico como la Mejor Obra de 2011. Recibieron la estatuilla Adriana García, única integrante en Córdoba, y Marcelo Arbach, director de la obra y maestro de ceremonia. "Nos llegó el mensajito después de la función. El festejo fue doble: por el Día del Teatro, por la obra, y, también, porque nos fue muy bien en Trelew. Primero no podíamos creer las nominaciones. Somos tantos grupos en Córdoba... Era el premio que más queríamos, porque somos un equipo de creación colectiva y entonces no hay ninguno que se destaque. Que fuera la Mejor Obra es una caricia para todos, la palmadita por nuestro trabajo", señala.

En 23 años Cirulaxia no cambió la metodología de trabajo. "La obra estuvo escrita antes de que llegara Marcelo (Arbach). Yo tenía un gran deseo de actuar. Necesitamos un guía para el modelado de los estados. Él pudo contenernos, cosa nada fácil porque somos mucho cacique y poco indio", dice la actriz que ya está trabajando con sus compañeros en una obra sobre los claqueros del teatro.

Lopatológico

Policial romántico

Dramaturgia: Cirulaxia. Dirección: Marcelo Arbach. Con Elena Cerrada, Gastón Mori y José Luis de la Fuente. Luces: Víctor Acosta y Tomás Gray. Sonido: Chori Carazo. Escenografía: Gabriel Mosconi y Rodolfo Roldán. Sábado a las 21.30 en Espacio Cirulaxia, Pasaje Pérez 12. Reservas al 152-033805. Ent. $ 50.

Un nombre para todas las mujeres

Sat, 19 May 2012 03:00:05 GMT

Uno de los problemas que tienen los grandes escritores es que han recibido el diploma de genios y sus editores ya no se atreven a señalarles ni siquiera los defectos más obvios de sus textos. Carlos Fuentes, el narrador mejicano que murió esta semana, obtuvo el título de genio bien temprano en su vida, con la novela La muerte de Artemio Cruz y lo revalidó con obras como Aura, Cambio de piel, Gringo viejo o La región más transparente.

Por coincidencia, días antes de la muerte del escritor, la editorial Alfaguara lanzó en la Argentina el libro Carolina Grau, publicado en México en 2010. Está integrado por ocho relatos encadenados entre sí por la figura de una mujer llamada Carolina Grau, que a veces es real, a veces soñada, a veces un fantasma y otras veces sólo un nombre. En esos relatos, Fuentes llega a puntos bien altos de su arte narrativo (en "Olmeca" y "La tumba de Leopardi"), pero también cae en su peor defecto: la verborragia interminable.

Más allá de que estén entrelazados, el espacio y el tiempo de los cuentos se expanden en una amplia perspectiva de lugares y de años. En "El prisionero del Castillo de If", Fuentes imagina otra versión de El Conde de Montecristo, en la que no es Dantés el que huye de la cárcel sino su maestro Faría. De esa isla cercana a Marsella, y del siglo XIX, pasa al mundo contemporáneo en "Brillante" (el menos logrado de los cuentos), luego se traslada a un paisaje onírico en "El hijo pródigo", y en "Olmeca" retrocede hasta la época de la conquista de América. Vuelve al siglo XIX, a Italia, en "La tumba de Leopardi", y en "Salamandra" se traslada al México actual (con un viaje a Mantua en el medio), retorna a la isla frente a Marsella en "El arquitecto del castillo de If", aunque ahora es el presente, un presente que se prolonga también en el inquietante último relato "El dueño de la casa".

Esas idas y vueltas temporales y espaciales son la cifra de una inestabilidad más profunda, en la que la realidad se convierte en una materia maleable, de múltiples dimensiones, y en ella todo es posible y misterioso. En sus mejores momentos, que son muchos, la prosa de Fuentes trasmite de manera casi física esa inestabilidad y la hace más que legible, la vuelve palpable, tangible, sí, pero como algo que se escapa de las manos, como Carolina Grau, que es todas las mujeres y es ninguna.

Carolina Grau
Carlos Fuentes
Alfaguara
Buenos Aires 2012
180 páginas

Siguen llegando cartas de Julio

Sat, 19 May 2012 03:00:03 GMT

Cuando Julio Cortázar puso como condición para una entrevista con la revista Life controlar "hasta la última coma" a través de una revisión de pruebas, "sin lo cual no autorizaba la publicación", el medio le respondió que él exigía algo que no habían planteado ni Winston Churchill ni John Kennedy. Que se lo hayan concedido acaso sea una muestra de cuán importante era conseguir la palabra de este gigante de la literatura a fines de la década de 1960.

La anécdota surge de la primera carta del tomo 4 de Cartas. 1969-1976, que reúne casi 450, de modo que hay cientos de historias como esa.

Escritores, editores, críticos literarios, medios de comunicación, familiares, artistas varios, Cortázar le escribe a todo el mundo. Cuenta qué le pasa, cómo se siente, qué opina sobre cada cosa que lee o los procesos políticos latinoamericanos, adónde está por viajar, y cada dos por tres lamenta no tener tiempo para entregarse a la carta larga que tanto placer le causa.

Es que son los años más fuertes de su compromiso político, primero con Cuba y luego con otros procesos políticos revolucionarios. En tono de disculpa, por ejemplo, para justificar un desencuentro, a Félix Grande le escribe que "el argentino propone y los cubanos disponen".

Y en varias cartas de 1973 hay explicaciones sobre El libro de Manuel, la novela donde abordó a fondo la cuestión política.

En el tomo 5, que reúne unas 550 cartas escritas entre 1977 y 1984, el tema se transforma en la denuncia de las atrocidades cometidas por las dictaduras y su solidaridad con Nicaragua.

Una carta de principios de 1980 a su editor en Barcelona, Juan Martini, termina "con un pechazo: en Nicaragua hace falta de todo, desde aspirinas hasta enciclopedias, y yo he vuelto con un gran plan de agit-pop a favor de ese país tan maravillosamente corajudo"; conclusión, no estaría nada mal que Bruguera donara unas cuantas cajas con libros.

Pero a partir de mediados de 1981, una nueva cuestión se instala en la correspondencia y, de a poco, lo va tiñendo todo: sus problemas de salud se precipitan y dan lugar a internaciones e intervenciones clínicas, médicos que le exigen reposo o le prohíben viajar, y en agosto de 1982, tras la "expedición París-Marsella" que dio origen a Los autonautas de la cosmopita, es el turno de su compañera Carol Dunlop, que finalmente fallece en noviembre de ese año.

Casi de inmediato, nombra a su ex mujer, Aurora Bernárdez, única heredera y albacea literaria. "Inútil decirte que tengo la intención de vivir todo lo que pueda. Pero se vive mejor cuando se tienen las cosas y las camisas bien arregladas".

Cortázar murió 14 meses después.

Cartas. 4. 1969-1976
Julio Cortázar
Alfaguara
632 páginas
$ 169

Cartas. 5. 1977-1984
Julio Cortázar
Alfaguara
656 páginas
$ 169

El chico que vino del barrio

Sat, 19 May 2012 03:00:02 GMT

Primerísimo primer plano y la cámara se sigue acercando a un rostro furioso, desencajado. Es el rostro de un hombre en llamas que ha perdido a su mujer en manos de un cheto del cerro y le quiere explicar a su modo las inconveniencias del amor interclasista. Un hilo de baba en sus comisuras parece la metáfora de la furia. Es el Laucha, el personaje que lleva a De caravana a una encantadora dimensión tragicómica. Gustavo Almada le puso el cuerpo a ese personaje y ahora hizo lo propio con Javier Rodríguez, enLa Sombra Azul. Entre los dos personajes no hay en común más que la tonada cordobesa. Después, cada uno tiene una oscuridad particular. Algo que Gustavo sabe transmitir de un modo misterioso.

-¿Cuándo decidiste ser actor?

-Recuerdo que tenía 10 años y un día mi vieja me preguntó qué quería ser cuando fuera grande, y le dije actor, quizás por algo que habré visto en la tele, vaya a saber, lo reafirmé en la secundaria, tuve teatro tres años, egresé en el 91 y en el 95 entré a la facu, me tomé 4 años sabáticos.

-¿Qué es lo que más te atrae de la actuación?

-Prestar mi cuerpo, emociones, voz, a un personaje que podría ser una persona real, experimentar con situaciones que no vivís, y ver qué haría yo en esa situación, conocer otras aristas mías que no siempre salen a la superficie, quizás sea una forma de conocerme un poco más…

-¿Cuál fue tu momento más intenso de actuación?

-Hubo muchos, pero el que más reciente fue en mi tesis, con mi compañero toto Corpora en la obra Monogamia de de la Parra, me encantaba ser Juan, un tipo conflictuado con la infidelidad que lo atraviesa en la obra, sus contradicciones que causaban un humor con el cual me identificaba muchísimo.

-¿Qué tiene de vos el Laucha de De Caravana?

-La remera de Belgrano que es mía, malas palabras, pero en un grado más exagerado su pasión.

-¿Qué te quedó a vos del Laucha, qué cosas del personaje quedaron en vos?

-El reconocimiento de la gente. Del personaje, se lo dejé todo al laucha: sus broncas , resentimientos, pero sobre todo su machismo, yo no soy así.

-¿Qué marcas del lugar donde naciste reconocés en tu personalidad?

-La plaza Lavalle donde jugaba al futbol, donde nos juntábamos con mis amigos cuando éramos adolescentes, los asados, los partidos de truco, soy un pibe de barrio.

-¿Te acordás de lo primero que pensaste al conocer el guión de De Caravana?

-Me acuerdo la tarde que llegó Rosendo a mi a casa, tomábamos unos mates y mientras me iba contando de qué trataba el guion se me vino la sensación de que íbamos a jugar en primera A del cine, veníamos de filmar Una manga de Negros, pero ahora requería el triple de trabajo. Pero más me alegró cuando aceptó mi propuesta de hacer la dirección de actores.

-¿Qué sentís cuando ves que a la película la piratean y la venden en las peatonales de Córdoba?

-Lamentablemente la piratería no se puede manejar, pero si sé que mucha gente también la vio y que no pudo ir al cine, en cierta forma que muchos quieran verla te llena de orgullo, quizás a los productores les dé un poco de dolor de cabeza.

-¿Cuál es la anécdota más divertida relacionada a De caravana?

-La mona tenía que saludar al fotógrafo mientras cantaba la canción, esa era la acción, lo reconocía desde el escenario. Pero no solamente que lo hizo bien, sino que él siguió hablando, diciendo que estaba contento de que se estuviera filmando una película en su baile. Entonces cuando el tema termina le digo “no, Mona, no tenía que decir que esto es una peli”. Y él me contestó: “que se entere todo el mundo que esta es la película más cordobesa que va a haber”, tuvimos que hacer la toma de nuevo y el tema también.

-¿Cuáles son las 10 palabras más hermosas del cine cordobés?

-Genial, grosos, felicidad, identificación, encanto, mortal, brillantes, únicos, espectacular, cordobesasa.

-¿Qué creés que le faltó a Córdoba Casting para convertirse en un fenómeno como el de la película?

-Para mí no le faltó nada, simplemente creo que ya pasa por el gusto de los espectadores, simplemente eso.

-Si tuvieras un superpoder para darle algo, una única cosa a la ficción audiovisual cordobesa, ¿Qué le darías?

-Plata. Productores que se animen a arriesgar e invertir en nosotros. Cuando digo nosotros guionistas actores, técnicos, para que podamos seguir no solo trabajando sino filmando y contando historias que acá en córdoba tenemos muchísimas.

-¿A qué emociones recurriste para interpretar a Javier Rodríguez, el protagonista de La Sombra Azul?

-Da la sensación que a Rodríguez no le pasa nada, pero le pasan muchas cosas, y creo que más que recurrir a emociones, fue desde sus acciones que sus emociones se exteriorizan, su aspecto sombrío o angustioso todo el tiempo es estar en esa contradicción de querer hacer justicia pero estar aterrado, no creo que sea una situación simple.

-¿Estás de acuerdo con el planteo político de la película?

-Sí, porque creo que está bueno que empecemos a hacernos autocriticas y que se pueda a empezar a abrir un debate para reflexionar sobre nuestro pasado, estando en un presente bastante complejo y poder forjar un futuro mejor, poder expresarnos y no por ello ser caratulado de esto o aquello.

-¿Qué desafío particular te planteó el personaje de Javier Rodríguez?

-Tratar de meterme en la piel de una persona que no logra entender lo que le pasó.

-¿Cuál es la línea de diálogo de tu personaje que creés más lo define en esa película?

-En la escena en que Rodríguez está con la abogada, comiendo una picada en la casa de él y ella le dice que casi lo matan y él ni siquiera sabe por qué… y Rodríguez responde “qué iba a saber yo”. Creo que esa frase que responde lo define.

-¿En qué gran película te hubiera gustado actuar? ¿En qué papel?

-En la película de Woody Allen Disparos sobre Broadway, el personaje del gánster, quien termina escribiendo la obra de teatro.

-¿A qué otra actividad de la vida se parece actuar?

-A jugar al futbol, es esa paradoja de jugar y trabajar a la vez, con la diferencia que los jugadores de fútbol tienen una vida corta en cuanto a carrera, en cambio los actores podemos seguir trabajando hasta los cien años, obvio, si llegás…

-¿Cómo te gustaría despedirte de esta entrevista?

-Tomando un fernet y escuchando los redondos.

Perfil

Gustavo Almada es actor, interpretó al personaje del Laucha en De Caravana, la película de Rosendo Ruiz que esta semana vuelve al Espacio Incaa de Ciudad de las Artes. Protagoniza La Sombra Azul, de Sergio Schmucler, actualmente en cartelera en los cines Dinosaurio. En TV participó en la serie Córdoba Casting.

Cirulaxia: "Era el premio que más queríamos"

Sat, 19 May 2012 03:00:02 GMT

Lopatológico

Policial romántico

Polémica por un cuadro que retrata los genitales del presidente sudafricano

Fri, 18 May 2012 18:32:04 GMT

Un cuadro del artista sudafricano Brett Murray, que retrata al presidente de su país, Jacob Zuma, con sus genitales al descubierto, ha llevado a la Presidencia y al partido gubernamental a exigir su retirada, mientras la galería que exhibe la obra defiende la libertad de expresión y artística.

El cuadro, titulado "The Spear" ("La lanza"), forma parte de la exposición "Dios salve al Ladrón II", y se exhibe en la galería Goodman de Johannesburgo desde el pasado 10 de mayo, según informan hoy los medios sudafricanos. La pieza muestra al presidente Zuma en una simulación de una popular ilustración del líder comunista ruso Vladimir Lenin, en la que se pueden apreciar claramente sus atributos sexuales.

La Presidencia de Sudáfrica se mostró disgustada e impactada por la pintura "grotesca" de Murray, y reprochó que el artista no es consciente de la responsabilidad que conlleva el ejercicio de las libertades. "El presidente de Sudáfrica defenderá siempre los derechos de nuestra Constitución, incluidas la libertad artística y de expresión, pero en el ejercicio de estos derechos, los ciudadanos deben entender que éstos no son absolutos", subrayó hoy la oficina del presidente Zuma en un comunicado.

"Además de jefe de Estado, el presidente Zuma es un ciudadano y tiene derecho a conservar su dignidad (..). Ningún ser humano merece ser denigrado de esta manera", dijo la Presidencia, que añadió que el presidente "se reserva sus derechos (a actuar) en este asunto".

Por su parte, el partido gobernante, el Congreso Nacional Africano (CNA), anunció en un comunicado el inicio de acciones legales para impedir la exhibición de la obra y exigir la destrucción de todo el material gráfico que la reproduzca. "EL CNA está extremadamente descontento con la manera indecente y de mal gusto en que Brett Murray y la galería Goodman están mostrando a nuestro compañero, el presidente Zuma", afirmó el CNA.

La exposición utiliza referentes del arte y la parafernalia comunista para mostrar la corrupción política e ideológica del CNA, un movimiento de liberación de inspiración socialista que jugó un papel fundamental en la lucha contra el régimen racista del apartheid, impuesto por la minoría blanca sudafricana.

"El zafio retrato (de Zuma) y la utilización del logo del CNA es un abuso de la libertad artística y de expresión y una violación de nuestra Constitución, además de ser difamatoria", añadió el partido gubernamental, liderado antaño por el expresidente Nelson Mandela. El retrato se puede ver aún en la web del diario sudafricano Citypress, pese a que los abogados del CNA han reclamado al periódico su retirada.

"La demanda carece de base jurídica", indicó hoy la publicación en un comunicado difundido en su web. La galería Gooodman, donde todavía se muestra la obra de Murray, afirmó hoy que no retirará el cuadro, y calificó las intenciones del CNA de "censura". Lara Koseff, portavoz de la galería, afirmó hoy que siempre han defendido a sus artistas, también durante el apartheid. "Cuando inauguramos (la exposición) me acordé del artista chino Ai Weiwei, que ha sido perseguido por retratar negativamente a su gobierno", explicó Koseff, en palabras recogidas por el diario sudafricano "Times". "Pensé -concluyó la portavoz- que nosotros éramos afortunados por estar en una situación diferente, por poder tener esta clase de diálogos (artísticas). Pero ahora parece que alguien quiere cambiar estas cosas".

Siguen emitiendo facturas de agua a nombre de Gabriela Mistral

Fri, 18 May 2012 13:46:04 GMT

La empresa chilena Aguas del Valle aún emite facturas de servicio a nombre de Lucila Godoy, es decir, la poeta chilena y Nobel literaria fallecida en 1957, Gabriela Mistral.

Las boletas llegan regularmente a la Casa de Las Palmeras, adquirida por la autora de Tala, Almácigo, Ternura y Lagar entre otras obras, en 1925 para vivir con su hermana y su madre en la ciudad de La Serena, informó el periódico El Mercurio.

El alcalde local, Raúl Saldívar, dijo que la casa donde actualmente funciona el Departamento de Extensión y Cultura de la Música, aún recibe las cuentas de servicios públicos a nombre de la poeta "porque ese papel es un documento doméstico que tiene valor simbólico y patrimonial".

Lucila de María del Perpetuo Socorro Godoy Alcayaga (1889ž1957) fue también una reconocida diplomática, feminista, pedagoga y la primera figura latinoamericana que recibió el Nobel de Literatura, en 1945.

Su seudónimo Gabriela Mistral surgió en 1914 para presentar a concurso los Sonetos de la Muerte -obra escrita tras el suicidio de un amigo- y desde entonces lo utilizó en casi todos sus escritos.